viernes 30 jul 2021 | Actualizado a 07:09

Ubaldo Nallar: La pasión por la vida fue su escenario

ESPACIO.En 2005 Nallar fundó el Café Lorca en Santa Cruz, refugio de artistas, epicentro cultural y centro gastronómico

/ 14 de junio de 2021 / 09:17

Amigos y colegas se despiden del actor, gestor cultural, director y dramaturgo, fallecido el 7 de junio por coronavirus

En 2005 los sueños de una sola persona, pero capaz de guardar muchos perfiles —gestor cultural, artista, dramaturgo, actor y director, amigo, anfitrión, maestro, entre otros—  se reunían en un solo lugar de la ciudad cruceña: Café Lorca. Sin embargo, estos proyectos se fueron gestando durante  toda una vida marcada por el arte.

Desde joven, Ubaldo Nallar (1978-2021) relució su afición por el teatro. Como actor integró los elencos: Casateatro (19961999) y La Gruta de Macondo (19982000). Estuvo del otro lado del escenario, como director, junto a Panicum-Teatro, fundado por él en 1998. Desde tragedias griegas, hasta el teatro de lo absurdo, Nallar gestó representaciones del teatro universal en el país. En 2013 fundó la compañía Otero Moreno Teatro, nombre que dedicó a los escritores bolivianos y supo homenajear en vida. Fue figura central del Fitaz (Festival Internacional de Teatro de La Paz) durante muchos años, desde 2002 hasta 2016, dirigiendo importantes representaciones. Trabajó con la compañía Santa Cruz Shakespeare Company.

Café Lorca resumió una parte de su vida y de su intención que sobrepasaba lo personal e íntimo: dar cabida a otros artistas, a otras artes y regalar cultura. El espacio, que dirigió por más de una década, se convirtió en un café, un restaurante, una sala de conciertos, un teatro, también una carpa de circo, un espacio familiar y muchas veces una galería de arte. Se convirtió en uno de sus tantos legados.

El imposible mutis por el foro de Ubaldo Nallar

Mis muertos nunca se van, o si lo hacen tardan mucho. Siguen viviendo a mi lado como fantasmas, aparecen sin avisar a cualquier hora del día, unas veces me hacen reír (¿Recuerdas amigo aquella vez que robé un jamón asado de la boda de otro amigo y hui con él debajo del brazo a las 7 de la mañana de un domingo embutido en un traje blanco?) y otras llorar (Me regalaste toda tu vajilla con pequeñas fallas y me es imposible comer, hacerme un té o tomar una cerveza sin acordarme de vos). Y todos sabemos, incluso tú, amigo, que tu fantasma es “rompebolas”, perfeccionista, sarcástico, amable… el peor fantasma para tratar de librarse de él. Tu fantasma es más grande que tu cuerpo, tu leyenda del “vampiro inmortal” era cierta, pero no de la forma que todos esperaban.

Si me pudieras hablar me dirías que por qué un obituario tan largo, y yo te diría que mi enfermedad es la verborrea y que se contagia por vía textual. Y nos reiríamos a mandíbula batiente. Pero esta pena, la de ahora, la que no está reposada, la cruda, me mata de llanto y de risa al mismo tiempo. No me deja saber cuánto tiempo seguiré por las calles, por los objetos, por lo escenarios, tropezando con tu fantasma terco, imprescindible, incansable.

Quisiste hacer un “mutis por el foro”, irte de forma discreta, sin llamar la atención, pero no te salió bien esta vez, querido amigo, todos pudimos ver cómo te ocultabas por última vez tras el telón de fondo y solamente pudimos deshacernos en aplausos. (Marcos Vecin, actor)

La compañía que seguirá sus pasos

“Ha y almas a las que uno tiene ganas de asomarse, como una ventana llena de sol”, escribió Federico García Lorca. Esta frase de este poeta y dramaturgo a quien tanto admiraba Ubaldo, lo describe a la perfección. Era luz pura, que encantaba y atraía a cada ser que pasaba cerca suyo, muchos que solo iban de paso y otros para quedarse a su lado, pero siempre que compartieras con él sentirías la calidez y alegría de un náufrago que vislumbra un faro y llega a su hogar. Así fue conmigo. En 2015 vine a Bolivia con el elenco en el que formaba parte en Uruguay. Recuerdo que entre copas en la fiesta del festival conversamos sobre realizar intercambios internacionales y trabajar juntos.

