Dos grandes murales de las paredes interiores de la Catedral de la Gracia de la ciudad de San Francisco, Estados Unidos, fueron pintados en 1983 por el Antonio Sotomayor Meza, una de las figuras olvidadas del arte boliviano. Se trata de los acrílicos dedicados a la conmemoración de acontecimientos históricos de la ciudad estadounidense, obras que terminan la decoración interior del templo iniciada medio siglo antes con obras de maestros europeos.

Se trata de pinturas de un artista maduro que ha alcanzado el cénit de su carrera, imágenes elaboradas con sencillez y aplomo en el uso de perspectivas frontales y volúmenes macizos, en un estilo que evoca la simpleza de la pintura renacentista temprana. 

Estas obras testimonian, además, el estatus que el artista boliviano había alcanzado en una de las ciudades más importantes del país del norte después de una exitosa carrera artística de casi 60 años.

Chulumani – La Paz – San Francisco

Poco se sabe de Sotomayor antes de su viaje a EEUU en 1923.  Nació en 1902 en la localidad paceña de Chulumani (Sud Yungas) del matrimonio de Juan Sotomayor y Celia Meza. Posteriormente en La Paz ingresó a algún taller particular para formarse como artista. Se lo relaciona con un artista belga Adolfe Lambert y con otros artistas jóvenes de los años 1910.

A los 15 años comenzó a publicar dibujos e ilustraciones en periódicos locales y desde 1921 en la revista La Ilustración, fundada por los periodistas Gustavo Adolfo Otero y Ángel Salas. En esta labor coincidió con otros artistas que jugarían un papel importante en el arte boliviano de la primera mitad del siglo XX, como Fernando Guarachi y el ecuatoriano Luis Toro. En La Ilustración, Sotomayor luce un estilo elegante para la caricatura sardónica de políticos e intelectuales como Bautista Saavedra, Franz Tamayo y Daniel Salamanca, entre otros.

En 1923, el chulumeño emigró a Estados Unidos.  Se desconocen las circunstancias de este viaje, pero notas periodísticas señalan que a su llegada a ese país no sabía hablar inglés y que durante un tiempo incierto trabajó lavando platos en el Palace Hotel de San Francisco, uno de los más importantes de la ciudad.  Su objetivo inicial habría sido estudiar arquitectura, aspiración que posiblemente abandonó conforme despegaba su exitosa carrera artística. 

Las pinturas del Palace Hotel

Durante su tiempo en el Palace Hotel Sotomayor continuó dibujando y haciendo caricaturas, alternando sus horas con el estudio de artes plásticas en la California School of Fine Arts, de donde se graduó para convertirse luego en profesor.

En 1931 realizó una exposición de 39 caricaturas en la Universidad de Chicago. Los retratados eran políticos de actualidad como Franklin D. Roosevelt, Winston Churchill, Adolf Hitler, Joseph Stalin, pero también intelectuales, artistas y figuras públicas como Ernest Hemmingway, Cecil De Mille, Walt Disney, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Diego de Rivera y Clark Gable. En esta época comenzó a trabajar ilustrando periódicos, revistas y libros —labor que continuaría a lo largo de su vida como se ve en la inclusión de sus ilustraciones en el libro This Is San Francisco (1948) de Robert O’Brien o en la lujosa edición de El Satiricón de Petronio por William Burnaby y Gilbert Bagnani (1964)—.  Sus caricaturas fueron publicadas en el diario San Francisco Chronicle y en la revista Life (que otra boliviana, María Luisa Pacheco, también ilustraría 20 años después).

Hacia 1935 los dueños del Palace Hotel comisionaron al artista la realización de dos murales para el famoso bar del edificio, un ambiente de lujo decorado desde 1909 con el gran lienzo El flautista de Hamelin del artista neoclacisista Maxfield Parrish. Estos estuvieron dedicados a dos personajes tradicionales de San Francisco del siglo XIX, Joshua A. Norton (un acaudalado ciudadano que en 1859 se había declarado “Emperador de los EEUU y Protector de México”) y la popular actriz Lotta Crabtree. Ambas obras fueron encaradas por Sotomayor siguiendo un estilo muy influenciado por el muralismo mexicano, que era muy popular en EEUU en aquella época. Son imágenes dirigidas a la selecta concurrencia del bar, que muestran a sus protagonistas rodeados de los intelectuales, artistas y socialités.

