Ambos escribieron desde la noche oscura e inagotable alcohol. Vivieron épocas distintas y sus narraciones expusieron la marginalidad paceña desde sus antros y derredores, una cruda realidad que cada uno trazó a un estilo y que seguramente obedeció a su extracción y sus maneras de ver la vida: Voyerismo y praxis en carne propia; una suerte de contención que nunca existió —no podría— más que en la mente de aquellos que aún evocan sus perturbadoras impresiones. Jaime y Víctor Hugo, cronistas del lumpen a la sombra.

Jaime Saenz (8 de octubre de 1921–16 de agosto de 1986) fue poeta, escritor, novelista, ensayista, dibujante, periodista y catedrático universitario. De cuna acomodada en una sociedad clasista y racista, vivió huyendo de aquellas ataduras para sumergirse en la ciudad marginal, retratando sus escondrijos y sus personajes extremos en casi toda su obra. Su libro de vida dice que, de excelente educación, sus privilegios le permitieron migrar a Alemania hacia 1938, donde se cultivó con la filosofía de Arthur Schopenhauer, Martin Heidegger y los escritos de William Blake y Franz Kafka, además de asimilar la música de Richard Wagner. Se trataba de un hombre muy ilustrado. En 1955 publicó El escalpelo y le siguieron obras como Muerte por el tacto (1957), Aniversario de una visión (1960) y Visitante profundo (1964), entre otras.

Víctor Hugo Viscarra (2 de enero de 1958 – 24 de mayo de 2006) fue un escritor y cuentista de baja calaña representante del denominado realismo sucio. Su infancia no fue una bendición, como él mismo se encargó de aclarar en sus entrevistas y sus obras, las mismas que reflejan su vida leal con la marginación, el alcohol, las drogas y el crimen, con el que empezó a lidiar desde adolescente. No tuvo privilegios, al contrario, vivió con el lumpen al que hizo reconocido gracias a sus crueles relatos. Tampoco se circunscribió en la literatura formal, lo cual le significó el rechazo de los círculos de intelectuales. Sus libros son Coba: lenguaje secreto del hampa boliviano (1981), Relatos de Víctor Hugo (1996), Alcoholatum y otros drinks – Crónicas para gatos y pelagatos (2001), Borracho estaba pero me acuerdo (2002), Avisos necrológicos (2005), Ch’aqui fulero – Los cuadernos perdidos de Víctor Hugo Viscarra (2007).

Pese a las similitudes en sus propósitos narrativos, al fotografiar mundos suburbanos, no son considerados de la misma rama retórica, tanto por sus fans como por los críticos y observadores literarios, a la suma de reivindicar una enorme distancia entre uno y otro, la cual equivale a un antagonismo que ellos nunca sintieron, pero que sin dudas habita entre las tertulias de sus apasionados. Alguna vez, el extinto poeta y periodista literario Rubén Vargas aseguró que no existe comparación entre ambos pues Viscarra, a diferencia de su admirado Saenz, no podía ser considerado un escritor, sino más bien un cronista de carácter antropológico al narrar principalmente sobre sus vivencias. En contraparte, la crítica de arte y gestora cultural Mabel Franco apuntó que, aunque peleado con la ficción literaria, el hecho de que haya escrito sobre una realidad vivida no le quita los dotes de narrador-escritor, con la virtud de haber llevado esas memorias a un texto impreso.

Alegatos

Sobre las distancias entre ambos hombres, el escritor cochabambino Claudio Ferrufino-Coqueugniot, radicado en Denver (EEUU), afirmó que “en muda oposición a los intelectuales que mitifican y, aparentemente, idolatran la vida de los miserables (en clara alusión a la búsqueda de Saenz), Viscarra relata su malaventura personal sin pelos sobre la lengua. (…) o de aquellos que mal la imitan para luego ir a esconderse detrás de la comodidad de sus casas. (…) No podrían los exégetas de Saenz hablar de la seductora vida de los mendigos ante un autor que desnuda su trágica vida con aguda memoria” (El Malpensante, septiembre 2003).

El barbado Saenz es internacionalmente reconocido; sus obras fueron traducidas a varios idiomas y es sin duda la inspiración neta para todos aquellos que aspiran a ser literatos en la Bolivia de mediados de siglo XX para adelante. Demás está decir que sus libros fueron objeto de estudio y análisis y su prosa encumbrada por iluminada. “Su reputación como poeta venía del brazo de su vida tumultuosa que escandalizaba tanto a la gente a su alrededor, incluyendo a su familia, como a la clase letrada paceña. En especial su alcoholismo, su manía por vivir de noche y deambular por los barrios populares y semi-marginales de la ciudad, lo convirtieron en personaje extravagante ante los ojos de los escritores e intelectuales más tradicionales de la época, así como de la gente que lo frecuentaba. Esto creó la fama de Saenz ‘marginal’ y rechazado por la sociedad”, escribió Leonardo García Pabón en su estudio Postcriptum: Apuntes sobre el universo literario de Jaime Saenz, una más entre otras tantas tesis sobre el enigmático escritor.

