Caerse, romperse y levantarse. Soltarse, quebrarse, después amarrarse. Se repite hasta sanar o hasta dejar de sangrar, mientras ese cálido arroyo recorre dentro, a veces como jugo de naranja tibio y otras como cristales de hielo, pero siempre acompañado de ese estruendo latente que te recuerda estar aquí y que debes seguir, ese sonido intermitente llamado Pulso.

Ésta es la propuesta teatral del taller Ser y Estar 2022, dirigida por la actriz Patricia García y puesta en escena por más de 30 actores y actrices que compartieron su energía para la creación de esta obra colectiva que se estrenará el 26 de junio a las 19.30 en el Teatro Nuna (21 de Calacoto).

“Pulso nace de la vibración que nos une, como grupo. Al momento de decidir sobre lo que vamos a hablar, a veces no es necesario que lo saquemos en palabras, es una energía que se visualiza en todas las propuestas, en el mundo creativo del taller. De pronto nos abordan los mismos fantasmas y comenzamos (a crear)”, confiesa García.

La palabra pulso, según el diccionario, es una serie de pulsaciones perceptibles en algunas partes del cuerpo, como el tórax o la muñeca, debidos al movimiento alternativo de contracción y dilatación de las arterias y el corazón.

Normalmente, el corazón es símbolo del amor, sin embargo, en Pulso no se abordará solamente esa mirada, sino también se hablará de las arterias que lo envuelven y que nos conectan con otros seres o con uno mismo y cómo éstas se rompen para mostrarnos un nuevo camino o muchas veces, para abandonar el recorrido.

“Sacamos ese corazón, lo arrancamos y ya no es tan romántico como esa figura preciosa y bonita que nos remite al amor, sino éste que nos remite a estar vivos, y esto puede atravesar pulsiones muy diferentes, incluida la pulsión que nos acerca a la muerte, esa pulsión que comienza a apagarse”, explica la actriz.

Formas de latir

Para la creación de esta obra dejamos a un lado el color de la piel, y abordamos netamente las raíces, el color de la sangre como común denominador de un ser que piensa distinto y que tiene algo que decir, algo que mostrar. De esta manera se obtuvo un sin fin de material para formar un solo torrente sanguíneo.

“En la obra (…) hay un verse hasta la raíz, la bolivianidad también está presente, el ser boliviano, desde un sentido del humor, un humor negro, (salen a flote) las cosas que nos unen a nivel grupo y también se potencian las que nos diferencian”, sustenta la directora boliviana/española. “Pulso atraviesa las vísceras de uno, es como poner las tripas sobre la mesa, poder encontrarnos con nosotros de una manera más cruda”.

Para Irán Zeitún, cruceña que reside en La Paz, estudiante y actriz, “pulso es el todo que nos mueve, desde el palpitar de nuestro corazón que nos mantiene vivos. Es el paso del tiempo en las manijas del reloj y el constante movimiento del universo que nunca para”.

Para Paolo Iotti, paceño que reside en Berlín, miembro online del taller, “es como un ímpetu, como un llamado a entregar algo, aunque no sabes bien qué es. Te deja en cierto sentido descubierto, como vulnerable. Ahí es donde se hace Pulso”.

Como resultado de todas las igualdades y diferencias se crea una atmósfera roja, donde hilos vienen y van sujetando cuerpos, algunos caminando con objetivos y otros que solo están varados, respirando en automático, como un camión de cerveza con el conductor ebrio en los Yungas, que quizá se estrelle o por suerte, quizá no, o cuerpos que deambulan perdidos como una alemana en un barrio paceño.

Pulso y la dramaturgia

En versiones anteriores del Ser y Estar se solía trabajar con textos de Diego Aramburo, Camila Urioste, Claudia Eid, Jorge Alaniz, Laura Derpic, Denisse Arancibia, entre otros; sin embargo, hoy es la primera vez que no se trabaja con el texto de algún dramaturgo y que las palabras nacen de los mismos participantes.

La directora, manifiesta que “en esta oportunidad, a la hora de enfrentar la palabra, se tuvo que acudir a la dramaturga Katty Bustillos para que asesore a llevar la palabra de una manera dramatúrgica”.