En 1937, el artista trabajó junto al arquitecto modernista Richard Neutra diseñando murales para la Casa de Artur y Mona Hofmann en California. También creó murales para el Pabellón de Perú de la Exposición Mundial Internacional “Golden Gate” de 1939, realizada en Treasure Island. Para este evento el artista realizó además una estructura de grandes dimensiones construida en terracota, llamada Fuente del Pacífico. De esta época se conserva una foto de Sotomayor en una reunión de importantes artistas como Diego Rivera y Lucien Labaudt.

Para inicios de los 40 Sotomayor ya era un artista de gran fama en San Francisco. (El libro Golden Dreams: California in an Age of Abundance, 1950-1963 (2009) de Kevin Starr lo describe como uno de los dos artistas más populares de la ciudad, junto al chino Dong Kingman), iniciando ese año su profesorado de casi 10 años en la California School of Fine Arts (en la actualidad The San Francisco Art Institute), y en 1942, siendo designado profesor de arte en el Mills College de Oakland. 

En 1942 presentó en la Illinois Art Gallery de Chicago otra muestra de sus caricaturas.  De acuerdo al blog disneybooks.blogspot.com, un reseñista del diario Chicago Tribune escribió sobre esta: “Su muestra es una de las más brillantes, inteligentes e ingeniosas que hemos visto en mucho tiempo”.

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En estas décadas la producción del artista en dibujo y caricatura alternó con la de una cantidad indeterminada de pinturas de un estilo más naturalista y temas ligeros. Destacan en ellas los retratos y los bodegones, pero también la recurrencia de un tema curioso: ferias y globos aerostáticos. Lo cierto es que la revisión de su producción difundida en internet revela muy pocas obras inspiradas en “temas bolivianos”, apenas unas cuantas representaciones de indios con ecos de la tradición indigenista andina.

De acuerdo al libro Artists in California, 1786-1940 (1986) de Edan Milton Hughes, en más de 50 años de carrera el artista boliviano llegó a presentar más de 80 exposiciones en varios países, recibiendo múltiples premios. Fue nombrado miembro de la Asociación de Arte de San Francisco y de la Comisión de Artes de San Francisco, recibiendo un premio honorífico en 1978. Su nombre aparece en varios libros sobre la escena cultural de California, además de los ya mencionados, se le dedica una pequeña monografía biográfica en Artists and People (1960) de Yvonne Greer.

Murió el 10 de febrero de 1985 acompañado por su esposa, Grace Andrews, con quien se casó en 1927. No tuvo hijos, pero su obra es resguardada en algunos museos de Estados Unidos y continúa circulando en galerías.

En Bolivia aparece apenas mencionado por Luis Felipe Vilela y Guarachi en el libro La Paz IV Centenario (1948) y en otros diccionarios biográficos. Se desconocen las fechas de sus probables visitas al país, o si llegó a realizar una exposición local.

Los murales de la Catedral de la Gracia

La catedral de la Gracia es una de las construcciones más ostentosas de San Francisco.  Ubicada en el barrio de Nob Hill, se inscribe en el estilo gótico, estando directamente inspirada en la catedral de Notre Dame de París. Sus orígenes se remontan a construcciones anteriores iniciadas en 1849 durante la fiebre del oro, pero el incendio en 1906 de una construcción anterior determinó que la estructura actual —diseñada por Lewis Hobart— date recién de 1927.

La iglesia se encuentra decorada por múltiples obras de artistas europeos y norteamericanos, como pinturas, esculturas y, por supuesto, vitrales. Las más destacadas son los murales de sus paredes interiores, realizadas por el artista polaco Jan Henryk De Rosen hacia 1949, todos de temática religiosa.

A inicios de 1980 se comisionó a Sotomayor la realización de otras dos obras para completar la decoración del edificio, seguramente con los temas ya establecidos por los comitentes. El primero es una representación del incendio de la iglesia en 1906 después de un terremoto, y el segundo, la fundación de las Naciones Unidas (ONU), efectuada en San Francisco en 1945. Ambas obras son contiguas y se adaptan a los espacios dejados por falsas arcadas tribuladas en las paredes. 

El primer mural muestra las vicisitudes provocadas por el incendio de la iglesia, con imágenes en primer plano de una familia escapando del fuego y de bomberos y autoridades rescatando sus objetos sagrados. Se trata de una representación simbólica e ingenua de un hecho dramático, en la que sobresale la plasticidad de la iglesia en llamas y el humo en el cielo. El segundo mural es aún más simple, presentando una vista frontal de unos 50 personajes de cuerpo entero que representan las naciones representadas por la ONU. En la parte superior se alzan las banderas de varios países y, a los lados, dos imágenes alegóricas: La Paz y la Victoria representada por la Niké de Samotracia.  