Saenz fue aquel que beatificó laderas como Llojeta, su santuario de inspiración. “Era docente universitario, coqueteó con el oficio del periodismo y estuvo vinculado a grupos sociales desfavorecidos. No escapaba a los flashes del estrellato, pero no vivía en una burbuja, él conocía a la ciudad que vivía lejos de esos privilegios. Así, una de las mejores fotografías de la popular ciudad de La Paz que tenemos, es su libro Imágenes paceñas. Ahí, desde el aparapita hasta el afilador de cuchillos están retratados… y ni qué decir de las casonas y recovecos de la ciudad. Y si hablamos de personajes, con Felipe Delgado los reconocemos a la perfección, los cuales van por los caminos entrecruzados de la vida y la muerte en Churubamba en los años ‘30”, dijo el escritor Erick Ortega, autor del libro Cuarto mandamiento (Editorial 3600, 2022).

Viscarra, por su parte, canonizó los basurales y la inmundicia. El también periodista Ortega, refiere que “hay que realmente escarbar para pillar una foto decente de él. Le gustaba estar al margen de los reflectores. Recuerdo que cierta noche debía asistir a la presentación de su libro en un salón elegante, pero él, a la misma hora, estaba bebiendo en uno de sus bares. Gracias a él reconocemos a la ciudad de La Paz que está escondida bajo la alfombra de la cotidianidad. Y ni qué hablar de la riqueza de su obra en varios sentidos; por ejemplo, su libro Coba: Lenguaje secreto del hampa boliviano nos ofrece la riqueza del lenguaje y sus variaciones desde una celda. Él sabía de lo que escribía, pues en sus libros y en la vida es un personaje más que pasa la noche a la intemperie en un mundo”.

El editor y escritor Willy Camacho, quien compiló toda la obra de Viscarra en el libro La del estribo en 2018, que también fue publicado por Editorial 3600, dijo que Saenz fue por sobre todo un poeta que se puso al servicio de la narrativa. “Se lo considera un explorador de los márgenes; él asumió la pose de escritor maldito en vida y tenía toda un aura al respecto, desde su estética hasta lo que escribía. Saenz es mucho más literario que Viscarra, pero también racista en sus descripciones sobre el aparapita, por ejemplo. Ahí hay ciertos rasgos de superioridad de clase”.

Viscarra no fue reconocido desde un inicio. Su libro sobre el argot delincuencial boliviano le brindó cierta correspondencia, tras haber colaborado con la institución policial a la que odiaba. Pero continuó con sus descripciones marginales que llamaron la atención de algunos editores como Manuel Vargas, de Correveidile, quien no solo lo alojaba en casa, sino también le entregaba las herramientas para poder inscribirlas en un papel, pues el redactor callejero carecía de aquellas bondades materiales. Hacia fines de milenio pasado, un periódico chileno descubrió la vida y obra de Víctor Hugo y lo rebautizó como el Bukowski boliviano o Viscarrowski. Así, su nombre empezó a trascender fronteras. 

La Chupa

En Argentina, el poeta y escritor indígena David Chulque, uno de los primeros descubridores de Víctor Hugo en aquel país, explicó a principios de 2000 que “la escritura de Viscarra no posee las estéticas que exigen las academias, por el contrario, es directo, simple y visceral. Leerlo es como estar sentado con él, en una cantina, tomando una cerveza fresca mientras lo escuchás”.

En similar tonada, el escritor peruano Manuel Raya, admirador del fatídico alcohólico Charles Bukowski, explicó que en cuanto conoció la biografía del marginal paceño se interesó en su obra, la cual había llegado con algunos ejemplares hasta su tierra. “Su vida se parecía a la de Bukowski. Mejor dicho, el alcohol era el común denominador. La marginalidad en la que vivió Viscarra fue una constante lucha para él. Es casi inimaginable pensar que un vagabundo o un tipo que pernocta en las calles pueda escribir unas líneas tan bellas, tan tristes, profundas, llenas de mucha fuerza y fiereza a la vez. Víctor Hugo compartió un mensaje, el mensaje de su experiencia de vida. ‘No hagan lo mismo que hice yo’. Eso es lo que yo descifro como lector. Tal vez en eso se parece a Bukowski, ya que este tiene escrito en su lápida su mensaje: ‘dont’ try’ (No lo intentes)”.

Por otro lado, y en disonancia con la mirada que se tiene sobre ambos, la Premio Nacional de Crónica Bartolomé Arzáns de Orsúa y Vela 2019, la chuquisaqueña Soledad Domínguez, dijo que tanto Saenz como Viscarra “son escritores de La Paz y al resto del país no nos conmueven tanto porque son miradas paceñas y desde esa perspectiva, han logrado imponerlos en toda Bolivia. Yo creo que hay otros grandes escritores, quizá mejores que ambos, pero no reconocidos. Eso sí, lo que sí me parece muy interesante, es que Víctor Hugo se pasaba por las nalgas a las élites intelectuales, y el hecho de que haya creado una literatura que es muy propia”.

