El Centro de la Cultura Plurinacional (CCP) y la carrera de Arte de la Universidad Autónoma Gabriel René Moreno (UAGRM) se preparan para celebrar la segunda versión de la Semana del Arte, un evento que busca tender puentes entre la academia y la sociedad cruceña. Esta iniciativa, que nació en 2023, se ha convertido en un espacio vital para mostrar el trabajo artístico que se desarrolla en las aulas universitarias y permitir un encuentro directo entre los nuevos creadores y el público.

La programación de este año incluye la participación de reconocidos artistas cruceños como Lorgio Vaca, Tito Kuramoto, Olga Rivera y Eberth Román, quienes compartirán escenario con estudiantes y egresados de la carrera de Arte. El evento contempla conferencias, presentaciones musicales, cursos abiertos de dibujo, cerámica y pintura, además de la presentación de una investigación especial sobre las técnicas muralísticas del maestro Lorgio Vaca.

Esta alianza entre el CCP, bajo la dirección de Edson Hurtado, y la carrera de Arte de la UAGRM, liderada por el arquitecto Pedro Bazán, representa un esfuerzo conjunto por documentar y difundir la rica cultura cruceña, formando nuevas generaciones de artistas y creando espacios de encuentro entre la academia y la ciudadanía. Como señalan sus organizadores, el evento busca no solo mostrar el arte que se está generando en la sociedad cruceña, sino también obtener el respaldo moral de la comunidad para esta nueva generación de artistas.

Conversamos en exclusiva para Escape, de La Razón, con Edson Hurtado y Pedro Bazán, quienes dan detalles sobre la Semana de Arte y más.

¿Cómo nace la Semana del Arte en el Centro de la Cultura Plurinacional? ¿Desde cuándo se celebra y cuál es su periodicidad?

Pedro Bazán: Bueno, la Semana del Arte nace a iniciativa de ambas instituciones que nos reunimos el año pasado, a pedido de la carrera de Arte y viendo la necesidad de mostrar lo que hace la universidad al pueblo cruceño, es que buscamos un espacio público, un espacio que pueda permitir la visita de la ciudadanía a conocer todo lo que se está haciendo a nivel de academia en el tema de arte. Por eso fue que nosotros buscamos al Centro Cultural Plurinacional, quienes gentilmente accedieron y ya se dio la primera versión el año pasado, el 2023.

Edson Hurtado: Este será el 2do. año que llevamos adelante esta actividad, luego de una primera experiencia exitosa junto a la Carrera de Arte de la estatal U.A.G.R.M. La Semana del Arte es un evento que muestra los trabajos realizados por los alumnos de dicha carrera, sus resultados principales y sus propuestas estéticas y conceptuales. Sirve, sobre todo, para conocer la formación que están recibiendo los estudiantes, así como sus preocupaciones, expectativas y cosmovisiones. Con este evento, el acercamiento con el público y la sociedad en general se hace más efectivo.

¿Cuáles serán las principales actividades de la Semana del Arte? ¿Qué artistas estarán presentes?

Pedro Bazán: Bueno, nuestros artistas son nuestros estudiantes, o sea, son estudiantes que se han recibido y los que están en etapa de formación, además contaremos con la presencia de grandes artistas cruceños en este momento, como lo es el profesor Lorgio Vaca, Tito Kuramoto, Olga Rivera, Eberth Román y otros grandes artistas actuales. La presencia de estos artistas destacados es importante ya que cumplen el rol de gestor de todas las obras y trabajos que se van a mostrar. Si bien son trabajos de los estudiantes, estos son herederos de las técnicas y los conocimientos artísticos y los movimientos artísticos que estas personas nombradas han hecho en Santa Cruz desde mediados del siglo pasado. Vamos a tener, por ejemplo, conferencias, un poco de música, cursos abiertos y al vivo de dibujo, cerámica, pintura y mucho más. Una experiencia para el público en general que quisiera conocer la manera en como enseñamos y prácticamos el arte en nuestra carrera.

¿Cómo surgió la alianza entre el Centro de la Cultura Plurinacional y la carrera de Arte de la UAGRM para organizar esta Semana del Arte?