Meses después volví a Santa Cruz. Ubaldo se convirtió en mi socio, director, hermano, amigo, familia, padrino de boda, en parte de mí. Me dio un hogar y sueño común como es Otero Moreno y Santa Cruz Shakespeare Company y la familia que se conformó con los artistas de las compañías. Pero la pasión y dedicación de Ubaldo por el teatro existen desde mucho antes de que lo conociera: su importante carrera teatral, el amor por su familia, la oficina de su casa y su biblioteca, su jardín de ensueño que parecía jardín de hadas sacado de “Sueño de una noche de verano” y tanto más por decir.

Ubaldo está vivo en su teatro, en sus obras, en sus textos, en  sus espectadores. Y sobre todo en nosotros, su elenco y su amada compañía, que sabrá mantener su legado. (Diego Cowks, teatrista)

Ubaldo: amigo y conector de almas

Entre las tantas conversaciones que tuvimos juntos, lo que más me impresionaba de Ubaldo era su constante motor por vivir la vida hacia adelante, de no mirar hacia atrás, de ser emprendedor, con su negocio, su teatro, su dramaturgia, con sus amistades, su familia y sus relaciones. Y sonreía.

Era implacablemente honesto. Quizás por eso se convirtió en el confidente de muchos. Era generoso porque te compartía sus historias, sus problemas, sus miedos y también te escuchaba. En un instante, te hacía parte de él, de su mundo. Te hacía creer en la amistad. Y sonreía.

Si era al degustar un delicioso plato que se había ideado, al tomar una ginebra con tónica, o una cerveza, al desmontar una obra de teatro, al terminar un ensayo, o simplemente sentado en su patio mientras escuchábamos el viento azotar las hojas de los árboles, nuestras charlas constantemente terminaban en temas íntimos: sueños, logros, preocupaciones. ¿Qué más se puede pedir de un amigo? Y entonces, como buen amigo que era, él trataba de orquestar tu vida, para bien, claro. Y sonreía.

Lo conocí hace poco más de seis años. En la primera charla que tuvimos me dijo: “Fer, quiero plantar una hilera de árboles desde mi casa hasta mi local de trabajo, de esta forma habrá sombra en mi camino, y en el de muchos”. Y sonreía.

Que nos ilumine desde donde esté. Nos toca hacer la sombra a nosotros, como aquellos árboles. (Fernando Arze, actor y director)

Soñar una noche de verano

Ubaldo, vos y yo sabemos que, tanto en narrativa como en dramaturgia, alguien puede morir en una línea y reaparecer en la siguiente página. Voy a contar una historia que se siente como un sueño, aquella de telones que es tu vida, y escribo “es” porque a los seres humanos como vos nunca se les corta el diálogo; son lo que conocemos como protagonistas. Escribiré primero que pasas horas de tus días cuidando plantas y árboles, que sabes nombres, cualidades y las exigencias de cada especie: eres un artesano fino de la vida. Así también nutres tu hermosísima biblioteca, una de lector ávido y clásico. De la misma forma operas en la comida y la bebida, motivación para despertar.

¿Qué más escribo? Que en todo buscas la belleza absoluta. En la luz con la que iluminas el escenario y a la gente que coleccionas para trabajar tus sueños de verano. Tus relaciones también las pones bajo la luz más encantadora, observas a cada persona, recuerdas sus particularidades y así todas nos sentimos especiales bajo tu mirada, que nunca es complaciente ni zalamera. Eres firme y honesto como pocos, pero sabes que serlo no significa ser grosero. Eres el imán más elegante que atrae y aloja solitarios y extraviados.