La noche

En el desaparecido Bocaisapo de La Paz, pub-bar-antro de los años 90, solían reunirse escritores, bohemios y periodistas de la época, en imparables sesiones de chismes y alcohol. Una de aquellas noches reunió al poeta Humberto Quino con otros, y en ese trance de ofuscación entre todos los asistentes, ingresó al recinto un hombre con pinta de proscrito y heridas en el rostro, que empezó a recitar unos poemas a cambio de monedas y tragos que le invitaban desde las mesas para que se callara. Alguien preguntó a Quino que quién era ese personaje. “Un borracho cargoso”, dijo el vate declarado seguidor de Saenz. Aquel desconocido había sido Víctor Hugo que, así como llegó, volvió sobre sus pasos a su encuentro con la noche.

También puede leer: Quince cosas que no sabías de ‘El Cementerio de los Elefantes’

En el ambiente letrado por otro lado, hay muchos que piensan que se ha sobredimensionado la figura de Víctor Hugo, que cualquier comparación con Jaime resultaría ridícula. “Pero no nos olvidemos que ambos son una construcción”, admite, crudo, el también escritor y gestor cultural Alexis Camacho. “Saenz estaba nomás ligado a círculos de poder y representaba a esa clase pudiente que estaba muy alejada de la realidad de un hombre de la periferia”. Según recuerda algunos comentarios en aquellas charlas bohemias, Saenz era un hombre que se sentía muy identificado con la ideología nazi, inclinación que habría asumido tras su estadía en Alemania, lo cual lo alejaba casi por lógica, de los entornos que él reivindicaba. Y lo mismo con Viscarra. ¿Es posible que un hombre acabado por el alcohol haya tenido la fuerza y lucides para concebir semejantes retratos, viviendo aún en la calle? En esos murmullos del Bocaisapo fue donde empezó a correr el mito de que existía la afanosa mano de un editor en los escritos de Víctor Hugo, que él se limitaba tan solo a contar sus historias. Una leyenda difícil de consumir y casi imposible de confirmar. “Lo cierto es que necesitábamos un escritor bohemio como Saenz y a uno que venga del lumpen”, explicó Alexis Camacho.

Para Ortega, en cambio, no es necesaria toda esta escaramuza sobre un supuesto antagonismo que jamás existió, por más que Viscarra se haya referido a Saenz como “un jailoncito que vivía en Sopocachi” (un potentado que vivía en un barrio de ricos, más o menos).  “No sé si necesariamente se puede entender los mundos de Víctor Hugo Viscarra y Jaime Saenz desde sus lectores. No considero que habría que enfrentarlos; al contrario, pienso que las coincidencias los unen. A riesgo de caer en la fosa común del periodismo, es como comparar a Messi y Ronaldo. A Saenz y Viscarra no hay que enfrentarlos, pero sí podemos apreciarlos desde sus libros”.

Salud por eso.

Palabra de Jaime

“La pasión es muy importante, es un componente del fanatismo y el fanatismo es muy importante, porque si no eres apasionado… Al mismo tiempo tienes que ser frío por ser apasionado, porque de otro modo te come la pasión, te anegas en la pasión, pero si eres frío entonces puedes llegar a algo”. Entrevista con el crítico Luis H. Antezana.

Palabra de Víctor Hugo

“He tenido mis universidades: celdas, callejones clandestinos, casas abandonadas, puertas de calle, alojamientos… viviendo con mi gente, que es ¡mí submundo!, mío solito. Me he criado en la basura, y he conocido muchos basureros y desde ahí escribo. Soy un antropólogo porque alguien tiene que reventarse por mi gente”. Entrevista en el periódico chileno La Nación.

Texto: Marco Basualdo

Fotos: Internet y Archivo la Razón

Fue una noticia que sacudió las melenas que ya no existen. Aquel ‘power-trío’ de fines de los 60, Climax, fue una banda que marcó historia y aún hoy conserva su ‘chapa’ de mito viviente en el ambiente rockero de La Paz.

Por ello, las generaciones de fans siempre aguardan la gran noticia del retorno, que se hará realidad hoy en el nuevo boliche del arte de La Paz, Stone House o Casa de Piedra (c. Ecuador, 1982), que brindará una alfombra de gala para el retorno de la nueva versión de aquel grupo primogénito del rock hecho por estos lares.

New Climax es el nombre del nuevo grupo refundado con integrantes de otro pilar del rock local, Loving Darks. Este cuarteto involucra hoy en sus lides, además de Córdova y Eguino, a Raúl Saavedra (bajo) y André Ratay (teclados), además del cantante Ángelo Jové. “Volveremos a tocar los clásicos de los años 70 y 80 con los que crecimos. Desde The Doors hasta Deep Purple”, explica Córdova.