Pedro Bazán: Bueno, esta alianza surgió el año 2023 en realidad, cuando recibimos una visita del Ministerio de Cultura, quienes nos propusieron ser parte de un concurso nacional sobre pintura. Entonces nosotros aceptamos muy gentilmente y a partir de ahí, como el CCP, forma parte de las instituciones culturales del país pudimos conocer su agenda y el trabajo que vienen desarrollando por el arte en Santa Cruz y Bolivia. Todo nace desde el encuentro y acercamiento que tuvimos gracias al Ministerio de Cultura.

Edson Hurtado: La propuesta de realizar esta semana nació de la Carrera de Arte de la universidad estatal, y de inmediato nos pareció que era el camino que había que seguir. Desde el CCP decidimos que todo el equipo, así como la infraestructura se pondrían a disposición de este evento, para realzar una alianza que va dando frutos cada año. No solamente porque atrae otro público a nuestra institución, sino porque las y los artistas que se están formando, tienen la oportunidad de salir de sus aulas y exponer, mostrar y compartir sus capacidades artísticas.

¿Qué es lo que principalmente se busca visibilizar con la Semana del Arte ante la sociedad cruceña?

Pedro Bazán: Bien, esto es muy importante, esta pregunta es muy importante porque no puede haber una civilización sin arte, si nosotros conocemos la historia de la humanidad es justamente por el arte que se hizo a través del tiempo, entonces nosotros creemos que la cultura cruceña es muy rica y variada y que se la tiene que plasmar, se la tiene que dejar documentada para las futuras generaciones, entonces por esa razón es que es importante que el pueblo cruceño vea el arte que se está generando en su sociedad y lo aprecie y, lógicamente, lo apoye, que conozca a sus artistas a los nuevos o a los que van a salir. Esa es la dimensión de lo que se pretende con esta actividad, que la sociedad cruceña pueda asistir para poder dar un respaldo moral a toda esta nueva generación de artistas.

¿Qué aspectos destaca la nueva investigación del CCP sobre la técnica muralística de Lorgio Vaca?

Edson Hurtado: Lorgio Vaca nos encargó el año pasado la misión de ayudarlo a terminar un manual de sus murales. Quería compartir sus técnicas muralísticas, que durante tantos años de trabajo y dedicación ha adquirido y perfeccionado, y nosotros aceptamos con mucho gusto. El libro, que será presentado durante la Semana del Arte, es una guía que servirá a los siguientes muralistas que en el futuro quieran dedicarse a hacer murales al estilo de Lorgio Vaca. Es una condensación de su aprendizaje, el clave lúdica y pedagógica y que, mediante ejemplos específicos, muestra cómo hizo sus grandes murales, y las técnicas que utilizó. Me parece que será un gran material artístico y didáctico para las siguientes generaciones de artistas plásticos.

¿Cuáles son las otras actividades más importantes realizadas por el CCP en 2024?

Edson Hurtado: Este año hemos seguido trabajando con artistas, colectivos culturales e instituciones aliadas. Nuestro desfile de moda, que realizamos junto a la UPSA, presenta cada año a los diseñadores emergentes más destacados y a través de sus diseños siempre se destaca varias características importantes, como el cuidado del medio ambiente, el reciclaje de materiales y se realizan conversatorios sobre moda, apropiación cultural, tendencias, estilos, etc. Luego, nuestro Encuentro del Charango, brinda un escenario inédito para los exponentes de este instrumento, que es patrimonio cultural de las y los bolivianos. Junto a Luciel Izumi, gran charanguista cochabambina, llevamos 3 años reuniendo a jóvenes exponentes, y grandes valores del charango, como una manera de reivindicarlo y de mantenerlo vigente. Durante estos años hemos producido más de 80 podcast, siguiendo la corriente comunicacional del momento, y hemos entrevistado a gestores culturales, artistas y artivistas de Santa Cruz y de Bolivia. Realizamos más de 300 actividades y recibimos cerca de 100.000 visitantes al año, lo que nos convierte en uno de los centros culturales más dinámicos de la capital oriental.

¿Qué actividades se tienen previstas en lo que queda del año y que se puede esperar en 2025, el año del Bicentenario?

