Desde que en 1995 se proclamara en la Conferencia General de la UNESCO el 23 de abril como el Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor para celebrar y promover la lectura, muchos países se han unido, a su manera, a esta fiesta de los libros. En el mundo hispano en particular esta fecha es especialmente importante porque se conmemora el entierro de Miguel de Cervantes Saavedra, autor de la obra cúspide de la literatura en español.

La Real Academia Española, por ejemplo, celebra en su sede institucional la Semana Cervantina con actividades culturales abiertas al público y organiza todos los años las honras fúnebres al autor del Quijote en el Convento de las Trinitarias de Madrid. También en esta fecha se entrega el Premio de Literatura en Lengua Castellana “Miguel de Cervantes” que es considerado el máximo galardón a la actividad creadora de autores españoles e hispanoamericanos; este año el escritor español Luis Mateo Díez ha sido merecedor de dicho reconocimiento.

De la misma manera, en América, las Academias organizan celebraciones similares en sus sedes con eventos que solo acrecientan el festejo universal de las letras hispanas. Nuestro país no es la excepción; su Academia, la Academia Boliviana de la Lengua (ABL), organizó el miércoles 24 de abril en el salón de actos del Centro Cultural de España en La Paz un evento en el que presentó su Anuario Nº 32 y dio un reconocimiento a la estudiosa Ximena Soruco Sologuren por su labor filológica. La celebración estuvo dirigida por la directora de la institución, España Villegas Pinto, y los académicos Hugo César Boero Kavlin y Juan Marcelo Columba Fernández; este último dio un discurso titulado Sobre algunos proyectos editoriales contemporáneos de Bolivia, que fue preparado para la ocasión.

El Anuario de la ABL se viene publicando desde 1985. Empezó bajo el nombre de Anales de la Academia Boliviana de la Lengua hasta su número 23 en 2008 y desde entonces se imprime como el Anuario de la Academia Boliviana de la Lengua. El número que se entregó la semana pasada sigue cumpliendo, como dice en su presentación, “las funciones conmemorativas mencionadas para el Día del idioma [y] las finalidades prácticas de materializar las metas de la misión institucional de la Academia”; en él se publican diferentes estudios e investigaciones sobre asuntos filológicos, lingüísticos y literarios en Bolivia. El reciente número incluye, además, los discursos de ingreso de sus más flamantes miembros (Juan Marcelo Columba Fernández, Diego Valverde Villena y Hugo José Suárez), homenajes póstumos y en vida a personajes de las letras nacionales y cuatro evocaciones in memoriam a Gaby Vallejo Canedo, quien falleció el 20 de enero de este año.

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El motivo del reconocimiento que se otorgó a Ximena Soruco fue su obra de edición e investigación Carlos Medinaceli. Ensayos reunidos (1915-1930), publicada en 2022 por el Instituto de Investigaciones Literarias, la Carrera de Literatura de la UMSA y Plural editores. Con este galardón la ABL quiso, por un lado, evocar el trabajo literario de Medinaceli y, por otro, distinguir la labor de Soruco respecto al autor y su obra. Carlos Medinaceli. Ensayos reunidos (1915-1930) es el primer libro de una colección de cinco volúmenes donde la investigadora reúne toda la obra del autor de La Chaskañawi, novela que se editará como último volumen de la colección. En el primer y el segundo libro (ambos publicados) se reúnen los ensayos en los que Medinaceli analiza y comenta obras de literatura nacional y extranjera. El discurso de reconocimiento escrito por los académicos Tatiana Alvarado Teodorika, Hugo Boero Kavlin y Alba María Paz Soldán Unzueta, señala que “más allá del aporte que representa para las letras bolivianas, su mejor conocimiento y su divulgación, esta obra es una prueba de la construcción intelectual más allá de las fronteras” y en él se agradece a Ximena Soruco por haber iniciado esta labor de investigación y compilación. “La felicitamos por el rigor con el que está llevando a cabo este trabajo, hacemos público nuestro reconocimiento y compartimos nuestro sincero deseo de que todos los volúmenes salgan pronto a la luz”, concluyen los académicos.