Eguino dice que, después de algunas temporadas alejadas del rock, producto de la pandemia por el COVID-19, esta será una buena oportunidad para retomar el buen rock de fines del siglo XX. “Vemos que hay un vacío, las nuevas generaciones desconocen la historia y producción de aquellos grupos que forjaron esta historia. Nosotros volveremos a interpretar mucha de aquella música que cambió al mundo y esperamos volver a sacar un nuevo material”.

HISTORIA.

Climax, formada por los paceñísimos Álvaro Córdova (batería), José Pepe Eguino (guitarra), y Javier Saldías (bajo), sin duda, los instrumentistas más avezados de la época, significó una excelente y prometedora aparición para el movimiento rockero nacional.

El power-trío era una clara muestra de que el rock boliviano estaba evolucionando y había tomado, con esta agrupación, una senda legítima.

La historia del grupo se remonta a enero de 1968, año en que José Pepe Eguino y Javier Saldías abandonaban The Black Birds, pues confirmaban un viejo anhelo: viajar hacia Estados Unidos para apreciar, desde el mismo lugar de los hechos, los nuevos aires que había tomado el género del rock. Llevaron consigo a un amigo fanático de la batería, Álvaro Córdova, quien también se había desvinculado de su grupo Las Tortugas con la firme idea de hacer carrera en el gigante del Norte.

En la costa oeste de aquel país, se había gestado un movimiento cultural desde mediados de década conocido como “flower- power”, una expresión masiva organizada por jóvenes, “los niños de las flores”, quienes reclamaban “paz, amor y libertad” en los años de la Guerra de Vietnam. Aquella manifestación daría vida a la denominada Nación Woodstock fundada por los hippies, cuya ideología de “Haz el amor y no la guerra’ se transmitía como una onda expansiva por el mundo de Occidente.

Fue en San Francisco, California, donde se habían dado las condiciones para la difusión de un estilo de rock experimental, el cual fuera bautizado como “de vanguardia” o “sicodélico”. Jefferson Airplane, Grateful Dead, The Mamas and The Papas, y más subterráneamente Frank Zappa, serían los gestores de un movimiento que se fue desinflando con el fin de la década, pero que de todos modos hizo parte del proceso en la evolución del rock hasta estos días.

El trío Eguino-Saldías-Córdova se radicó por espacio de 10 meses en Denver, Colorado, desde donde tuvieron acceso a todo tipo de conciertos e información. Fueron privilegiados espectadores en actuaciones de Jimi Hendrix-Experience, Cream y The Doors, y aquel nuevo estilo les abriría la mente hacia la experimentación.

Bajo aquella influencia y tras concluir que abrirse espacio entre los músicos estadounidenses sería una tarea prácticamente imposible, el trío Eguino-Saldías- Córdova alistó sus maletas para el retorno a fines de 1968.

Nuevamente en La Paz, la llegada de los músicos empezó a generar gran expectativa, aún sin saber si iban a dar vida a una nueva formación, pues la fama que cargaban a cuestas despertaba suficiente curiosidad por apreciar todo lo que habían asimilado durante su estadía en los Estados Unidos. Y de hecho, el grupo, una vez formalizada su propuesta, no defraudó. Autodenominados como Climax, el estado purificador al que aspiraban llegar mediante la música, los Eguino-Saldías-Córdova intentaron personificar la versatilidad de Clapton-Bruce-Baker (Cream), pero con estilo propio.

Lea también: Shakira recibe una “calurosa” bienvenida de la congresista republicana María Salazar

Las primeras presentaciones se realizaron en el Cine Teatro Monje Campero de El Prado, en el Teatro Al Aire Libre y en los terrenos del Coliseo Cerrado de la calle México, con una receptividad avasallante. Los interminables solos de guitarra de Eguino, la incansable a la vez de melódica base de Javier y la aceleradísima percusión de Córdova, quien como un adelantado de su tiempo tocaba con dos baterías, lado a lado, fueron la fórmula alquímica que catapultó a Climax como el power-trío nacional.

En vista de su explosiva performance fueron invitados por un sello para registrar su primera producción que incluiría, como una condicionante de la época, versiones de himnos del rock mundial. Born to be wild, de Steppenwolf, Sunshine of your love y Tales of the Brave Ulises, de Cream, y Fire de Jimi Hendrix Experience, fueron los más coreados en sus presentaciones al vivo. Climax, con aquel bagaje, se distanció años luz de la propuesta de la Nueva Ola de sus bandas colegas.

En una de aquellas actuaciones realizadas en el Círculo de Oficiales del Ejército, tuvieron la visita en camerino de un hombre cuya contextura física llamaba la atención. Se trataba de un regordete “marine” estadounidense de servicio en el país llamado Bob Hopkins, quien pidió colaborar con el trío tocando su armónica.

La química fue instantánea, los músicos bolivianos habían quedado tan impresionados por la forma de tocar del norteamericano, que junto a él se lanzaron a la composición del material de su segundo EP. Hacia 1970, vería la luz el nuevo lanzamiento del ahora cuarteto con las canciones El abrigo café de piel de gallina, (original de Otis Rush) cantada por Hopkins, y las primeras composiciones The Seeker y Ritmo de la vida.

