La Revista

Tuesday 27 Feb 2024 | Actualizado a 12:12 PM

Los Vengadores: La era de Ultrón

Es una creación robotizada que está muy cerca de hacerse carne mediante la tecnología de punta y que intenta reconducir el odio de dos hermanos que sufrieron la violencia de la guerra.

/ 24 de mayo de 2015 / 04:02

Que las películas de superhéroes permiten hacer lecturas de sus discursos políticos como réplica de la dominación cultural que intenta consolidar el aparato unificador de la cultura de masas, el que infatigablemente siembra de arquetipos los contenidos de sus productos estrella —las películas—, es una verdad que no puede ser minimizada. Los Vengadores: La era de Ultrón es una clara muestra de esto y en un año en el que se celebran las siete décadas del final de la Segunda Guerra Mundial parece nada inocente la acción libertaria de los superhéroes norteamericanos sobre una pequeña ciudad en Europa del Este, aquella zona que estaba bajo lo que se denominaba la órbita socialista.

Detalles más o menos, los grandes símbolos de la cultura norteamericana retornan a la pantalla grande con todo su aparato de destrucción/salvación de la humanidad. Los Vengadores atraviesan un nuevo problema, aquel que enfrenta sus egos y que por ese motivo deteriora su acción de defensa y combate ante el nuevo enemigo, ahora Ultrón, una invención del propio Tony Stark que luego será dominada por la inteligencia artificial es el nuevo villano.

Es una creación robotizada que está muy cerca de hacerse carne mediante la tecnología de punta y que intenta reconducir el odio de dos hermanos que sufrieron la violencia de la guerra. Esta violencia también estaba firmada por el propio Stark, en una bomba que no estalló durante un ataque que acabó con la vida de sus padres y sembró el más letal odio de esta nueva pareja que conduce la historia desde un principio cuando son capaces de dominar la conciencia de los superhéroes y enfrentarlos a sus más terribles miedos. Estos gemelos representan la nueva generación de Vengadores, y se incorporan a la franquicia con el horizonte de ser nuevas estrellas solitarias y corales de todo lo que estas historietas representan en el cine de hoy.

Final alternativo

Según Marvel Studios, Los vengadores: La era de Ultrón tendrá un final alternativo y escenas extendidas en su versión de Blu-ray y DVD. La duración de esta versión de la película también será mayor, llegando a las tres horas. Esta estrategia comercial le brinda, a la gran audiencia, motivos para adquirir un subproducto más. Esta forma de comercialización fue utilizada por los productores de El señor de los anillos y se volvió común en el mercado encontrar filmes que tengan el famoso “corte del director”.

Elizabeth Olsen

La hermana menor de Mary-Kate y Ashley Olsen, conocidas por la serie de Tv Full House (que volverá en 2016 por Netflix), es una de las actrices jóvenes más importantes de Hollywood. Su participación en Los Vengadores como La Bruja Escarlata fue celebrada por la crítica estadounidense. Ella es una de las promesas de la franquicia que puede convertirse en una de las futuras estrellas del cine de superhéroes. Estará en Capitán América: Guerra Civil (2016), así como lo hiciera en la anterior entrega de este personaje en un cameo.

Danny Elfman

Es posible que lo conozcamos todos sin que lo sepamos. Danny Elfman es un destacado compositor norteamericano que creó, entre otras, el tema inicial de Los Simpson. Sus colaboraciones con Tim Burton son muy destacadas: excepto Ed Wood y Sweney Todd, el resto de la música de las películas del director es de Elfman. Él es uno de los compositores más importantes de los últimos años para la musicalizar cintas sobre superhéroes: Batman (1989), Hulk (2003) y Spiderman (2002), entre otras.

Temas Relacionados

Comparte y opina:

Bolivia, su cine

El crítico e investigador Claudio Sánchez repasa el trabajo fílmico de realizadores nacionales exhibido este año

La cinta ‘Utama’ de Alejandro Loayza

/ 8 de agosto de 2022 / 11:57

Es posible afirmar que el año 2022 para el cine boliviano empezó el sábado 22 de enero, cuando tuvo a lugar el estreno mundial de Utama (Alejandro Loayza) durante el Festival de Sundance que se lleva a cabo en Park City (Utah, Estados Unidos). La película logró hacerse del Gran Premio del Jurado en la sección World Cinema Dramatic, en este que es considerado el festival de cine independiente más importante del mundo. Desde entonces, Utama ha cosechado más de 25 premios en diferentes festivales y en distintas categorías. Con esto el cine boliviano ha ido convocando la atención de propios y extraños ya no solo en el país, sino más allá de nuestras fronteras.