De esas confesiones, nació un sin fin de historias con derroche de dolor y de fuerzas distintas, de sangre y carne, de renovación y de autodegradación, de vivencias familiares y vecinales, de salteñas vacías en formas de corazón, de huesos picados, de la vida, la muerte y el entremedio.

Ser y Estar nació de un sueño, “desde la intuición” de “Pati” —como la llaman los alumnos— y desde la necesidad de “querer compartir conocimiento”, sueño que ya tiene más de 10 versiones en la que se inscribieron alrededor de 30 a 50 seres, es decir, centenares de energías que atravesaron el proceso. 

El taller ya tiene cinco años de vida y su creadora lleva enseñando más de 20. Personalmente, como actor y aprendiz, recorrí más de tres talleres del Ser y Estar, y cada experiencia fue enriquecedora, con cada compañero se aprende algo nuevo y la Patricia que enseña, también cambia, se renueva.

“Es el lugar donde me recargo de energía. La Pati actriz se desgasta mucho y la Pati (maestra) del Ser y Estar está constantemente en retroalimentación”, es la motivación que, según la mentora, le ayuda a seguir enseñando en el mundo de las tablas.

Miedo fue el resultado del primer Ser y Estar el 2017, y el mismo año llegó As you choose it (Como tú elijas); en 2018 nacen Salvavidas y Resistiré, Normal y Bloque el 2019. En plena pandemia, el 2020, se genera la primera obra virtual, Vulnerables y la segunda de la misma gestión, de manera semipresencial, con streaming desde el teatro, La Mentira. En 2021 vuelve de manera presencial con El Propósito y en diciembre del mismo año, Horizonte con una muestra de todo el recorrido del taller.

La última versión estará protagonizada por Daniela Aguayo, Ximena Alba, Juan Pablo García, Lua P. P. G. Guardia, Nicole Gonzales, Mateo Gonzales, Pricila Gorena, Céu, Marcelo Huarachi, Paolo Iotti, Lorena Iturralde, Karenine Jordán, Inés Langosch, Nathan Leaño, Martina Leaño, Candy Lizarraga, Andrés Maldonado, Devin Mercado, Valeria Miranda, Anna Montevilla, Fabricio Murillo, Francisco Ormachea, Jaime Ortiz, Camila Peralta, Andrei Pérez, Andrés Pérez, María Cristina Pol, Ariana Rodríguez, Óscar Romero, Mariana Santa Cruz, Cintya Vertiz, Irán Zeitún y Luis Zubieta.

Cada uno de estos cuerpos con nombre se volverán uno solo, y mostrarán, de alguna manera, que también se puede morir por dentro o que el dolor también es bueno, que el rojo sangrante tiene distintas tonos y pulsiones que ayudan a seguir latiendo.

* Este texto fue escrito por un integrante del Ser y Estar, con una playlist de fondo que contiene canciones como Marinero de Luces de Isabel Pantoja, Enjoy The Silence de Depeche Mode o Corazón Encadenado, de Camilo Sesto.

DISEÑO Y FOTOS: DANIELA GANDARILLAS

Con el objetivo de rescatar  el rol central de las mujeres afrobolivianas en la construcción cultural e histórica de la afrobolivianidad en los Yungas, las antropólogas Varinia Oros Rodríguez y María Soledad Fernández emprendieron la investigación “Mapas de Vida: Genealogías e historias de mujeres de Tocaña – Coroico”. Esta iniciativa pretende rescatar las vivencias de 50 mujeres de la comunidad de Tocaña, a través de  talleres (a realizarse en mayo y junio) sobre construcción de genealogías de vida.

El proyecto recuperará las experiencias de mujeres adolescentes, jóvenes, adultas y adultas mayores que viven en esta comunidad de Coroico. Los talleres se llevarán a cabo con enfoque feminista; utilizando mapas corporales para la realización de las genealogías como metodología de rescate del legado de las mujeres, dando cuenta de los saberes, los discursos colectivos y la constitución de los cuerpos. “Las historias femeninas son las que queremos ayudar a develar, por su importancia y trascendencia en las esferas familiares y comunitarias de la región”, explica Varinia Oros.