Pese al retraso en su salida a la venta, aquel disco se agotó por completo, abriendo el camino para mejores condiciones en la grabación de las futuras producciones del grupo. Pero luego de algunas presentaciones por ciudades del interior del país, la carrera de Climax entró en un breve receso. El primero en marcharse había sido Hopkins y le siguió Pepe Eguino. Hacia 1971, los otros dos miembros fundadores llaman a Nicolás Suárez en los teclados y Félix Chávez en la guitarra, formación con la que viajan a Buenos Aires, Argentina, para algunas presentaciones.

Al retorno, los músicos bifurcaron sus carreras por Estados Unidos y Argentina. En este último país, Saldías y Córdova integrarían el grupo Mahatma con el guitarrista argentino Jorge Montes.

RETORNO.

Tras algunas idas y venidas, finalmente en 1974 el trío original confirma su reunión, que tendrá como producto Gusano Mecánico, título de aquel Long Play con composiciones propias en su totalidad. Se trataba de un disco conceptual con canciones como Pachacutec (Rey de Oro), Transfusión de luz y Cristales soñadores, entre otros títulos.

La excesiva confianza en el producto final les permitió un detallado proceso de post producción, que se tradujo en un álbum de tapa doble con un grabado del artista plástico MC Esher, en el que se distinguía un laberinto surrealista de escaleras en clara alusión a la mecanización del hombre en sociedad, como sugería el nombre del disco.

El LP, como su predecesor, también se agotó y hoy es una reliquia muy apetecida por coleccionistas. Lamentablemente, aquel material no iba a ser muy promocionado, pues al trío no le quedaría mucha vida pese a una breve experimentación con el jazz-rock. Hacia fines de 1975, el eterno baterista emigrante hacía maletas una vez más, dejando colgados a los otros dos músicos.

Tiempo más tarde, Córdova retornaría en 1977 y daría vida, nuevamente, junto a Saldías y Eguino bajo el nombre de Años Luz.

Con los años, y ante retornos intempestivos de Córdova, Climax volvió a presentarse en festivales de música, como el organizado por FM Contemporánea, ex Radio Chuquisaca, en 1992.

A fines de 2002, tras casi 10 años de ausencia, el baterista retornó de modo definitivo a La Paz, y en abril de 2003 brindaron un concierto inolvidable en el Teatro Municipal de La Paz, donde recibieron un Diploma al Mérito por su carrera. 

Marqueces siglo XXI, el mito urbano narra que se trataba de un grupo de motociclistas que arriba de sus monturas de metal infundían terror en las adoquinadas calles paceñas de los años 70.

Influenciados por la película Buscando mi destino y agrupaciones foráneas como los Hell’s Angels, los hermanos Márquez, Javier, Freddy y Miriam, dieron vida a Los Marqueces.

Pandilla que marcó parte de la historia de los últimos años del siglo XX.

Fueron acusados de agresiones, extrema violencia, de haber tomado la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA) para perseguir a comunistas y, entre otras cosas, de apoyar a la dictadura de Hugo Banzer Suárez.

Todo ello desencadenó una ola de represalias como su casi linchamiento en puertas de su domicilio en 1970 en el barrio de Miraflores y la muerte de Miriam, con tan solo 18 años.

En un confuso episodio en una fiesta carnavalera en 1972. Pertenecer a Los Marqueces por esos días  no era digna tarjeta de presentación.      

LEA TAMBIÉN

‘El rock boliviano va a conquistar Argentina’

Marqueces

Cuando estos muchachos recorrían las arterias de las calles paceñas, los adolescentes salían a su encuentro solo para admirarlos.

Eran chicos impresionados por esas poses extravagantes y semblantes desafiantes, envueltos en jean, cuero y gafas oscuras, además de llevar el cabello largo.

Y querían ser como ellos.

Pero aquellos no gozaban de buena fama, así que cuando los fans hacían conocer sus deseos de pertenecer a la afamada congregación, sufrían la censura de familiares y cercanos.

Y es que hablar de Los Marqueces en los círculos conservadores paceños de los 70 y principios de los 80 estaba prohibido.

Pero estos muchachos seguidores, entre asentimientos y condenas, terminaron saliéndose con las suyas, aunque virando por completo los designios de quienes los habían inspirado. 

New generation

Hacia el año 1984, en tiempos del descalabro hiperinflacionario de la Unidad Democrática y Popular (UDP), entre otras novedades de la ciudad destacaba un recién inaugurado Centro Comercial.

Santa Anita, en frente de la plaza Alonso de Mendoza, donde se reunían grupos de jóvenes de la zona Norte paceña.

Entre ellos se encontraba Marco Antonio Rodríguez, uno de los fundadores de esta historia, hoy considerada heredad de la hoyada.