En ambas obras se hace evidente la intencionalidad del artista boliviano de no desentonar con los murales dejados por De Rosen, siguiendo un estilo plano y un tanto arcaizante que puede recordar tanto la pintura del renacimiento temprano como el arte bizantino.

Texto: Reynaldo J. González

Fotos: Archives of American Art-Smithsonian Institution, Mills College, The Satyricon of Petronius. Edición de William Burnaby  y Gilbert Bagnani. 1964,  Exposición de 1931 e internet

Crónicas gastronómicas

Freddy Farfán, natural de Yacuiba, Tarija, llevaba mucho tiempo dedicado al rubro de la construcción en la ciudad de La Paz cuando un buen día descubrió que lo suyo era la comida rápida mexicana.

Fue así que nació el snack Taco Loco, ubicado desde hace más de 20 años en la zona de Miraflores —más precisamente en la calle Juan de Vargas, cerca del Puente de las Américas— con una propuesta enfocada principalmente en diversos tacos con carne a elección que pueden ser servidos en tortillas de maíz nixtamalizado o tortillas de trigo escoltadas por sabrosas salsas y las tradicionales aguas frescas de horchata, tamarindo, lima y jamaica.

Hablando de sus tortillas de maíz, cabe recalcar que las mismas son elaboradas de manera artesanal siguiendo la tradición milenaria azteca de la nixtamalización, un proceso que implica la cocción de granos secos de maíz en agua con cal (hidróxido de calcio), lo que enriquece el maíz con calcio y mejora significativamente su valor nutricional, así como el sabor, aroma y el color de las tortillas. También es importante destacar que este establecimiento maneja este proceso con extremo cuidado para evitar la contaminación cruzada, lo que garantiza que las tortillas sean aptas para el consumo de personas intolerantes al gluten o celíacas.

Dentro de la variedad de su menú podemos encontrar originales creaciones como “La gran quesadilla vampiro”, con base en doble tortilla de burrito más doble capa de queso derretido y morcilla con salsa roja, el “Taco Loco”, con doble tortilla de maíz o trigo con pollo, res, mixta o campechano (pollo, res y cerdo), bañadas en chili, los tacos nevados de charque (tortilla de maíz o trigo con charque de res bañada con queso parmesano), la Enchilada Loca (con un par de tortillas de maíz o de trigo con carne de res, pollo, mixta, campechano, salsa mixta y especias, todo bañado en chili y queso derretido), el chili con carne, que viene acompañado de dos tortillas a elección o totopos o sus muy pedidas quesadillas, con doble tortilla de maíz o de trigo y doble capa de queso derretido que puedes pedir de pollo, res, mixta, solo queso o de pollo, res y cerdo.

Este septiembre, mes de la independencia de México, Taco Loco ofrece interesantes promociones como la del Martes Loco, en la que todas las órdenes salen con una tortilla extra de cortesía; Las noches de quesadillas, cada miércoles, en que este tradicional bocadillo mexicano viene acompañado de una gaseosa personal; los Viernes Locos, con tres tacos a elección por el precio de dos, o las Noches de Chili, en la que se puede disfrutar de dos platos de esta sopa de frijoles acompañada de nachos por Bs 38.

Le doy un nuevo sorbo a otra especialidad de la casa, la ñorchata Ardiente (con tequila) mientras observo la atención cordial y personalizada que brinda Freddy a cada uno de los comensales y corroboro lo que este buen amigo me comenta cada vez que visito su local: “ Me encanta atender a mis clientes, yo amo mi trabajo”.

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Taco Loco 

• Dirección: Calle Juan de Vargas 2289, Miraflores, La Paz  
• Rango de precios: Bs 16- 34.
• Parqueo: No
• Plato Estrella: La Enchilada Loca 
• Horarios de atención: Lunes a sábado de 18.00 a 22.30
• Teléfonos: 67319909

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Fernando  recomienda Fernandorecomienda @fernandorecomienda Correo: [email protected]

Texto y Fotos: Fernando Cervantes

Ch’enko total

Me encontré con un amigo periodista en El Prado paceño, quien me agarró del brazo, me hizo sentar en un banco, encendió su grabadora y comenzó a preguntar.

— Me enteré de que te vas de viaje, Papirri. ¿En qué consiste la gira Mirando hacia el Sur?