Tanto en nuestro país como en el resto del continente, de este y del otro lado del Atlántico, el reconocimiento a los escritores en lengua española es una forma común de expresar el amor a la literatura. En el mes de abril se elogian los libros y la lengua; y todas las personas e instituciones que aprecian el español se suman a este festejo para distinguir a los escritores que nos deleitan con su prosa o sus versos y para recordarnos que las letras hispanas, y las letras las bolivianas, son motivo de orgullo.

Texto: Bruce Aramayo

Fotos: Bruce Aramayo y Archivo ABL

Manuel Mon roy Chazarreta celebrará casi medio siglo desde la primera canción compuesta y esto amerita una entrevista. Siempre dispuesto, encontramos al Papirri yendo a visitar al cuñado de su esposa que había sufrido un accidente, así que nos atendió rumbo hacia una clínica en Cochabamba.

— Decir ’45 años de Canciones’ puede sonar fácil, ¿Qué altibajos has tenido en tu carrera?

— Suelo decir que esta carrera como compositor de canciones y también de música instrumental no es de altibajos, es una carrera de obstáculos, y se necesita una gran dosis de “autismo”, porque no solamente es soledad, sino es rigor con uno mismo. Yo he debido botar unas 100 canciones, no sé cuántas son las que tengo. Ese es un error que vamos ir subsanando con un grupo de amigos y amigas que se han interesado en saber aquello y en ordenar este tremendo desorden.

Este grupo de amigos, encabezados por el músico Mauricio Segales, un talentoso guitarrista, compositor, productor, está interesado en encontrar canciones olvidades por esa rigurosidad. 

Entonces, altibajos es una palabra pequeña porque es una carrera de obstáculos y estoy sintiendo un obstáculo en este penúltimo concierto en el Nuna y en el último concierto en el Municipal de La Paz en octubre. ¿En qué términos de último? No quiero decir último, sino que voy a parar un par de años por temas de salud, aunque el próximo año pretendo grabar un disco, porque aún sigo creyendo en los discos.

— Aparte de tu abuelo y tu madre, ¿hay otras personas que consideres pilares fundamentales en tu vida musical?

— Mi abuelo Andrés Chazarreta fue una gran inspiración para mí. Cuando visitaba su casa, su museo, lo sentía como si fuera un templo. Aunque en realidad eran solo dos habitaciones llenas de música, partituras, discos y personas que visitaban esas dos habitaciones. Lamentablemente no tuve la oportunidad de conocerlo, ya que falleció en abril y yo nací en septiembre. Sin embargo, su legado ha sido una fuente constante de inspiración en mi vida.

Pero también tengo otro abuelo. Por eso, en mi último disco 60 A, compuse una canción titulada El olvidado, en honor a mi abuelo paterno. Con el paso del tiempo mi familia ha disminuido, perdimos a primos fundamentales como Enrique Rocha Monroy, y otros primos en Argentina. Reconstruir la historia de mi abuelo Manuel Monroy ha sido un desafío.

Ahora siempre trato de hablar de ambos abuelos por igual. Uno fue Chazarreta, una figura emblemática en la memoria argentina, y el otro, Monroy, tuvo una vida de obrero, maquinista ferroviario, de donde proviene mi padre, Germán Monroy Bloch, quien fue un revolucionario y me inculcó ideales de justicia social.

García Márquez hizo decir a Bolívar en su libro El general en su laberinto que creer en la integración del continente es una ilusión. Sin embargo, han pasado 200 años y aún hay quienes creemos en esa integración y luchamos por ella, sin ser solo izquierdistas de salón.

En todo caso, estoy terminando una cueca para el bicentenario donde describo mi visión de la Patria, que está en la Patria anticolonial, en una Patria digna y compartida, sin racismo.

La influencia de Chazarreta fue significativa, ya que mi madre me transmitió tanto sus zambas y chacareras como la música clásica en guitarra. Ambas vertientes musicales están presentes en mí, y eso es lo que defino como mi “chenco total”.

— ¿Alguna vez pensaste que Hoy es domingo y Historia de Maribel se convertirían en canciones emblemáticas para visibilizar la lucha de las mujeres?