Él tendría 14 años cuando empezó a reconocer las andanzas del grupo de los Márquez y compañía y, como muchos de sus amigos, quería ser parte del mito. Sin embargo, se topaba con un pequeño gran problema: era muy joven para hacerlo, aunque terco para desechar la idea.

“Por esas cosas de la vida, conocí a Alberto ‘Beto’ Márquez, el medio hermano menor de la familia que era más o menos de mi edad”.

Fue él quien me introdujo en esa nueva tendencia entre jóvenes que vestían ropa de cuero y escuchaban música rock.

Juntos, nos propusimos formar una suerte de filial entre quienes admirábamos al grupo de su hermano mayor”, recuerda.

El inicio fue problemático. Además de recibir el rechazo y repudio de sus padres frente a sus disparatadas intenciones, también sufrió la negativa del líder máximo del grupo.

“Freddy no quería saber nada en un principio. Y fue frustrante porque nosotros les teníamos admiración y hasta un poco de temor”.

Estos chicos, avezados, habían sido los autores de innumerables grafitis en las paredes citadinas con la palabra “Marqueces”, motivo por el que fueron citados por Freddy para aclarar el tema.

“Nos convocó y nos dio una gran ‘puteada’, fue impresionante para nosotros”.

“Nos dijo que, si íbamos a formar un grupo, que no le pongamos el mismo nombre. Pero pese a las advertencias, nosotros continuamos”, explica Marco.

“Y de a poco, Freddy nos fue aceptando”.

Conocidos en aquel inicio como Marqueces de la Alonso, el grupo fundado el 20 de octubre de 1984 llegó a sumar cerca de 50 miembros.

Que mudaron su punto de encuentro del Santa Anita hacia la plaza Alexander, a metros de una comisaría de la Policía Nacional.

“Los policías ya nos conocían, siempre nos recomendaban que no hagamos macanas y que nos vayamos nomás a nuestras casas”, dice el líder de la segunda generación de Marqueces.

Sus principales actividades se repartían entre celebraciones estudiantiles y conciertos de rock.

Muy alejadas de cometidos delincuenciales como muchos pensaban, aclara el presidente del colectivo.

“Nos dedicábamos a ir a fiestas, siempre nos invitaban colegios como el Inglés Católico, Lourdes, Rosa Gattorno. Muchas chicas querían como paje a uno de nosotros”, ríe Marco.

“También asistíamos a conciertos rockeros; estaban de moda grupos como Stratus, Collage, Luz de América, y donde nos encontrábamos con otros grupos”.

“Peleas hemos tenido como todo aquel que vive su adolescencia con mucha pasión”.

Pero no andábamos buscando pleitos, aunque era una época con presencia de muchos grupos juveniles”.

El paso del tiempo

“Los Movack, Los Niños, Los Flash o Los Locos eran algunos de los grupos de esos años”.

Era como una moda y, si bien había ciertas rencillas por el tema de territorio, estaban muy lejos de dedicarse a la delincuencia”.

“Pasaron los años, muchos han estudiado y formaron sus hogares”, cuenta Víctor “Ducky” Durán, también miembro de la agrupación y de su directorio.

“Hoy nos vemos con algunos miembros de los otros grupos y nos saludamos de manera muy cordial, los años han pasado y hemos crecido”, añade “Ducky”.

Ese paso del tiempo del que habla refiere a la postura que de a poco fue asumiendo la agrupación rebautizada como Familia Marqueces el 20 de octubre de 1995.

Pues varios de los Marqueces de la Alonso se casaron con algunas de sus integrantes, tuvieron hijos, algunos nietos, y las cosas fueron cambiando con ese pasar de años.

“Las mujeres fueron incluidas en el grupo de una manera más formal, ya no éramos solo hombres en busca de fiestas y conciertos”, dice “Ducky”.

“Y como sucede con todas las familias, empezamos a reunirnos para celebrar cumpleaños, matrimonios, bautizos”.

“También fuimos sumando un sinfín de actividades como encuentros deportivos, visitas a la virgencita de Copacabana, que es nuestra patrona”.

“Labores de beneficencia y hasta misas de salud, que se han intensificado con la pandemia por el coronavirus”, explica Marco.

Esta gran familia es muy devota. Además de oficializar sus peregrinaciones por Semana Santa a Copacabana de manera anual.

Sus miembros también han institucionalizado un preste que se realiza cada 20 de octubre, desde hace 20 años.

En honor a su figura reconocida como “Patrona de los Marqueces”.

Este papel de promotores de tareas cívicas también definió que, a fines de 2019, previo a la pandemia.

El grupo decidiría crear su directiva en elecciones democráticas para varias carteras, con el objetivo de clarificar sus tareas.

Las actividades más importantes tienen que ver con sus labores sociales y de beneficencia, como la realización de “chocolatadas” para niños de la calle en fechas como el Día del Niño o Navidad, entre otras.

“Es increíble cómo un chiquito puede sonreír con un regalo y un buen desayuno, para mí, esas actividades de fin de año son las que más gratitud me traen”, dice “Ducky”, emocionado.