Y de pronto la arbitrariedad del tiempo no permite determinar cuándo termina o acaba un año para con estas cuestiones. Porque Utama no es “una golondrina que hace verano”, sino que forma parte de toda una camada de películas que se insertan en un contexto internacional, posicionando a Bolivia en pantallas donde había estado ausente por largo tiempo. El antecedente mayor de la película de Loayza es, sin lugar a duda, El gran movimiento (2021) de Kiro Russo, que se estrenó en septiembre del año pasado durante la Mostra de Venecia y donde consiguió el Premio Especial del Jurado en la Sección Horizontes.

Ellas dos, que sí son excepcionales por el recorrido internacional que han tenido, el cual les ha permitido tener estrenos comerciales en países de Europa —por ejemplo— y generar interés por parte de otros productores en futuros proyectos, son parte de algo mucho mayor. Se trata del apoyo a la producción audiovisual boliviana por parte del Estado.

En 2019 el Gobierno del Estado Plurinacional de Bolivia, a través del Ministerio de Planificación del Desarrollo, lanzó el Programa Intervenciones Urbanas (PIU) que entregó 9 millones de bolivianos para la producción audiovisual en el país. En esa oportunidad se presentaron 47 proyectos y fueron seleccionados ocho. El fomento que representó esto dio como resultado la finalización de películas en diversos géneros, y permitió que se pudieran beneficiar —en diferentes etapas— las producciones más diversas. Entre ellas, las dos películas ya mencionadas, como también otras producciones que forman parte de una auténtica muestra representativa de las intenciones y preocupaciones de sus realizadores.

Ante la ausencia de fondos económicos para la producción audiovisual, el impacto del PIU representa una de las más importantes decisiones políticas por desarrollar un sector siempre activo y de meritoria existencia, pero muy pocas veces respaldado institucionalmente por el Estado. La demora para con el estreno de estos títulos, muchos de los cuales debieron llegar a las pantallas en 2020, se debe a motivos circunstanciales, y fundamentalmente a lo que significó la pandemia del COVID-19 en el mundo. El resultado de las restricciones que existieron en estos años, sumado a la irresuelta situación de vulnerabilidad todavía existente frente a los contagios de las diversas variantes que prevalecen hasta hoy, han hecho que mucho de este cine sea poco visto y difundido. Toda una contradicción, parte del mejor cine boliviano de los últimos años, ha sido muy poco visto en salas comerciales o de circuito alternativo.


‘El gran movimiento’ (Kiro Russo)

Óperas primas como Cuidando al sol (Catalina Razzini) o Gaspar (Diego Pino), son muestras de un cine de cuestiones más íntimas —como las relaciones familiares— y consiguen posicionarse en un lugar de privilegio dentro de las pequeñas nuevas joyas de nuestro cine. Ambas películas fueron estrenadas comercialmente en los primeros meses del año, pero pasaron inadvertidas en las carteleras locales. 98 Segundos sin sombra, adaptación del libro homónimo de Giovanna Rivero, dirigida por Juan Pablo Richter y estrenada a finales del año pasado, es otra de las películas que contó con el apoyo del PIU, también es —dentro de la filmografía de su director— una obra representativa de un cine que va consolidando su distancia con cierto centralismo andino y urbano.

Mención aparte merece el estreno de Cómo duele ser pueblo de Hugo Roncal (figura central del cine boliviano de los años 60 y 70) la cual pudo ser montada y restaurada para llegar a la pantalla grande 40 años después de su realización. Un ejercicio particular de recuperación de materiales dispersos, y su posterior puesta en valor desde sus registros originales, en una filmación (¿inconclusa?) que aporta a la comprensión de un tiempo como eslabón de los años 80 que empieza a tener en el video su tierra más fértil.

Asimismo subrayar el hecho de que durante el primer semestre del año hubo tres películas de ficción, dirigidas por mujeres,  exhibiéndose simultáneamente. Se trata del largometraje de Razzini, además de La casa del sur de Karina Oroza (aún pendiente su estreno comercial) y Chicas bien de Stephanie del Carpio. Este último caso es también representativo de la buena salud de la cinematografía boliviana, porque en su condición de “independiente” y con características de “cine comercial” logró tener su estreno en las principales salas del país.