— Recibí una invitación del director del Festival de Guitarras de Salta, Argentina, para tocar en el Auditorio de Pro Cultura de esa ciudad el 20 de septiembre. Me emocionó la invitación. Luego de conversar con el guitarrista de nombre Nicolás Vaca, quedamos además en tener un encuentro-charla con músicos salteños que estudian en la Escuela Superior de Música, y repasar la ponencia que presenté a la Reunión Anual de Etnología (RAE 2023), que destaca a los Pioneros de la canción urbana en el Sur de América. Este encuentro-charla será el martes 19 de septiembre en ese centro de estudios. A partir de allí, decidí retroceder y tocar antes en Tarija, el 15 de septiembre en el Teatro de la Cultura, iniciando la gira Mirando al Sur. Luego, el Centro Cultural Sixto Palavecino de Santiago del Estero se enteró de mi estadía en Salta y me invitó a tocar allí el viernes 22 de septiembre. Es muy emocionante volver a la tierra de mi madre.

— Esta gira pasa por la casa museo en honor a tu abuelo, Andrés Chazarreta. ¿Cómo fue la gestión para que este espacio sea un museo dedicado al folklore?

— La Casa Museo Andrés Chazarreta estuvo muchos años en abandono. Fue el epicentro donde se inicia el movimiento folklorista de Santiago desde 1900, cuando mi abuelo Andrés organiza su Compañía de Arte Nativo, con una orquesta con sonido propio y un cuerpo de baile muy original para la época. Era la puesta en escena de sus investigaciones en la campiña santiagueña. En esa casa ensayaban músicos populares las chacareras, zambas, escondidos… siendo alrededor de 30 géneros musicales y coreográficos que mi abuelo fue ordenando, dando forma. Era una locura para la época, nadie le tiraba pelota. Le negaban los teatros, pues sus músicos y bailarines eran paisanos de verdad, algunos gauchos semiesclavos con un talento natural, como Antu Puncu, un gran bailarín de 70 años que inicia el malambo. O la señora Narcisa Ledesma, una matrona de 75 años que bailaba la zamba de una manera excelsa. Ellos viajaban horas de sulky para ensayar en esa casa. Las tres hijas de Chazarreta heredaron la casa, la mayor era mi madre Anita, quien además fue la mano derecha de don Andrés, le transcribía y ordenaba todo su trabajo. Cuando murieron las hijas, los descendientes no pudieron con la obra y la casa. El año 2012 hubo un intento de remate del inmueble. Ahí intervino el nieto menor, o sea yo, para evitar el derrumbe de la casa: primero para evitar el remate; luego, para sentar nuestros derechos y después gestionar que la Gobernación de Santiago la compre. Todo fue complicado, pero logramos que la gobernación compre la casa museo. Ahora es un repositorio oficial: en la parte delantera continúa la Casa Museo Andrés Chazarreta y en la parte de atrás se construyó  el Archivo Histórico de la Provincia.

— En lo personal, ¿qué significa para ti la figura de don Andrés Chazarreta y este espacio de homenaje?

— He decidido mirar al sur, encontrarme con la aloja, el sauce llorón, el mate, el chipaco, las parras y sus uvas colgantes. Mirar al Sur es acercarme a la figura épica de mi abuelo materno, Andrés Chazarreta, con sus ojos tristes, su bigote de héroe, su guitarra labrada, su voluntad de hierro, su caballo montaraz, sus apuntes en papelitos varios, anotando desde el caballo las danzas y la música de su territorio, Santiago del Estero, repleto de música y danzas. Chazarreta fue el héroe de mi infancia. No lo conocí,  falleció en abril de 1960 y yo nací en septiembre. Pero todas las vacaciones escolares me la pasaban mirando sus fotos, su guitarra en la vitrina, hojeando las partituras y sobre todo tocando algunas de sus piezas como la Zamba de Vargas, La Telesita, la Criollita Santiagueña. Por supuesto, mi madre Anita está presente  en todo ello.

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— ¿Qué repertorio podrá escuchar el público?

Desde Tarija ya interpretaré en el programa un sector dedicado a mi abuelo Andrés. Cantaré esas zambas y chacareras de mi niñez. En el medio de mis canciones aparecerá Don Andrés y sus melodías infinitas.

— ¿Cómo recibe el público sureño tu trabajo?