Edson Hurtado: En 2025 nuestra programación estará centrada, como la de la mayoría de las instituciones del país, en el Bicentenario de Bolivia. Vamos a enfocarnos en la reflexión, el debate y la crítica y autocrítica de estos 200 años de existencia de nuestra patria, desde la mirada de los artistas, gestores culturales, para tratar de entender el concepto de bolivianidad, y para reconocernos a través del arte y las culturas de nuestro país.

¿Cómo está la producción personal del director del CCP, Edson Hurtado?

Edson Hurtado: En el poco tiempo que me queda, o que me dejan las labores administrativas y burocráticas de la institución, tengo un libro listo para publicarse, sobre los años que viví en Nueva York y mi experiencia en esa ciudad; otro de cuentos a medio terminar, que espero poder concluir el año que viene, y por último, estoy terminando mi nueva película documental, cuyo tema principal son las diversidades LGBTIQ de Bolivia, y la Ley de Identidad de Género, promulgada en 2016, y que ha influido muchísimo, sobre todo en la comunidad de mujeres trans de Bolivia.

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En el mundo actual, ser creador de contenidos en redes sociales no es solo una forma de expresión, sino una profesión emergente que está transformando las dinámicas sociales y culturales. En Bolivia, un país caracterizado por su rica diversidad cultural y su tradición oral, esta labor representa tanto un desafío como una oportunidad única para mostrar la identidad nacional a un público global.

Leonel Fransezze, abogado, periodista y personalidad en redes sociales, lo resume diciendo que: “mucha gente aún ve la creación de contenidos como algo poco serio. Sin embargo, es una profesión que requiere la misma dedicación y especialización que cualquier otra carrera. Es una herramienta para compartir historias, conectar personas y construir comunidades”.

En Bolivia, donde las redes sociales han comenzado a consolidarse como espacios de relevancia para el entretenimiento y la educación, los creadores enfrentan diversos retos. Desde la desigualdad en el acceso a internet hasta la falta de reconocimiento profesional, cada paso está lleno de aprendizajes. Pero también es un país donde las plataformas digitales ofrecen la posibilidad de conectar tradiciones locales con una audiencia internacional. Entre los nombres que destacan en esta escena está el de Doña Luisa, una figura que, junto a Leonel Fransezze, se ha convertido en un fenómeno cultural. 

Marcelo Suaznábar es un artista surrealista boliviano cuya obra trasciende los límites convencionales de la representación visual, invitando a los espectadores a sumergirse en un mundo donde la realidad y la imaginación convergen de manera extraordinaria. Originario de Oruro, sus creaciones son un viaje profundo a través de paisajes oníricos que desafían nuestra percepción habitual del entorno y nos confrontan con las complejas relaciones entre la humanidad y la naturaleza.

Sus pinturas son un testimonio poderoso de la transformación y la fragilidad, utilizando elementos simbólicos como relojes, cubos y huevos con códigos de barras para representar metafóricamente los conflictos de la sociedad contemporánea. Suaznábar no solo crea arte, sino que construye narrativas críticas sobre la tecnificación del mundo moderno y la progresiva desconexión del ser humano con su entorno natural.

El arte en Marcelo Suaznábar

La obra de este artista plástico boliviano y universal es un territorio de exploración donde criaturas zoomorfas, animales con rostros humanos y escenarios oníricos se entrelazan para revelar verdades incómodas sobre nuestra existencia. Sus series como «Apocalipsis» y «Altiplano Mágico» funcionan como espejos críticos que reflejan tanto el pesimismo contemporáneo como la esperanza de una posible armonía con el medio ambiente.

Influenciado por sus primeras experiencias en iglesias y museos, y con el apoyo temprano de su tío fotógrafo, Suaznábar ha desarrollado un lenguaje artístico único que libera pensamientos y emociones más allá de lo visible. Su arte no busca simplemente representar sueños, sino crear formas surrealistas que emergen directamente de la imaginación, desafiando constantemente las percepciones establecidas y ofreciendo una ventana a mundos alternativos donde lo imposible se vuelve tangible.

El artista nos brinda detalles sobre su reciente exposición en Seúl, Corea, su presente, su obra y su porvenir en una entrevista exclusiva par Escape, de La Razón.

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¿Cómo se despertó en usted el deseo de ser un artista? ¿Qué elementos de su vida jugaron un rol determinante en esto y qué lo inspiró a seguir adelante?