Este recuento rápido de películas bolivianas está incompleto, no solo porque hay ciertos títulos que no se consignan en esta reseña, sino también porque el audiovisual nacional ha ido evolucionando y poniéndose a tono con tendencias más actuales, es el caso de la serie documental Noviembre rojo de Verónica Córdova emitida por televisión y puesta a disposición a través de plataformas digitales, por ejemplo, además de todo el cine indígena-campesino que no ha dejado de producirse y reflexionar sobre lo que somos hoy como país desde nuestras propias comunidades.

Comparte y opina:

‘La jugada maestra’

Lo que se pone en evidencia acá es la tensión mundial que se vivía entre 1960 y 1970.

/ 24 de abril de 2016 / 06:30

Una película biográfica propone el retrato de alguien que tuvo alguna importancia en una sociedad o contexto determinado. La cultura popular norteamericana logró —desde el cine— representar a sus propias figuras brindándoles dimensiones de “estrellas”, la ficción entonces recupera de la realidad a ciertas personalidades y logra barnizarlas cubriéndolas de algún brillo cinematográfico (que a esta altura, y con tanta apuesta por las series para pantalla chica parece ser un valor venido a menos).

Edward Zwick dirige La jugada maestra, biopic sobre el ajedrecista norteamericano Bobby Fischer (1943-2008), y centra su historia en el denominado “match del siglo” que enfrentará a esta joven revelación del ajedrez mundial con una de las figuras soviéticas más importantes, se trata del encuentro contra Boris Spassky en Islandia (1972).

Lo que se pone en evidencia acá es la tensión mundial que se vivía entre 1960 y 1970, hablamos de la Guerra Fría y de un frente en el que no se había pensado luchar: el ajedrez. Como niño prodigio en Brooklyn, el ascenso en la carrera de Fischer está sembrado de hitos históricos, de ser siempre el primero, pero además (y esto lo presenta el filme de manera correcta) la relación con su madre y lo que puede ser “su familia”, que marca a fuego la vida misma del jugador.

Lo que se muestra como una película sobre el ajedrez termina también como un ensayo psicológico sobre un personaje alterado, esta intención consciente de mostrar la paranoia que va desarrollando Fischer en los momentos de mayor tensión incluso evidencian un divorcio consciente del personaje con toda la política nacional de su país. Hay cierta formalidad estética en la cinta que permite comprender, sin mucho truco, la angustia y el deterioro mental del gran campeón. Esto propicia una pieza sólida sobre un hombre, pero también sobre una época.

Temas Relacionados

Comparte y opina:

‘La jugada maestra’

Lo que se pone en evidencia acá es la tensión mundial que se vivía entre 1960 y 1970.

/ 24 de abril de 2016 / 06:30

Una película biográfica propone el retrato de alguien que tuvo alguna importancia en una sociedad o contexto determinado. La cultura popular norteamericana logró —desde el cine— representar a sus propias figuras brindándoles dimensiones de “estrellas”, la ficción entonces recupera de la realidad a ciertas personalidades y logra barnizarlas cubriéndolas de algún brillo cinematográfico (que a esta altura, y con tanta apuesta por las series para pantalla chica parece ser un valor venido a menos).

Edward Zwick dirige La jugada maestra, biopic sobre el ajedrecista norteamericano Bobby Fischer (1943-2008), y centra su historia en el denominado “match del siglo” que enfrentará a esta joven revelación del ajedrez mundial con una de las figuras soviéticas más importantes, se trata del encuentro contra Boris Spassky en Islandia (1972).

Lo que se pone en evidencia acá es la tensión mundial que se vivía entre 1960 y 1970, hablamos de la Guerra Fría y de un frente en el que no se había pensado luchar: el ajedrez. Como niño prodigio en Brooklyn, el ascenso en la carrera de Fischer está sembrado de hitos históricos, de ser siempre el primero, pero además (y esto lo presenta el filme de manera correcta) la relación con su madre y lo que puede ser “su familia”, que marca a fuego la vida misma del jugador.