Al finalizar los talleres, las investigadoras diseñarán una exposición temporal a partir del material fotográfico y audiovisual elaborado durante los encuentros, con el propósito de enfatizar en la importancia y trascendencia de las historias de las mujeres en la construcción de la Identidad del pueblo. Esta muestra se expondrá, primero, en el Centro de Interpretación Afro Cultural Tocaña y, luego, en la Alcaldía de Coroico.  “La exposición visibilizará la vida e historia de las mujeres afrobolivianas en pro de una vida sin discriminación y violencia simbólica”, enfatiza Oros.

La exposición permitirá a los distintos públicos conocer la importancia de los saberes femeninos en la historia afroboliviana, posicionándose frente a la construcción de una cultura de igualdad entre mujeres y hombres, y cuestionando los patrones culturales patriarcales de las poblaciones afrobolivianas. “El proyecto también permitirá visibilizar la importancia de los saberes femeninos no urbanos y posicionar a la presencia histórica femenina afroboliviana en la lucha nacional por una cultura de igualdad entre hombres y mujeres”, explica Soledad Fernández.

Se beneficiarán alrededor de 300 familias (1500 personas que comprenden las redes de apoyo familiar (parejas, hermanos, hijas/os, etc.) y comunitario (vecinos, etc.) de las mujeres participantes. “La realización de este proyecto contribuirá a la cohesión social y brindará la oportunidad de interpelar las lógicas de construcción de la historia colocando en primer plano a las mujeres, sus cuerpos y espacios”, agrega Fernández.

Esta iniciativa de investigación cuenta con el respaldo del Fondo Suizo de Apoyo a la Cultura – fondo concursable 2022, y tiene como aliados a la Fundación Aguayo, el Centro de Interpretación Afro Cultural Tocaña y la Alcaldía de Coroico.

FOTOS: VARINIA OROS Y SOLEDAD FERNÁNDEZ MURILLO

Son dos litros de agua diarios que bebe —nada fuera de lo común para una vida saludable—, cuida su cuerpo evitando levantar grandes pesos; la herida necesita algo de tiempo para cicatrizar. Se realizó un control médico a los seis meses de la operación donde confirmaron que “todo está muy bien”. Esos fueron los únicos cambios que tuvo que asumir luego de ingresar al quirófano, decisión que la resume como un acto de amor.

“Yo entré a la una de la tarde y salí más o menos a las cinco y media. Mi papá entró a las cinco y media y estuvo hasta pasada la medianoche”. Es Abigaíl, madre, hija, hermana, esposa, donante y mucho más. Hace siete meses fue operada, en una cirugía donde donó voluntariamente  —sin presión, sin dinero de por medio, ni extorsión— uno de sus riñones. El receptor; su padre, el señor Tito.

Era 2016 cuando Tito Flores, técnico en computadoras y quillacolleño, desembarcó en Tarija, listo para comenzar otra etapa en un terreno que compró para construir su nueva casa, pero los planes cambiaron. Una insuficiencia renal lo llevó de regreso a su querida Cochabamba. El diagnóstico fue confirmado: tenía insuficiencia renal en etapa 5.

Y así comenzaron las hemodiálisis. “Cuatro horas, tres veces a la semana en una cama sin moverte, eso también hace que tu cuerpo se canse. Ahí veía algunos compañeros que gritaban, lloraban, que no podían resistir las cuatro horas de diálisis”, con un cuerpo debilitado, menos 21 kilos, la vida laboral de Tito se esfumó.

Los médicos informaron que sus riñones no iban a mejorar, y en medio de los controles y visitas a los hospitales entró en escena la palabra donación. “Nos dan la idea de que de una vez nos inscribamos para estar en la lista de donaciones para que mi papá pueda recibir un trasplante de un donante cadavérico. Hemos tenido paciencia ya que durante dos años mi papá continuó con las diálisis. Y mientras esperábamos, era muy doloroso verlo”, comenta Abigaíl.

El orden de la lista de espera está fijado por varios criterios: la compatibilidad con el potencial donante, grupo sanguíneo, edad del paciente, entre otros, y a la cual actualmente 150 pacientes quieren ingresar, y para eso necesitan cumplir con los protocolos o en algunos casos actualizarlos. 

“No toda persona que muere puede ser donante. En realidad solo aquella persona que tiene muerte encefálica. Esa es una de las condiciones fijadas por ley, pues hay muertes diariamente, pero por diferentes causas. La particularidad en estos casos es que el personal de salud tiene que notificar al Ministerio de Salud cuando hay un donante cadavérico”, explica Soledad López, médica y encargada del área de Trasplante del Programa Nacional de Salud Renal. Además de cumplir esa condición, llega otra; que los familiares del fallecido, en medio del dolor, autoricen la donación. Acortar la diferencia entre el número de personas que necesitan un órgano y aquellas que sufren una muerte encefálica es una misión complicada.