Quizás fue la fuerte impresión que tuve al contemplar por primera vez las colecciones de arte sacro en el Museo de la Casa de la Moneda y del convento de Santa Teresa en Potosí. Ver la obra de los maestros Melchor Pérez de Holguín, José Miguel de Berrios, Bernardo Flores, provocó una inquietud de poder pintar y experimentar con óleos con unas tempranas interpretaciones de arte religioso. Los elementos o ingredientes para esta receta decisiva que me ayudaron a tomar un camino hacia las artes fueron: el dibujo como motor principal, la música como un medio de desconexión con el mundo para poder pintar o dibujar en soledad; a esto también se suma un apetito por observar los artistas que me parecían interesantes y enigmáticos, y la motivación de mi tío fotógrafo.

En su obra aparecen frecuentemente elementos como relojes, cubos y huevos con códigos de barras. ¿Qué representa esta combinación de elementos naturales con símbolos de la modernidad en su trabajo?

Son recurrentes estos elementos en mi trabajo porque los considero universales. El reloj tiene un significado que se podría leer en cualquier parte del mundo sin importar su origen. El reloj nos recuerda que el tiempo marca sus huellas para todos y no podemos remediar su avance. El huevo con códigos de barras significa la fragilidad de la naturaleza y la tecnificación de las sociedades en la que cada vez somos más dependientes de la tecnología; es algo inevitable. Tenemos códigos de barras para todo; su lectura es fácil y rápida, ideal para una era en la que la velocidad es la clave para un mundo cada vez más globalizado y complejo.

Usted ha mencionado que sus obras se inspiran en recuerdos de su infancia en iglesias y museos. ¿Cómo se manifiesta esta influencia religiosa en su serie «Apocalipsis»?

La serie Apocalipsis fue la transición de la serie netamente religiosa. Pienso que fue un paso importante para mirar los temores y las tentaciones y poner en una balanza el bien y el mal, según era mi percepción en ese momento por lo que pude absorber de la pintura colonial cuando visité Potosí a mis 16 años. Con esta serie pude explorar más los símbolos y desempolvar algunos temas que estaban por ahí ocultos; también eso me abrió la posibilidad de seguir explorando y descubriendo los laberintos de la mente para darle más libertad a mi creatividad.

A lo largo de su carrera ha creado varios murales significativos, incluyendo «El Juicio Final» y «La Ñusta y el Lagarto». ¿Cómo difiere su proceso creativo cuando trabaja en formato mural comparado con sus obras de caballete?

Es fascinante pero un poco complicado trabajar en gran formato por la composición del tema y de aplicación del material; la pintura de caballete es mucho más manejable y hasta cómoda para ejecutar una obra.

En su serie «Altiplano Mágico» representa un mundo ideal en armonía con la naturaleza. ¿Cómo ha influido el paisaje de su Oruro natal en esta visión utópica?

Altiplano Mágico me transporta ciertamente al paisaje inhóspito pero majestuoso al mismo tiempo, a los recuerdos de mi niñez cuando jugaba con mis hermanos en la finca de mi padre, manejando bicicletas y recorriendo esos senderos en las pampas. Pasábamos mucho tiempo allí observando los insectos y animales del lugar que poco a poco fueron desapareciendo: sapos, víboras, lagartijas, insectos, aves como los flamencos que llegaban a una gran laguna por temporadas. Esa armonía anhelada a estas alturas ya sufrió los cambios.

Sus obras están presentes en colecciones de más de 20 países. ¿Cómo ha evolucionado su perspectiva artística al exponer su trabajo en contextos culturales tan diversos?

Esa evolución a la que se refiere es parte del constante trabajo, que por las circunstancias en un nuevo territorio totalmente diferente al que tenía en nuestro país, con una cultura y lenguaje distintos, esto me daba la oportunidad de entrar a un ritmo constante y firme. Por cierto, al principio fue muy duro con todo lo que conlleva ser un inmigrante luchando por sobrevivir, pues había que trabajar mucho y tocar puertas doblando esfuerzos y aprovechando las oportunidades que se podrían presentar.

Su obra ha sido descrita como una metáfora de la crisis entre el medio ambiente y el mundo humano. ¿Qué papel juegan las criaturas de dos caras y cuernos que aparecen en sus pinturas en esta narrativa?