— Eso iré a ver, soy bien paceño, pues, por ahí ni me tiran pelota. Pero voy cargado de recuerdos, nostalgias, voy con el pecho encendido de haber logrado que la casa museo esté en pie. Hubiera sido horrible volver a Santiago y ver que la casa era ahora un parqueo de autos, cosa que deseaban las otras partes. Vuelvo agradecido con la gente que me ayudó a conservar la memoria de Chazarreta. Creo que el espíritu de mi abuelo me ayudó a encontrar por internet un buen abogado, conocer un par de periodistas amigos que me ayudaron a difundir la posición que triunfó, mantener la casa museo con todas las cosas fundamentales de mi abuelo, su guitarra, su poncho glorioso, las partituras originales, 400 discos originales que completaron 50 años de grabaciones en RCA Víctor, el sello mas importante de la época.

— Una última pregunta: ¿Y qué me lo vas a traer?

— Unos alfajores, un sándwich de miga y una chacarera. ¿Te parece?

El papirri: personaje de la Pérez, también es Manuel Monroy Chazarreta

Estas son las películas ganadoras del Festival de Venecia en la competencia principal: León de Oro: Poor Things de Yorgos Lanthimos; Gran Premio del Jurado León de Plata (es decir, el segundo lugar): Devil does not exist, de Ryusuke Hamaguchi; Premio Especial del Jurado (es decir, el tercer lugar): Green Border, de Agnieszka Holland; León de Plata al Mejor Director: Matteo Garrone por Io Capitano; Mejor guion: El Conde, de Guillermo Calderón y Pablo Larraín;  Mejor actriz: Cailee Spaeny por Priscilla, y Mejor Actor: Peter Sarsgaard por Memory.

Digamos que el principio rector de los premios asignados en Venecia responde a la “justicia distributiva” de corte rawlsiano: un poco de todo para todos. Aunque era evidente que los dos mejores filmes habían sido respectivamente Poor Things y Devil does not exist, no olvidemos que el jurado, compuesto de voces y perspectivas diferentes debe de algún modo contentar a todos. Imagínense, por ejemplo, dos visiones más diferentes (sobre cine) que la de Jean Campion, parte del jurado este año, y la de Damien Chazelle, el director de La la Land, Babylon y presidente del jurado en esta edición del festival; y es que uno puede hacer el experimento de ver consecutivamente El Piano de Campion y Whiplash de Chazelle para darse cuenta de que, por ejemplo, aunque ambos dramas cuentan la íntima relación de la música con sus personajes principales, los matices y sensibilidades de estos dos directores es casi abismal. Y es que el trabajo de un jurado puede parangonarse, por usar un ejemplo conocido para todos, al funcionamiento de un congreso: así, “la regla de la mayoría debe verse como una entre muchos recursos prácticos que se hicieron necesarios(…) cuando los intereses individuales y grupales divergen”, al decir de Buchanan (y aquí terminamos con las metáforas de filosofía política).

El problema quizá es una cuestión lógica que muchos nos hacíamos ¿Cómo la mejor película no tiene ni al mejor director, ni el mejor guion, ni a la mejor actriz? ¿O algunas más extrañas, si El Conde tiene el mejor guion, pero ningún otro premio, significa que su realización fue terriblemente mala y, por lo tanto; solo podía salvarse el “rico texto” a pesar de sus actuaciones o la dirección en general? ¿O, al contrario, la dirección de Matteo Garrone fue la que salvó el material pobre que constituye la trama de Io, Capitano?

Pero quizá la parte mas interesante del festival, digamos la más democrática (y sí, mentí con eso de las metáforas políticas) es la sección de Ridateci i Soldi (algo así como: “Devuélvanos nuestro Dinero”), un lugar dentro de la Muestra, muy cercano al Palazzo del Casino en el que el público en general (aquel que no tiene voz y tiene las credenciales de color verde) puede expresar su “sincera opinión” sobre las películas vistas y el festival en general. Es un cosa muy simple: cualquiera puede escribir un comentario —sin peligro de ninguna censura— en una hoja de papel que es pegada en un muro: la dinámica es más que interesante, la gente puede escribir encima de las hojas ya escritas y responder todos los comentarios; hay gente que la utiliza para promocionar sus propios productos artísticos, otros para quejarse de la organización, otros para, como por ejemplo, describir las última película de Liliana Cavani L’ordine del tempo (El orden del tiempo) como: “Una pérdida de tiempo o, un Don’t Look Up versión Alzheimer” (esto prueba que en verdad en el muro no opera ninguna censura). Lo interesante de todo esto es que el comentario más votado, el más irónico y brillante, es premiado con la Copa Codacons, un estatua de madera entregada por las manos del todopoderoso Alberto Barbera, director artístico del Festival de Cine de Venecia, en una ceremonia (sencilla) en el Hotel Excelsior. 