“Sin donante no hay trasplante, entonces tenemos que trabajar por ambos lados para promover los trasplantes, pero ahora es importante la concientización de la población para la donación voluntaria”. Aquellos que desean ser donantes se pueden registrar en los Servicios Departamentales de Salud (Sedes) o en la página del Ministerio de Salud (Registro Renal).

Cuando hay un donante cadavérico es importante la confidencialidad, tanto del receptor como del donante, porque la divulgación de sus datos puede traer “consecuencias negativas”, por un lado con los familiares de los donantes ya que puede interferir en su “proceso de duelo y generar falsas ilusiones acerca de que su familiar fallecido está vivo en otra u otras personas y generar vínculos que puedan estar basados en la negación de la muerte”. Por otro lado, en relación con las personas trasplantadas puede afectar y perjudicar el proceso de adaptación a su órgano o tejido trasplantado y “generar sensaciones de culpa o de deuda hacia la familia del donante”, como recomienda la Organización Panamericana de la Salud (OPS).

“En Bolivia tenemos aproximadamente 5.300 pacientes con enfermedad renal crónica etapa 5 que se encuentran en una terapia de sustitución renal por hemodiálisis, de los cuales 3.300 son pacientes del Sistema Universal de Salud (SUS). Esto se está realizando en hospitales públicos y privados de convenio”. El programa ofrece a los enfermos renales que no se encuentren afiliados a una institución de seguridad social de corto plazo o que no cuente con ningún otro tipo de seguro de salud, la posibilidad de acceder a un trasplante gratuito.

La donación también puede realizarse con un donante vivo, cumpliendo los requisitos: tener hasta un cuarto grado de consanguinidad con el receptor o cónyuge, buen estado de salud, compatibilidad, entre otros.

“Agarré a mi esposo y a mi hija y les dije: ‘Nos vamos de vacaciones a Tarija’ y allá les doy muy animada la noticia que seré yo la donante. Desde el principio tenía fe en que todo iba a salir bien y que sería positivo. Hablé con la visitadora social, la psicóloga, psiquiatras y después empezamos todo el protocolo que ha durado casi ocho meses. Gracias a Dios, paso a paso que dábamos todo era positivo, todo encajó”, recuerda Abigaíl.

Tito, al enterarse de la decisión de su hija, la rechazó. En ningún momento se le cruzó por la cabeza que algunos de sus hijos sean donantes y menos de él. “No quería porque es bastante joven, tiene una hija y un esposo”. Hasta que la información llegó; que no tendría consecuencias. Una ida y vuelta de amor, donde había más protagonistas: una familia que acompañó la decisión y despejó los miedos y dudas.

 La historia diaria está llena de entregas de padres o madres hacia sus hijos, pero también hay ejemplos de grandes generosidades de los hijos hacia sus padres. La de Abigaíl es una de ellas.

El 28 de noviembre de 2021, Tito y Abigaíl ingresaron a quirófano. 

FOTOS: TITO FLORES Y MINISTERIO DE SALUD

Berlín es un paraíso cultural, decíamos, por su institucionalidad teatral. Pero aquí maticemos la posición inicialmente idealista: lo es, en parte, en el sentido no dantesco del paraíso, sino conservador y tradicional. Ahí donde Dios lo rige todo y no hay contaminación, ni afuera y todo se estanca en la mismidad. Aquí ese Dios es lo políticamente correcto: el feminismo, la discapacidad, el medio ambiente, son los temas que aquí proliferan y el arte que sobre ellos se hace no sobrepasa el lugar común, al menos en la generalidad de los casos o los casos más apoyados. El dinero, entonces, mueve solo eso que le conviene, eso que lo libera de su pesada carga moral y lo hace sentirse “humano”.