Estas criaturas son parte de la evolución de mi obra: animales con rostros humanos, criaturas zoomorfas con cuernos, ciclopes y aves, que suelen estar en escenas desérticas, habitaciones o con fondos abstractos. Son criaturas transformadas que demuestran que en esa escena todo es posible: pasar de la habitación o del espacio abierto a un escenario irreal y onírico.

Su obra «La invitación» reúne diversas criaturas surrealistas en un espacio con una atmósfera peculiar. ¿Qué buscaba comunicar con esta particular reunión de personajes?

Como el título lo dice, es una invitación de seres extraños a formar parte del acto de la reunión, entrar a un espacio y formar parte de esa experiencia de celebrar un momento de encuentro.

¿Cómo se dio esta reciente presencia suya en Seúl? ¿Qué se viene hacia adelante?

Esta muestra individual fue organizada y planificada hace un año por la galería THEO de Seúl, que me representa desde 2022. Inicialmente expuse en 2023 junto al escultor Kim Woojin en una muestra que se denominó «Dreaming of». THEO expuso mi obra en Hong Kong, Taipéi y Jakarta. Las muestras que tendré hasta fin de año son dos colectivas en París en la 27 Concept Galerie, Sahar Khan Boluki Gallery de Toronto y en la feria internacional de Scope Miami con Spence Gallery de Toronto.

Para el próximo año tendré una muestra individual en Yin Art Gallery de Taiwan y otra en 27 Concert Galerie de Paris  y nuevamente expondré en las ferias internacionales de arte en Busan, Taipei y Jakarta con la galería THEO de Seoul.

Allen Ginsberg, figura central de la Generación Beat, encarnó como pocos el espíritu rebelde, visionario y profundamente humano que marcó la contracultura del siglo XX. Poeta, activista y místico, Ginsberg se convirtió en un símbolo viviente de la libertad creativa y la lucha contra las convenciones sociales. Su legado, encapsulado en obras como *Howl* (*Aullido*), sigue siendo un poderoso grito de protesta y un canto de amor a la humanidad.

El movimiento Beat

La Generación Beat fue un colectivo literario y cultural que surgió en Estados Unidos a mediados del siglo pasado, integrado por figuras como Jack Kerouac, William S. Burroughs y Ginsberg. Enfrentados a una sociedad que consideraban opresiva y alienante, estos artistas propusieron un enfoque radicalmente diferente: celebraban la espontaneidad, la introspección y las emociones humanas. Para Ginsberg, este movimiento representaba «un cumplimiento casi perfecto de la tradición populista y revolucionaria de Walt Whitman en la poesía estadounidense».

El poema *Howl* se convirtió en el manifiesto de este movimiento. Publicado en 1956, su estilo libre y su lenguaje crudo desafiaron las normas literarias de la época. “Dejé volar mi imaginación, abrí el secreto y garabateé líneas mágicas desde mi mente real… escritas para el oído de mi propia alma y de algunos otros oídos dorados”, confesó Ginsberg. A pesar de los intentos de censura, el poema fue declarado no obsceno tras un juicio histórico, consolidando a Ginsberg como un ícono cultural.

Ginsberg, el visionario extravagante

La vida de Ginsberg estuvo marcada por experiencias místicas y un enfoque irreverente hacia las normas sociales. En una ocasión, relató cómo, mientras se masturbaba, escuchó la voz de William Blake recitando: «¡Oh rosa, estás enferma! / El gusano invisible…». Esta alucinación auditiva no solo inspiró su arte, sino que también lo llevó a pasar ocho meses en una institución psiquiátrica. Sin embargo, lejos de considerarse víctima de la locura, Ginsberg defendía la «sabiduría salvaje» del budismo zen, un concepto que para él significaba “sabiduría loca en el sentido de salvaje, ilimitada, sin fronteras”.

Su abierta homosexualidad, en una época profundamente conservadora, fue otra de las manifestaciones de su valentía. Enfrentó con humor y dignidad las críticas de los sectores más ortodoxos, como se evidenció en una tensa entrevista con John Lofton, columnista del *Washington Times*. Cuando este cuestionó la “locura” de Ginsberg, el poeta replicó: “Todo el mundo está un poco loco… en el jazz, cuando alguien toca un riff hermoso, dicen: ‘Estás loco, tío’”. Su ingenio, mezclado con una profunda sensibilidad, desarmaba incluso a sus críticos más feroces.