Pero hagamos una aclaración sociológica importante: la población que asiste al festival está organizada en una jerarquía claramente reconocible por el color de sus credenciales. En orden descendente según su importancia: a) rojo b) azul c) celeste y d) verde. Esta clasificación se extiende a todos los involucrados en el Festival: seguridad, administración, periodistas, asistentes, etc. Así, por ejemplo, Peter Bradshaw, el crítico de cine de The Guardian, tiene una credencial de color rojo, la cual le permite, por si fuera poco, beber gratis en el bar Campari y en el caso de reserva de filmes, que es aquí lo más importante, una prioridad de 24 horas, o algo así. Algo a lo que, por ejemplo, un acreditado normal (digamos, un estudiante de cine) no tiene derecho: debe escoger entre los no muy numerosos puestos disponibles después de que los acreditados con mayor grado jerárquico ya han reservado. Eso sí, muchos productores y periodistas se quejan de que el Festival de Venecia no es como el Festival Cannes; donde uno puede ver hasta cinco veces una película y en general los servicios son más sofisticados y cuidadosos. Y hay razón económica para esto: el presupuesto para el Festival de Venecia es de alrededor de 22 millones de euros y el de Cannes es de 31 millones. Pero, hay un diferencia esencial. El evento de Venecia está todavía abierto al público, cualquiera puede adquirir un ticket y ver libremente una película; en Cannes esto es impensable. Además —esto es ignorado por muchos visitantes— los cines de Venecia y Mestre (la otra parte de la ciudad ubicada en tierra firme) exhiben las películas en competición.

Pero sigamos sin hablar de cine: la segunda cosa más apreciada en el festival son las fiestas: la de Campari, la de Armani, la de Cartier, etc. Quizás la celebración más interesante fue, por una cuestión más o menos cinematográfica, la fiesta de Campari, que revivió el famoso L’Hotel des Bains, que estuvo cerrado durante más de 10 años y donde aquí se rodó Muerte en Venecia (1971) de Luchino Visconti.

Ahora sí: Io, Capitano, de Matteo Garrone, es un película que cuenta la travesía de dos adolescentes desde el África hasta Italia. El tema (ya dramático) puede caer en mucho equívocos y simplificaciones; pero lo interesante es que de todas las películas de Garrone esta es la menos violenta y, sin embargo, las más dolorosa. Aquí son las escenas oníricas que —recordando su película sobre los cuentos de Giambattista Basile— nos dan un respiro, y llaman algo así como una esfera trascendente. Pero sobre todo es la historia de una amistad profunda y de un protagonista que, como el príncipe Myskin, tiene un corazón bueno y bondadoso, lo que le da una cierta belleza a esta película. Es precisamente el carácter moral de su protagonista lo que muchos criticaban como irreal y ciertamente nos desconcierta: toda esta tragedia debería, según nuestro típico cinismo, quebrarlo en algún momento. Pero, la insistencia de Garrone en mostrar figuras bondadosas en medio de un mundo conocido por la brutalidad y la injusticia es precisamente la característica más importante de su puesta en escena. Y es que es cuestión de perspectivas: un crítico me decía que no encontraba una explicación dramática seria sobre porqué estos dos adolescentes habían decidido migrar, me dijo, parecían felices, llenos de canciones y una familia que los quería; pero no se daba cuenta, creo, que el protagonista debía dormir en suelo con otras cuatro o cinco personas, y que para ganar 200 dólares debía trabajar duro durante meses. Y es que esas sutilezas parecían mitigadas por el candor de la música y la familia.

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Por último, las películas más interesantes en el festival fueron Priscilla y Memory. La primera, de Sofia Coppola, sabe delinear la fascinación de toda chica adolescente que se enamora de alguien mayor, pero mostrando precisamente, la “historia de un alma”, que crece hasta madurar prematuramente. La segunda cinta, de Michel Franco, protagonizada por Jessica Chastain y Peter Sarsgaar, cuenta la historia de una trabajadora social que se hace cargo de una persona que sufre de demencia. El pequeño detalle es que aquella persona no recuerda que en un pasado abusó de la ahora trabajadora social cuando estaba en la escuela. La película, que sigue el melodrama típico (lleno de remordimientos, dolores, tristezas escondidas) de Franco, termina en un potente final que, en cierto punto nos hace preguntar la naturaleza de nuestros propios recuerdos. Y así, se termina este festival.

Texto: Bernardo Prieto

Fotos: Internet