Es imposible el trabajo de esta escritora cuando el protagonista hizo tanto, entonces te conviertes también en la historia, el clímax, el contexto, que se ubicará en el centro de una ciudad calurosa, en la esquina frente a la Catedral, donde pasa la fiesta, la discusión intelectual, el arte. Donde se refugian y se presentan los artistas, porque el escenario es pequeño pero gigante como el corazón del perfecto anfitrión: vos.  (Paola Senseve, poeta)

Fotos: Julio González y Archivo La Razón

Estados Unidos se pasea ante Irán y endereza su rumbo en el básquetbol olímpico

Las dos primeras selecciones de cada una de las tres llaves avanzan a cuartos, El equipo estadounidense cerrará la fase de grupos ante la República Checa

Jayson Tatum de EEUU va a la canasta en el partido de baloncesto contra Irán

Por AFP

/ 28 de julio de 2021 / 10:48

TOKIO 2020

La selección de básquetbol de Estados Unidos enderezó su rumbo en los Juegos de Tokio-2020 al ganar con autoridad a Irán (120-66), este miércoles en el Saitama Arena, con una gran actuación del base Damian Lillard, autor de 21 puntos, con siete triples.

En el grupo A, el equipo de las estrellas de la NBA había caído en su estreno ante Francia (83-76). Este miércoles no tuvo rival y desde el principio marcó distancias con el grupo persa.

Dispuesto a recuperar voluntades en un día sencillo, el seleccionador estadounidense Gregg Popovich repartió minutos entre todos sus jugadores. 

El plan del mítico técnico de los San Antonio Spurs pasaba por dar un paso adelante en defensa y ahogar a los jugadores iraníes. En ataque, el talento anotador estadounidense hizo el resto.

En Irán dio la cara su referente, el antiguo NBA Hamed Haddadi, autor de 15 puntos y 6 rebotes.

El equipo estadounidense cerrará la fase de grupos ante la República Checa, que este miércoles se enfrenta a Francia.  

Las dos primeras selecciones de cada una de las tres llaves avanzan a cuartos, más las dos mejores terceras.

(28/07/2021)

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LASTESIS: Un feminismo desde lo colectivo y la performance

'El violador eres tú', pieza performática creada por el colectivo feminista chileno, hizo carne en mujeres de todo el globo

LASTESIS. Dafne Valdés, Sibila Sotomayor, Lea Cáceres y Paula Cometa son las integrantes

Por Claudia Fernández

/ 26 de julio de 2021 / 19:18

Yla culpa no era mía, ni dónde estaba, ni cómo vestía. El violador eras tú”, dice el verso más cantado en España, México, Turquía, Argentina, Chile y Bolivia de la performance creada por LASTESIS, un colectivo feminista fundado por cuatro jóvenes y reconocido por la revista Time como una de las 100 personalidades más influyentes de 2020, aunque la nominación resulta ser un detalle más en medio de una compleja lucha contra el patriarcado. Dafne Valdés, Paula Cometa, Sibila Sotomayor y Lea Cáceres, nacidas en Valparaíso (Chile) y a favor del enfoque interseccional, apuestan por un diálogo entre las tesis feministas y las manifestaciones artísticas como reivindicación de las mujeres y la comunidad LGTBIQ+. Y ahora quieren Quemar el Miedo.

—¿Cómo ven el movimiento feminista en Latinoamérica en un contexto de crisis sanitaria muy distinto a 2019 cuando, por ejemplo, las plazas eran espacios de lucha, de protesta?

—Está activo, aunque con la pandemia las prioridades van cambiando. La violencia doméstica ha sido un tema muy importante durante este tiempo; el confinamiento finalmente hace evidenciar aún más las formas de violencia contra las mujeres, infancia y personas de las disidencias. Así que hay luchas importantes y que en cuanto se pueda recuperar las calles van a florecer temas como el aborto, mientras tanto América Latina tiene que estar observando y constantemente  poniendo en su lugar a los agentes que finalmente resultan ser quienes proporcionan la violencia; visibilizando las prioridades que no son ni de derecha ni de izquierda, y construyendo las relaciones entre colectivas feministas, transfeministas latinoamericanas con organizaciones africanas, afrodescendientes, europeas y asiáticas que son importantes. Así que tenemos que estar despiertes, atentes y listes para reactivarnos.