Marco acota: “En cuanto a nuestras obras sociales, solemos hacer colectas para ayudar a muchos de nuestros miembros en estado de necesidad o también a gente ajena al grupo que ha sufrido alguna desgracia”.

Otra de estas actividades refiere a las disciplinas deportivas.

El grupo cuenta con dos equipos de fútbol en competición, uno de ellos representado por los hijos de la Familia Marqueces en el campeonato de la liga Obrajes.

Y otro formado por los miembros cincuentones en el campeonato que se juega en Km 7 con los colores rojo y negro.

“El equipo lo integran amigos que no necesariamente pertenecen a la familia, no somos un grupo cerrado y aquel que quiera jugar en nuestro equipo tiene las puertas abiertas”.

“Pero tiene que jugar bien”, ríe y explica Marco, sobre el cuadro que en principio se llamaba Alonso de Mendoza.

Asimismo, la agrupación también empezó a heredar parte del patrimonio de los motoqueros iniciales al frente de Freddy Márquez.

La idea es levantar un museo —ya cuentan con un terreno en Achocalla— que reconstruya el pasado motoquero y su perfil actual.

Entre esas prendas, figura una bandera de franjas roja-blanca-negra con una Cruz de Hierro. Entonces, la pregunta es inevitable: ¿Alguna ideología extrema dentro de la Familia?

“Nosotros no tenemos ninguna ideología ni militancia política. Sabemos muy bien lo que representaba la simbología con tendencia de derecha entre los primeros Marqueces.

Pero nosotros queremos descartar cualquier acercamiento. Por mayoría, hemos decidido que no tenemos nada que ver con nacionalismos ni neonazismos.

En nuestra familia hay gente de derecha, de izquierda; somos libres en nuestras decisiones y no mezclamos las cosas.

La Cruz de Hierro nos identifica en cuanto a la simpatía que siempre nos generaron Los Marqueces y que siempre nos ha unido”, dice rotundo el presidente Marco Rodríguez. 

La Familia Marqueces planea tramitar su personería jurídica e invita a los interesados a visitar su página por si quisieran integrarse.

Recién festejaron su preste anual y aún los aguardan las fiestas de fin de año para cerrar una gestión de actividades cívicas y solidarias.

Actos que los alejan por completo de aquel rugir de motores que causaban espanto.

Fotos: Familia Marqueces

Mi compromiso con la música fue de muy pequeño, en un hogar donde siempre estuvo presente. A los siete años me regalaron mi primera guitarra y desde ese momento comencé a desarrollar el camino por el cual sigo transitando. Ya a mis 13 años de edad vivía de la música, cantando en peñas y otros eventos, asumiendo que hacer música iba a ser el arte que me acompañaría toda la vida”. Carlos Germán Sbarbati, alias el Cóndor, resume en una frase su compromiso con el oficio sonoro. Nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1971, desde muy pequeño ya mostraba sus dotes de intérprete y compositor. A los 14 ingresó a un coro, comenzando a cantar en el género lírico; posteriormente inició su carrera artística junto a su compañero de ruta Daniel Suárez, hacia 1988, en una agrupación llamada Resortes Antagónicos, en la que tocaba el bajo y también hacía la segunda voz. Luego recibió la noticia de su ingreso a los afamados Bersuit Vergarabat en 1997, junto con Suárez tras la salida de Rubén Sadrinas, también cantante, corista y frontman del grupo. Y ya reafirmado en la banda, desde los años 1998 a 2009 fue el corista de la numerosa cuadrilla que impuso hits como Yo tomo, El tiempo no para y Sr. Cobranza, hasta que se dio el alejamiento del líder de la agrupación, Gustavo Cordera, quien iniciaba su carrera solista y fuera reemplazado por Sbarbati.

Este Cóndor de vuelo amplificado llega en los próximos días a Bolivia para presentarse en las ciudades de La Paz y El Alto con un disco independiente de corte folklórico denominado Rabia al silencio, el cual representa un homenaje a Atahualpa Yupanqui, nombre artístico de Héctor Roberto Chavero, aquel cantautor, guitarrista, poeta y escritor argentino, considerado como el músico más importante de la historia del folklore de su país.

—¿Así que nacido para la música?

—Mi primera influencia fue mi padre, que a pesar de no ser músico era un melómano que nos hacía escuchar a muchos artistas de géneros variados que después me influenciaron artísticamente. Entre ellos puedo nombrar a Atahualpa Yupanqui, Los Tucu Tucu, Mercedes Sosa, Los Carabajal y hasta Goyeneche y Julio Sosa, para nombrar a algunos.

—¿Por qué folklore?

—Porque fue con el primer género musical que conecté en mi vida. Ya dije anteriormente lo que se escuchaba en mi casa y luego al momento de agarrar una guitarra, las canciones que yo sabía eran de folklore. Y cuando me lancé a escribir fue todo folklore. Luego, mi carrera tomó otros rumbos (los cuales también me hacen ser quien soy y lo agradezco), pero siempre tuve la intención de poder hacer un disco de ese género y por fin se dio la oportunidad.