La espiritualidad como fuerza creativa

Ginsberg también encontró en la espiritualidad un pilar fundamental para su arte y su vida. Inspirado por las religiones orientales, integró el yoga, la meditación y los mantras en su proceso creativo. “El ritmo, la respiración y los sonidos elementales eran para mí una especie de poesía”, señaló. Esta conexión con lo espiritual lo llevó a cofundar la Escuela Jack Kerouac de Poética Incorpórea, un espacio para la experimentación literaria y el estudio de filosofías alternativas.

Aunque inicialmente usó psicodélicos para explorar su conciencia, un viaje a la India en 1962 transformó su enfoque hacia prácticas más naturales. Aun así, defendió el uso de drogas como herramientas creativas, afirmando que algunos de sus mejores poemas, como partes de *Howl* y *Kaddish*, nacieron bajo su influencia.

El precio de ser un rebelde

La autenticidad de Ginsberg no estuvo exenta de controversias. Su asociación con NAMBLA (Asociación Norteamericana del Amor entre Hombres y Niños), aunque él la justificó como una defensa de la libertad de expresión, generó críticas que lo acompañaron hasta el final de su vida. A pesar de ello, su impacto cultural permaneció intacto. Para William Burroughs, Ginsberg fue “una gran persona con influencia mundial”.

En sus últimos días, Ginsberg continuó escribiendo con intensidad. Tras recibir un diagnóstico terminal de cáncer de hígado en 1997, creó doce poemas breves que encapsulan su genio y su espíritu inquebrantable. Murió poco después, dejando un legado que, como señaló The Economist, lo consagra como “un puente entre la vanguardia literaria y la cultura pop”.

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La vigencia de Ginsberg

Allen Ginsberg no solo fue un poeta, sino un símbolo de libertad, humanidad y creatividad. Desde sus apasionados versos hasta su activismo político y espiritual, desafió las normas con un compromiso inquebrantable hacia la verdad y la belleza. Hoy, su obra resuena como un recordatorio de que, como él mismo dijo: “la única cosa que puedes hacer es abrir tu corazón”.

Un supermercado en California

Allen Ginsberg

Qué pensamientos tengo de ti esta noche, Walt Whitman, pues caminé por las calles laterales bajo los árboles con jaqueca, autoconsciente mirando la luna llena.

En mi fatiga hambrienta, y comprando imágenes, entré al supermercado de frutas de neón, ¡soñando con tus enumeraciones!

¡Qué duraznos y qué penumbras! ¡Familias enteras comprando de noche! ¡Pasillos llenos de esposos! ¡Esposas en los aguacates, bebés en los tomates! —y tú, García Lorca, ¿qué hacías junto a las sandías?

Te vi, Walt Whitman, sin hijos, solitario viejo hurgador, escarbando entre las carnes del refrigerador y mirando a los muchachos del mercado.

Te oí haciendo preguntas a cada uno: ¿Quién mató las chuletas de cerdo? ¿A cuánto los plátanos? ¿Eres tú mi Ángel?

Vagué entrando y saliendo de las brillantes torres de latas siguiéndote, y fui seguido en mi imaginación por el detective de la tienda.

Avanzamos juntos por los corredores abiertos en nuestra solitaria fantasía probando alcachofas, poseyendo cada delicadeza congelada, y sin jamás pasar por la caja.

¿Adónde vamos, Walt Whitman? Las puertas cierran en una hora. ¿Hacia dónde apunta tu barba esta noche?

(Toco tu libro y sueño con nuestra odisea en el supermercado y me siento absurdo.)

¿Caminaremos toda la noche por calles solitarias? Los árboles suman sombra a la sombra, luces apagadas en las casas, ambos estaremos solos.

¿Pasearemos soñando con la América perdida del amor más allá de automóviles azules en las entradas, rumbo a nuestra silenciosa cabaña?

Ah, querido padre, barba gris, solitario viejo maestro del valor, ¿qué América tenías cuando Caronte dejó de empujar su barca y tú descendiste en una orilla humeante y te quedaste mirando el barco desaparecer en las negras aguas del Leteo?