Hemos visto, en total, solo cuatro obras producidas en el mundo germano-hablante: tres del festival en cuestión y una externa. Además hemos visto teatro solamente producido y apoyado por el Estado, nada de la escena independiente. Un juicio sesgado de alguna manera, sí. Pero recuérdese que el Theatertreffen, el festival al que asistimos, tiene como tarea elegir las 10 “más remarcables obras” del territorio germano-hablante. Siete críticos, que van a ver teatro por todo un año y por toda la región, se encargan de hacer posible este baile.

Las primeras dos obras, como para muestra valen un botón, ejemplifican bien el caso. La primera obra vista Die Jungfrau von Orleans, dirigida por Ewelina Marciniak, es una re-escritura del clásico escrito en 1801 por Friedrich Schiller que llamaríamos, en un título mucho más conocido por nosotros los hispanohablantes, Juana de Arco. La intención es feminista, ¿en qué sentido?: deconstrucción de la obra, se dice. Las primeras imágenes son perturbadoras y potentes: Juana, con su padre, están conversando sobre ella, sobre la vida que ella va a seguir. El padre le dice que tiene que casarse; ella, por supuesto, se niega. Él insiste en que solo así se salvará; ¿de qué?, pregunta ella con astucia, él no sabe responder… Pero el espectador intuye el sentido: del vicio de la lujuria, de su propio cuerpo, del pecado: de ella misma, en fin. Lo hace porque detrás de ellos, mientras van conversando, se proyecta un video donde Juana está sentada casi desnuda, con las piernas abiertas hacia el público, agarra la mano de su padre y la lleva hacia su sexo. Las actuaciones, de sutil y aguda potencia, parecen ser comunes en los teatros alemanes.

Esa auto-objetivación de las actrices que pronto se repetirá con todas las personajes de la obra es, para uno de los tres dramaturgos de la obra (en el sentido alemán de dramaturgo), Sascha Hargesheimer, una forma de romper el mito de Juana de Arco. En el sentido, dice él, que la sexualidad sería negada a este personaje: no podría ser una salvadora de Francia, una santa, sin renunciar a su cuerpo. Mito que él también vería en la película La pasión de Juana de Arco (1928) de Carl Dreyer, película de la que la obra retoma varios planos y los proyecta sobre la escena. Para él ambas cosas no son contradictorias y por eso se ha buscado unirlas y anular la dicotomía en la que se habría metido a este personaje. Sin embargo, la propuesta no lo logra: más bien anula la pureza de Juana de Arco y lleva al personaje al otro extremo. Ahí donde la emancipación fracasa y el sujeto no puede gozar del todo, porque, necesitado de ser objeto del otro nunca logra su cometido. Un poco así es también la obra a nivel formal, donde tanto se muestra la suntuosidad perfecta de actuaciones y escenario (de colores pasteles y elegantes, con piscina incluida quién sabe por qué) que la obra no surte efecto sobre el espectador.

Caso contrario en su tratamiento de lo políticamente correcto es el de Eine Zusammenfassung von Allem, Was War, obra que aunque dirigió Sebastian Nübling, alemán director del teatro Gorki, es protagonizada por cuatro jóvenes noveles sirios y palestinos. La dirección en esta obra comete cientos de errores, en resumen, no explota al máximo nada de lo que los actores proponen. Pero es tanto el cuerpo y el pensamiento que se ve que estos actores han puesto sobre su trabajo, es tanto el compromiso, que se abre en esta obra una fiesta de los sentidos. Su intención es desmitificar al sirio y su guerra y aquí ese propósito se logra, porque el individuo se pone en juego.

Desde el principio de la obra, donde los actores, sentados en el lugar del público, invitan al espectador a soñar con ellos: un espacio sin nombre, una playa de sol dulce. Desde ahí, digo, pasando por el momento en que ellos toman poco a poco la escena, en tanto innombrados: “My name is not-important”, dicen. Desde ahí y pasando por cómo van bailando sin lugar fijo, casi en un frenesí, lo conceptual cobra fuerza. Lo marginal, lo sin raíces, eso que escapa de la guerra, del origen, del lugar de pertenencia, como una potencia lúdica que contra todo puede todo. Algo de eso les tocará aprender a los alemanes, al teatro berlinés: tan correcto que jamás se atrevería a ver en la herida algo necesario… Fue la mejor obra producida en el mundo alemán que vi: no era una de las obras elegidas del Theatertreffen, ¿será que la crisis de la crítica es una crisis de no saber aproximarse a estéticas que escapen a lo políticamente correcto?