Lo que se muestra como una película sobre el ajedrez termina también como un ensayo psicológico sobre un personaje alterado, esta intención consciente de mostrar la paranoia que va desarrollando Fischer en los momentos de mayor tensión incluso evidencian un divorcio consciente del personaje con toda la política nacional de su país. Hay cierta formalidad estética en la cinta que permite comprender, sin mucho truco, la angustia y el deterioro mental del gran campeón. Esto propicia una pieza sólida sobre un hombre, pero también sobre una época.

Temas Relacionados

Comparte y opina:

Carga Sellada, los años pasados

/ 13 de marzo de 2016 / 04:00

En los últimos diez años Bolivia ha experimentado grandes —y complejos— cambios estructurales en lo social, lo político y sobre todo, en lo económico. Esto se hace más evidente cuando uno ve una película pensada y realizada hace más de una década. Ciertas idealizaciones concretas sobre sujetos sociales: la comunidad, y una puesta en escena de la dicotomía bien vs. mal con un sentido maniqueo tal vez podrían entorpecer el relato, pero es necesario ser consciente desde dónde, en el espacio y el tiempo, se nos está contando esta historia.

Carga sellada de Julia Vargas Weise es una ficción basada en hechos reales sucedidos en el país en 1995 (por este dato tampoco es correcto hacer una abstracción del momento donde se suceden las acciones) en pleno auge del sistema neoliberal cuando el país se lo había rifado a intereses extranjeros —eran los años de la capitalización— cuando la soberanía nacional era violada continuamente, con permiso de las autoridades locales, por los extranjeros.

Y así empieza la película, con la orden superior a un capitán de la Policía para que se haga cargo del traslado de una supuesta carga de materiales tóxicos.
El capitán Mariscal tiene una nueva misión antes de ser enviado a cumplir funciones para la Policía Nacional en Washington. No hay mucho azar en el guion, que escrito por Juan Claudio Lechín destila algo de nostalgia por las glorias sindicales de la COB en diálogos que así lo recuerdan. Por eso mismo es sugerente la figura del maquinista anarquista interpretado por Luis Bredow, quien no se somete a las órdenes de un policía pero parece estar al servicio de su vieja locomotora. Bredow alcanza uno de sus mejores, o quizás el mejor, de sus papeles en el cine con este largometraje.

La reducida tropa que se hace responsable del cargamento, en la misión secreta, demuestra las fisuras al interior de la propia institución policial, y cual Poncio Pilatos los superiores se desentienden —desde La Paz y por teléfono— de sus subordinados y de todo lo relacionado con este tren fantasma que no tiene rumbo en la altipampa boliviana. Al enfrentar a la población que se encuentra en alerta empiezan las contradicciones fundamentales y la revelación de los personajes, permitiendo el desarrollo de éstos, consintiendo así hacer más compleja la trama. Pero una vez más tropezamos con la distancia en el tiempo de cuando fue pensada y realizada la película. Estos tópicos sociales a los que hace alusión el relato parecen estar alejados de cómo entendemos hoy la sociedad boliviana. El origen de los personajes, su ascendencia aymara chola, encubierta por el temor, parece ser ahora una cuestión diferente también en relación con las conquistas del poder económico de la burguesía aymara en el occidente boliviano. Por este mismo motivo, Carga sellada se convierte en un estimulante ejercicio de comparación y análisis de una época con otra.

La película condensa una época y suma referencias a nuestra cinematografía nacional. La chola, en Carga sellada, es la madre pero también es el pecado. Es mujer más allá de su vestimenta o su definición socioeconómica, pero es una mujer formada por el machismo. Es decir, no se convierte en protagonista por ser diferente a las otras mujeres, sino por ser la mujer que uno conoce, la que cuida, acompaña, la que se vuelve redentora luego del pecado. La escena que alude a la Pietá de Miguel Ángel merece un estudio mayor, tras su tono erótico se esconde el sentido mismo de la película, la composición de su imagen y la acción que sucede parece una declaración manifiesta del retorno a la madre, de la vuelta a su origen luego de la tempestad. El capitán Mariscal se entrega a los brazos de una chola que está escapando de su pueblo, que lleva el nombre de una guerrillera y que en verdad parece tener más miedos que certezas. Daniela Lema en el papel de Tania brilla con luz propia, se adueña del papel, demuestra ser una actriz con un futuro prometedor.

Se agradece el humor, en medio de todo el drama que representa estar sin rumbo en el del altiplano con un cargamento de “tierras tóxicas” buscando ramales férreos para poder cumplir la orden, es en el humor donde se aviva la historia, donde el relato se aleja de ciertos diálogos acartonados salvados por buenas interpretaciones de un elenco de lujo.