—Ustedes incentivan a la acción en la lucha feminista. ¿Cómo hacerlo?

—Nosotras creemos mucho en el “hágalo usted misme” desde las herramientas que tenga, que pueden no ser muchas: no tienen que ser académicas, no tienen por qué tener un grado en arte, teatro o en lo que sea, sino que en verdad teniendo un cuerpo, son muchas las cosas que podemos hacer. Por ejemplo, nuestros vínculos con lo musical son absolutamente autodidactas, no nos dedicamos a la música, sin embargo desde que empezamos a trabajar en 2018 nos daba la sensación de que era muy necesario que tuviera un ritmo. Hay muchas cosas que se pueden hacer solo con el ímpetu y sin temor de nada. También creemos que ese activismo está en el cotidiano: en el cómo nos relacionamos con nuestra familia, cómo entendemos la construcción familiar, cómo comprendemos otros posibles vínculos de distinta filiación que no pasa por lo sanguíneo ni lo sexo afectivo; como también en lo laboral, este  activismo en el cotidiano como cuando voy caminando por la calle. Creemos que hay que estar todo el tiempo operando, lo que es un ejercicio bastante agotador, pero en ese sentido la lucha feminista es constante. Y en el contexto latinoamericano el diálogo entre el arte y el activismo, o sea, el artivismo, es algo muy potente y que a veces en los países del Norte no está instalado de la manera en que está aquí, de la manera en la que está en Chile, Argentina, Bolivia o Perú. Además, en nuestra lucha nos ha hecho sentido el diálogo con las personas de la disidencia del sistema sexo-género, con quienes compartimos tantas opresiones y creemos que tenemos muchos puntos en común en nuestra lucha y que juntes somos más fuertes.

La letra y la coreografía de Un violador en tu camino parecen sencillas, pero por detrás hubo un trabajo de investigación basado en el libro Calibán y la bruja de Silvia Federici. ¿En el camino que eligieron, por qué el cuerpo se convierte en uno de los protagonistas de la lucha feminista?

El cuerpo es el primer territorio que habitamos, y en el caso de mujeres y personas de las disidencias hay un tema de cómo el cuerpo se transforma en un territorio de opresión; un territorio de violencia que nos atraviesan en múltiples ámbitos que no tienen que ver solamente con las personas gestantes o con capacidad de gestar. Nos parece importante esa reivindicación; cuerpo como territorio y esa reapropiación como una herramienta de lucha y de resistencia. Además, eso se vincula directamente con esta creencia que tenemos en el potencial transformador de la performance, cuyo sustento, ya sea artístico o cultural, es el cuerpo. A lo largo de la historia hemos visto cómo las luchas muchas veces parten desde ese territorio oprimido, parten de ese lugar y el tema de vincular la performance con los feminismos o transfeminismos tiene que ver con eso, con esa potencia política que conlleva la apropiación del cuerpo que no es cualquier cosa como pareciera, como algo evidente, pero en verdad creemos que no, que ahí hay una vuelta importante, una lucha de muchos años pero que sigue en la actualidad.

—Son varias las manifestaciones artísticas que realizaron pero Un violador en tu camino reflejó un salto generacional; hubo adultas mayores cantando y realizando la coreografía en diferentes países. ¿Este salto fue buscado?

—Cuando generamos la intervención y definimos la coreografía, intentamos que fuera muy sencilla pensando en que una gran mayoría de personas pudiera ejecutar estos movimientos, eso era muy importante para nosotras. Y que los movimientos y la letra generarán una alianza, no una dicotomía, no una separación, sino que dialogarán. Y lo que sucedió con LASTESIS senior, personas mayores de 40 años, de alguna manera corroboró esa premisa. Era impactante lo que aquello significó, y lo mismo con este efecto sanador de la performance, con ese momento en el cual una misma apunta hacia afuera, algo sucede en torno a su experiencia de violencia sexual y que también fue algo que descubrimos cuando hicimos la performance en la calle por primera vez; como que antes eso estaba en el terreno de las ideas y hay cosas que solo se concretan cuando se realizan a través de la acción, en ese sentido tiene mucho que ver con lo performativo, o sea, con el cuerpo.