—Yupanqui parece ser la luz a seguir…

—Es uno de mis grandes referentes, y de quien, con respeto y admiración, reversiono uno de sus clásicos Le tengo rabia al silencio, el cual le da nombre a este nuevo disco y que promete ser una de las perlas del álbum. Este trabajo propone un viaje que comienza con alegría y baile hasta la introspección de lo más profundo del ser. El disco tiene 10 canciones, propias, inéditas y clásicos del folklore argentino; cuenta con la participación de invitados como Nahuel Pennisi, Peteco Carabajal, Sebastián López (del grupo Tekis) y Los hermanos Núñez, entre otros.

De historieta

En la escuela, el pequeño Carlos llevaba consigo la historieta chilena Condorito para leerla durante los recreos. Fue a partir de ello que lo empezaron a conocer como el Condorito; cuando pasó a la secundaria y ya adolescente, sus compañeros lo rebautizaron como Cóndor, apodo con el cual se lo reconoce hasta hoy. Su gran momento le llegó cuando ingresó a Bersuit Vergarabat en 1997, con los que ha participado en la grabación de 10 trabajos discográficos además de colaborar con otros artistas del ambiente porteño.

—Reemplazar a Cordera ¿fue todo un desafío?

—Por supuesto que fue todo un desafío, no muchos grupos sobreviven a algo así, pero Bersuit siempre fue una banda sólida más allá de sus integrantes, con mucha trayectoria y canciones que son mucho más importantes que quienes integramos el grupo. Por eso entendimos, a pesar del alejamiento de Gustavo, que el público tenía que seguir disfrutando de Bersuit y nosotros de ellos.

—¿Cómo ves el ambiente musical argentino en la actualidad? (De artistas salidos de un conservatorio se pasó a generar estrellas de villa).

—En primer lugar, considero que no hace falta ir a un conservatorio para ser un gran artista, aunque siempre es bueno formarse en caso de tener la oportunidad. Dicho esto, con respecto al nuevo ambiente musical argentino, siempre que la música se renueve es como una bocanada de aire puro. Sea cual sea el género. Incluso las mezclas actuales son totalmente novedosas y a mí me resultan muy atractivas. Entiendo la resistencia de quienes están acostumbrados a otros formatos, pero la música se actualiza y no solo va tomando otros caminos, sino que se adapta a lo que hoy interpela a la juventud. Como en algún momento el tango y en otro momento el rock, solo para dar algunos ejemplos, fueron una novedad. Hoy lo es el estilo callejero y ojalá tenga la fortaleza para perdurar en el tiempo.

—¿Haces política con tu propuesta?

—Con la música en general hago política, cuento historias, momentos vividos, anécdotas, etc. Y mi proyecto personal no escapa a ninguna de esas aristas porque es la vida misma. Lo que nos pasa, lo que nos atraviesa, lo que compartimos y con lo que empatizamos.

En el camino

El año 2009 Bersuit Vergarabat se desintegró y Sbarbati, junto a Suárez en voces, Oscar Righi en la guitarra y Pepe Céspedes en el bajo, formaron el grupo De Bueyes, con los que ha editado un solo material de estudio, el cual titula Más que una yunta. Hasta que dio vida a sus composiciones en modo solista.

—¿Por qué elegiste Bolivia para la presentación de tu disco?

—Creo que Bolivia es un lugar con mucha tradición folklórica. Se une en toda nuestra región andina en lo musical. Además, con Bersuit visité varias de sus localidades y quedé encantado con su gente. Por eso creo que mis canciones pueden ser un gran canal para mantener vivo ese vínculo. Tengo las mejores expectativas. Siento que me van a conocer más allá del pijama. Hoy tengo un proyecto personal que me muestra tal cual soy y que creo va a generar un momento para disfrutar, sea en el teatro o en donde los acompañe mi música.

—¿Qué destacas del ambiente musical boliviano?

—En particular conozco a Los Kjarkas y a Los Chaskas, hace bastante tiempo que escuché su música y me gustó mucho. Además, escuché algunas sugerencias que ofrecen las plataformas digitales y seguro este viaje a Bolivia será una buena oportunidad para disfrutar de otros artistas.

—¿El público boliviano tendrá oportunidad de escuchar algo de Bersuit?

—Claro que sí. Mi repertorio es amplio, incluye canciones de mi disco Rabia al silencio, clásicos populares del folklore argentino y hermosas canciones que interpreto hace muchísimos años con Bersuit, que la gente quiere y con las que se emociona.

Alta agenda

El ‘Cóndor’ Sbarbati se presentará en la radio Wayna Tambo de El Alto el miércoles 6 de abril (19.30), junto a la rapera local Nina Uma.

El viernes 8 actuará en el Teatro Nuna de la zona de San Miguel de La Paz a las 19.30.

FOTOS: AGUSTÍN DUSSERRE