Comparte y opina:

Carga Sellada, los años pasados

/ 13 de marzo de 2016 / 04:00

En los últimos diez años Bolivia ha experimentado grandes —y complejos— cambios estructurales en lo social, lo político y sobre todo, en lo económico. Esto se hace más evidente cuando uno ve una película pensada y realizada hace más de una década. Ciertas idealizaciones concretas sobre sujetos sociales: la comunidad, y una puesta en escena de la dicotomía bien vs. mal con un sentido maniqueo tal vez podrían entorpecer el relato, pero es necesario ser consciente desde dónde, en el espacio y el tiempo, se nos está contando esta historia.

Carga sellada de Julia Vargas Weise es una ficción basada en hechos reales sucedidos en el país en 1995 (por este dato tampoco es correcto hacer una abstracción del momento donde se suceden las acciones) en pleno auge del sistema neoliberal cuando el país se lo había rifado a intereses extranjeros —eran los años de la capitalización— cuando la soberanía nacional era violada continuamente, con permiso de las autoridades locales, por los extranjeros.

Y así empieza la película, con la orden superior a un capitán de la Policía para que se haga cargo del traslado de una supuesta carga de materiales tóxicos.
El capitán Mariscal tiene una nueva misión antes de ser enviado a cumplir funciones para la Policía Nacional en Washington. No hay mucho azar en el guion, que escrito por Juan Claudio Lechín destila algo de nostalgia por las glorias sindicales de la COB en diálogos que así lo recuerdan. Por eso mismo es sugerente la figura del maquinista anarquista interpretado por Luis Bredow, quien no se somete a las órdenes de un policía pero parece estar al servicio de su vieja locomotora. Bredow alcanza uno de sus mejores, o quizás el mejor, de sus papeles en el cine con este largometraje.

La reducida tropa que se hace responsable del cargamento, en la misión secreta, demuestra las fisuras al interior de la propia institución policial, y cual Poncio Pilatos los superiores se desentienden —desde La Paz y por teléfono— de sus subordinados y de todo lo relacionado con este tren fantasma que no tiene rumbo en la altipampa boliviana. Al enfrentar a la población que se encuentra en alerta empiezan las contradicciones fundamentales y la revelación de los personajes, permitiendo el desarrollo de éstos, consintiendo así hacer más compleja la trama. Pero una vez más tropezamos con la distancia en el tiempo de cuando fue pensada y realizada la película. Estos tópicos sociales a los que hace alusión el relato parecen estar alejados de cómo entendemos hoy la sociedad boliviana. El origen de los personajes, su ascendencia aymara chola, encubierta por el temor, parece ser ahora una cuestión diferente también en relación con las conquistas del poder económico de la burguesía aymara en el occidente boliviano. Por este mismo motivo, Carga sellada se convierte en un estimulante ejercicio de comparación y análisis de una época con otra.

La película condensa una época y suma referencias a nuestra cinematografía nacional. La chola, en Carga sellada, es la madre pero también es el pecado. Es mujer más allá de su vestimenta o su definición socioeconómica, pero es una mujer formada por el machismo. Es decir, no se convierte en protagonista por ser diferente a las otras mujeres, sino por ser la mujer que uno conoce, la que cuida, acompaña, la que se vuelve redentora luego del pecado. La escena que alude a la Pietá de Miguel Ángel merece un estudio mayor, tras su tono erótico se esconde el sentido mismo de la película, la composición de su imagen y la acción que sucede parece una declaración manifiesta del retorno a la madre, de la vuelta a su origen luego de la tempestad. El capitán Mariscal se entrega a los brazos de una chola que está escapando de su pueblo, que lleva el nombre de una guerrillera y que en verdad parece tener más miedos que certezas. Daniela Lema en el papel de Tania brilla con luz propia, se adueña del papel, demuestra ser una actriz con un futuro prometedor.

Se agradece el humor, en medio de todo el drama que representa estar sin rumbo en el del altiplano con un cargamento de “tierras tóxicas” buscando ramales férreos para poder cumplir la orden, es en el humor donde se aviva la historia, donde el relato se aleja de ciertos diálogos acartonados salvados por buenas interpretaciones de un elenco de lujo.

Comparte y opina:

Últimas Noticias