—¿Y cuál es el vínculo que tiene con los sectores populares, con los indígenas?

—No hay un vínculo directamente, pero nuestras convocatorias apuntan a todos los sectores económicos pero evidentemente hay una necesidad mucho más fuerte de hablar de feminismos en sectores populares en donde también los Estados y sus aparatos educacionales han minimizado de alguna manera la posibilidad de mayor información, por ejemplo, respecto al género. Eso quizás es una de las deudas que tenemos las feministas que venimos de la academia.

ACCIÓN. El violador eres tú de LASTESIS se replicó en las calles de diferentes países. Foto: LASTESIS

—“Feminazi” es un insulto que utilizan para descalificar el movimiento feminista. ¿Qué opinan sobre el adjetivo?

—Hicimos un video como respuesta en base a un texto corto de Paul B. Preciado que se llama Quemar el miedo, que va definiendo también un poco la idea de por qué te llaman feminazi, qué podría significar, qué pasaría si realmente fuésemos feminazis y si ejecutáramos las mismas violencias que el opresor histórico a la manera de los nazis. Como dice Paul B. Preciado, nos queda mucho, pero mucho margen para que nos llamen feminazis.

—En esta entrevista no colocamos las respuestas individuales, sino la postura de LASTESIS. ¿Cuál es la importancia que le dan al trabajo colectivo?

—Lo colectivo dialoga con lo político, con esa idea de potencia desde la colectividad y sin abandonar nuestras luchas personales, nuestras vivencias, nuestras propias realidades, violencia, etcétera; sino cómo a partir de lo colectivo logramos luchar en contra de estas violencias y opresiones comunes que compartimos. En esta idea del nosotras y no de la experiencia de una. Entonces, desde un principio para nosotras tenía mucho sentido el conformarnos como un colectivo porque también alude a una estructura que no es jerarquizada, que no es vertical.

—Este año presentaron dos libros. ¿Sobre qué escribieron?

—Por un lado está la Antología, donde compilamos teoría feminista de varies autores y escribimos el prólogo pero hay también poemas, dramaturgia, arte textil, diseño, fotografía, mostramos cómo las manifestaciones artísticas dialogan con lo teórico. Con el libro pensamos en acercar a personas que no tienen relación con los feminismos, que fuera introductorio, y también fue pensado para las personas que están dentro de los feminismos donde pudieran encontrar otras cosas. Y por otro lado está Quemar el Miedo, escrito en primera persona plural y desde el nosotras, considerando que la experiencia de una es la experiencia de todes. Lo que sale de ese libro son cosas que nos han pasado, pero lo que nos parecía muy importante era no hablar de nuestra biografía, por eso no le ponemos nombre y apellido, sino que desde el nosotras mostrar el cómo, en ese ejercicio de que la experiencia de una es la experiencia de todas.

—¿Y cuál será su próximo trabajo?

—Estamos entrando en una discusión con las pistas que nos entregan los estudios de urbanismo feminista; ver la relación del espacio público y el género como esta idea de que el espacio público, el urbanismo, digamos las ciudades están pensadas para el “sujeto masculino o neutral”, esta discusión en torno a la organización, pero desde esta perspectiva de género.

Libros indispensables según LASTESIS

— Género y disputa – Judith Butler

— La guerra contra las mujeres – Rita Segato

— Manifiesto contra sexual- Paul B. Preciado (Última edición)

— Calibán y la bruja- Silvia Federici

— Mujeres artistas- Flavia Frigeri

— Teoría King Kong- Virginie Despen

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INVINCIBLE: La sangrienta esencia del ser humano

Un análisis de la primera temporada de la nueva serie de animación de Robert Kirkman para Amazon Prime

Toda la temporada desarrolla lentamente el choque que protagonizan padre e hijo al final

Por Adrián Paredes

/ 26 de julio de 2021 / 19:13

Las llamamos maravillas. Pueden ser edificaciones o monumentos, la cosa es que simbolicen nuestros logros como humanidad. Esa capacidad nuestra de crear hitos, construir imperios, moldear el mundo que nos rodea en representaciones de nuestra grandeza.

Y en Invencible, la serie animada producida por Amazon Prime, todas esas construcciones son destruidas con asombrosa facilidad, en un show sangriento sobre el significado de ser humano.

Creada por Robert Kirkman para Image Comics y adaptada para la televisión por el mismo autor —la mente detrás de The Walking Dead—, Invencible sigue a Mark Grayson, un joven con superpoderes que está aprendiendo a ser un héroe, bajo la siempre presente sombra de su padre, Omniman — un Superman con bigote—, el alienígena más poderoso del mundo.

La primera temporada de esta serie, que contiene ocho episodios que duran entre 40 y 50 minutos cada uno, ha sido muy bien recibida entre los fanáticos del género de superhéroes, felices de contar con algo producido por Seth Rogen y Evan Goldberg, como el otro éxito de superhéroes de Amazon Prime, The Boys.

Pero mientras The Boys satiriza y critica a este género, Invencible explora los lados más crudos y humanos de los superpoderosos al seguir a un novato que decide bautizarse como Invencible para pelear contra el crimen.

Foto: Amazon Prime

Grayson es arrogante y no sabe lo que hace, pero sus intenciones son nobles. Interpretado por Steven Yeun (Minari), el viaje de Grayson es el de un joven que comete muchos errores, que en su línea de trabajo no solo conducen a ser constantemente zarandeado sin piedad, sino a que se pierdan varias vidas inocentes que pesan en sus hombros. Muchísimo.

Y, a la vez, desde el primer episodio vemos que su padre, Omniman, magistralmente interpretado por la voz de J.K. Simmons (Whiplash), no es el héroe que el mundo cree que es, sino un ser despiadado, todopoderoso, que asesina a sangre fría.

Mientras crecemos junto a Grayson, vamos comprendiendo las motivaciones de Omniman y, en el ínterin, vemos cómo las peleas entre héroes y villanos de este mundo destruyen todos esos símbolos del poderío de la raza humana, poco a poco estableciendo el mensaje de que para estos seres los logros de la humanidad no son más que daño colateral.

Nunca es más claro que en la mortandad de la batalla del cierre de temporada, cuando padre e hijo se enfrentan. Omniman quiere dominar a los humanos, pues para él solo somos mascotas, pero Grayson se opone y así reafirma su humanidad. Claro, recibe una soberana paliza en una batalla a la que solo sobrevive a fuerza de resistir hasta poder contagiar a Omniman un poquito de compasión, forzándolo  a dejar la tierra mientras derrama una lágrima por su hijo.

Y eso es un drama bien logrado en un género que muchos subestiman.

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El propósito o la promesa, o el intento de construir algo

La dramaturga Katy Bustillos escribe sobre El propósito, obra que presentará el Taller Ser y Estar

Por Katy Bustillos Vila / Dramaturga

/ 26 de julio de 2021 / 19:08

Al salir de la casa siempre le pregunto a mi madre si estoy peinada o despeinada. Me dice: “Es lo mismo, siempre pareces peinada en lo despeinado de tu cabello”.

De camino a los ensayos veo una casa no terminada. Paso cada día por la misma calle y la vislumbro. No sé si es una casa destruida o una casa a medio construir. Cierto día ando apresurada y, al pasar por la casa, veo unas sombras moviéndose en una de las habitaciones. Mientras corro al ensayo, me pregunto si habré imaginado eso o si habré visto bien.

En medio de la cuarentena rígida empecé una relación de pareja. Cuando me preguntaban si estábamos juntas, no sabía qué responder. Cuando nos volvimos a encontrar había tanto guardado, tanto no vivido en carne propia, que, con la primera brisa, la relación se desvaneció.

Cada vez que paso por la casa, de camino a los ensayos, me detengo y me pregunto: ¿Estará construyéndose recién o la estarán demoliendo? Y cuando paso al día siguiente, sigue igual. Pienso: lo que estaba por pasar no pasa.

Llego al ensayo y veo a los actores con un miedo terrible a habitar la nada: la creación, el teatro. Pienso en el edificio y digo: “En realidad tienen miedo de habitar la casa a medio construir/destruir”.

Un escrito sobre la pandemia

El texto nació a partir de la dramaturgia de la escena propuesta por los actores del Taller Ser y Estar. Ellos abordaban la construcción/reconstrucción a partir de la nada, exploraban momentos bisagra donde las situaciones construidas estaban a punto de estallar, y luego, sin embargo, se diluían. En el encuentro con el otro, experiencia tan vedada por la pandemia, se establecían construcciones de cuerpos y presencias. 

La pandemia no posibilita el continuar, nos deja estancados. No se vislumbra una posibilidad de reconstrucción, de salida, ya que poco a poco nos vamos dando cuenta de que no sabemos nada de este fenómeno. Este es el momento después de la cuarentena rígida, ya pasó lo peor “aparentemente”. Este es un momento donde nadie sabe nada.

Esta época nos deja la sensación de un interminable domingo, agotado en la nada, una construcción en stop, como un edificio o una casa vieja y olvidada. Lo que estaba por pasar no pasa. La promesa, el propósito se quedan como eso, simplemente como expectativas.

Ante esta situación aparece el miedo a la nada, el malestar de la época. Un miedo a no poder accionar con la nada. Un quedarse paralizados ante una situación que nos supera.

Como la tragedia griega, en estos tiempos de pandemia vivimos día a día en manos de un orden oculto que no conocemos, que nos aterra, que no entendemos, a punto de estallar, así repentinamente, sin previo aviso.

La casa que habitamos es una casa con rajaduras, a punto del colapso, una casa desconocida, una casa en crisis.

La promesa es un texto que aborda la resistencia ante esta crisis a partir de la reescritura de varios fragmentos de tragedias. Es un trabajo que parte de lo íntimo hacia lo público, parte de exponer la propia casa para exponer la casa en la que vivimos como humanidad. Explora la cotidianidad de los personajes trágicos que conviven en un edificio destruido/construido, adormecidos ante tanta crisis. La única salvación es el amor, sin embargo, éste se queda en promesa, en un tránsito que nunca llega. Se devela una cuestión fundamental: ¿Sabemos cómo habitar esta casa que se destruye?

La obra transita el tema de la resistencia, el vivir el día a día enfocándose demasiado en un hecho más lejano, impidiendo ver así el verdadero propósito del propio existir.

Ser y Estar es un espacio de formación actoral para poder habitar la nada y crear a partir de eso. Nada más apabullante y aterrador. 

Patricia García invita a los actores a poder habitar el escenario, tan lleno de posibilidades, tan lleno de nada, incluso en estos tiempos tan vacíos.

Este espacio de formación nos impera una necesidad fundamental: es el momento de volver a la nada, al arte que no fue hecho para ser arte, según las palabras de Eugenio Barba. Es el momento de regresar a un arte que se desvive por desaparecer: el teatro. Es momento de actuar, es decir, construir a partir de la nada.

Foto: Daniela Gandarillas

La obra

El Taller Ser y Estar dirigido por Patricia García, espacio formativo de Teatro Nuna (C. 21 de Calacoto), presentará la obra El propósito como cierre de su novena versión. Tras un proceso semipresencial de cinco meses, 21 actores atravesarán el texto La promesa de la multipremiada dramaturga Katy Bustillos, escrito para este taller desde un acercamiento al trabajo sin la palabra y continuando con su labor de fomento a la nueva dramaturgia boliviana.

La experiencia se llevará a cabo el domingo 1 de agosto a las 17.00 cumpliendo con un aforo muy reducido y respetando las normas de bioseguridad. En caso de completar aforo, se hará una segunda función a las 19.00.

Venta de entradas en taquilla del teatro el mismo día de la función. El costo: Bs 40.

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VERÓNICA Y NICO

Me gustó el programa dos de Ch’utis, que hacemos por Abya Yala Televisión y que se emite los sábados a las 21.00. Pude conocer a Verónica Córdova, mujer, cineasta, escritora, guionista, madre, esposa y una gran sobrina

/ 26 de julio de 2021 / 19:03

CH’ENKO TOTAL

Me gustó el programa dos de Ch’utis, que hacemos por Abya Yala Televisión y que se emite los sábados a las 21.00. Pude conocer a Verónica Córdova, mujer, cineasta, escritora, guionista, madre, esposa y una gran sobrina. Me impresionó Verónica, en su búsqueda hizo dos licenciaturas, una maestría y un doctorado en guion cinematográfico. Tuvo una experiencia vital en Cuba donde afiló el oficio en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños. La conocí en el set, nunca había conversado con ella, impactó el relato de su próxima película sobre los últimos 10 años de vida del maestro Gil Imaná. La película empieza cuando Gil esparce las cenizas de su esposa, la artista Inés Córdova, en el lago Titicaca. Cuenta Vero que en ese entonces hicieron un pacto con el maestro, filmar sus últimos años hasta que él se una con su esposa en la eternidad de las aguas del lago, hecho que aconteció en enero y que cierra un ciclo de 10 años de filmación que incluye, por supuesto, todo el registro en imágenes de la catalogación y ordenamiento de las obras de ambos, la donación a la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia —no solo de más de 6.000 piezas artísticas—, sino también de la casa ubicada en la hermosa esquina paceña de la avenida 20 de Octubre con Aspiazu, casa donde deberá funcionar el Museo Inés Córdova-Gil Imaná por legado de estos dos grandes artistas bolivianos. Verónica cumplió militantemente todo lo acordado con sus tíos, terminó de filmar. Hoy la película descansa en duelo hasta que se retome la edición final.

Me impresionó Verónica y su pluma de fuego, el año pasado en este mismo medio escribió en su columna hechos y pensamientos de gran riesgo en una sociedad comandada por fascistas, ella aceptó el reto de escribir sus pensamientos libertarios y lo hizo incluso con el odio rondando. Conversamos de su película Di buen día a papá, que representó a Bolivia en los Oscar para mejor película extranjera, hablamos de la hermosa Inés, su hijita de 15 años a quien le gusta las canciones del Papirri, compartió con todos nosotros su experiencia en Noruega donde hizo maestría y doctorado, viviendo cuatro años en la ciudad de Bergen. Vero podía quedarse a trabajar para siempre por esos pagos pero decidió volver a la Patria: “Quiero contar his

torias, este es mi lugar”, afirmó rotunda. Al final de la entrevista le dediqué la canción Del amor, su bailecito que la hizo jalear con gustito de picantes y coctelitos del valle.

En cuanto a Nicolás Suárez, ya escribí larguito sobre él. Nico es un gran músico, con una formación académica muy sólida, conversamos sobre sus proyectos, intercambiamos discos, hablamos de su ópera El Compadre. Lo más lindo del Nico es que no se hace problema de transcurrir en el campo de la música erudita y la música popular, escuchamos un blues que le compuso a su hijito, hablamos de su doctorado en Composición en la Universidad Católica de Washington. Acaba de sacar un disco de canciones para niños que quedó muy bonito, nos contó de su experiencia como arreglista y tecladista de la Agrupación Wara, una charla amena que concluyó con una sorpresa, tocamos ahí, en vivo, en el jardín del Nico, la canción Soy atigrado que fluyó fresca, con el cielo paceño de fondo. Hermoso recuerdo que nos llevamos para siempre. Verónica y Nico, dos grandes artistas bolivianos que pese a pandemias, golpes, virus, siguen produciendo arte e ideas.

El programa Ch’utis continúa, pese a grandes dificultades, en un canal que está reviviendo. Yo voy ahora mismo a La Paz a sentarme al lado del editor que necesita algunos consejos respecto a la edición de un programa cultural- musical. Usted puede ver el reprisse del programa tres hoy a las 22.00 con la presencia de Miskicho Valverde, actor, cineasta, fotógrafo de notable creatividad y la figura musical del gran Rolando Encinas, el creador de la orquesta Música de Maestros y —para mi humilde opinión— el mejor quenista de Bolivia. Bien nomás está el asunto. Pa qués decir.

(*) EL PAPIRRI: Personaje de la Pérez, también es MANUEL MONROY CHAZARRETA

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