— Bueno, no sé si son emblemas, pero ojalá. Es bonita, esa palabra. “Emblema”. Pero digamos que sí, la primera, Hoy es domingo, plantearla en el año 79, donde primero la empleada doméstica era semiesclava y segundo, era aymara fue muy complicado. Recuerdo que escuchaba con la Hilariashón (refiriéndose a Hilaria Chami) las radios aymaras paceñas, tan entrañables. No entendía nada, porque bueno, el aymara es complicado. Ahora entiendo un poco más, pero sentía esas moseñadas dentro de mi alma y eso es lo que más me ha marcado. Y sí, en esas circunstancias, salió Hoy es domingo.

Historia de Maribel fue posterior, ya en el año 89 o 90. Fue una reivindicación hablar del tema de la igualdad de género y del ‘sordo del alma’ en una canción. Pero como te digo, como soy un poco autista, entonces yo le seguí ‘cascando’ nomás al asunto. Cuando salieron ambas canciones las críticas fueron duras en el entorno artístico e intelectual paceño. Muchos me creían un impostor y otros decían “Ay, ¡qué te crees vos!, ¿no eres sordo del alma?” La verdad es que considero que la canción Historia de Maribel también es una autocrítica. No es que juzgue a nadie. Así que estas dos canciones estarán en el concierto del Teatro Nuna porque son muy importantes en estos 45 años.

— Has compuesto Metafísica Popular, Zamba para Anita, Hay que tomar partido y El trencito, además interpretas a Piazzola, canciones muy diferentes entre sí. ¿Podría haber varios ‘Papirris’ componiendo?

— Bueno, es que no son varios Papirris. Yo lo veo más como Manuel Monroy Chazarreta, primero, después el Papirri y hay un niño exigente al que yo le puse Manuelito Cock, que es el estudioso, el obsesivo, el que estudió la guitarra clásica desde sus siete años, es un “hinchapelotas” en ese sentido.

Y pues sí, se reparten varias canciones entre ellos, por ejemplo, Zamba Geisha yo la considero más una obra musical del Manuelito Cock, mientras que el Papirri está más en la Metafísica Popular, La Huacataya, Qué tal metal, y está el Manuel Monroy Chazarreta que reflexiona sobre la Historia de Maribel, La Cabeza de Zepita y Chenko total, cosas más sofisticadas en textos con bastante compromiso, si tú quieres.

— ¿Qué canciones interpretarás el 9 y 10 de mayo en Teatro Nuna?

— Como te mencionaba, Manuelito Cock está presente, el niño de siete años sigue con nosotros. Está decidiendo con cuál de las tres guitarras va a tocar. Es bastante exigente y últimamente está un poco descontento porque siente que la banda está opacando demasiado su guitarra. Este niño está participando activamente en la organización de lo que ahora llamamos el setlist, que es el programa de los conciertos. Siempre resulta un problema armarlo, ya que cada concierto es diferente. El anterior fue en una especie de café concert, mientras que ahora es en un teatro. Antes de los conciertos yo probaba las canciones en los bares, en boliches en noches hermosas en el Ave Sol, el Inca, el Quirquincho, lugares históricos.

Mis amigos en ese entonces eran Jacha Flores y Víctor Hugo Vizcarra. Por ejemplo, estrené Chenco total en un bar llamado el Inca, en un callejón bastante denso, subiendo por Alonso de Mendoza.

Recuerdo estar sobre una mesa cantando Chenko total a las 7.00, ya que el Inca abría a las 5.00. En la puerta estaba Cartílago, un joven que, aunque creo que era de mi edad, parecía no tener edad. Él era quien decidía si dejaba entrar o no a la gente al bar. En alguna ocasión fui con algunos compositores y no los dejaron entrar, pero a mí sí porque iba con Víctor Hugo o con el Jacha. «¿Este ‘culito blanco’ qué está haciendo aquí?», decían adentro, porque la atmósfera allí dentro era densa. Fue allí donde estrenaba mis canciones.

Ahora, esa experiencia ya no la tengo, así que las canciones tardan mucho en consolidarse. Sin embargo, se van conceptualizando nuevas canciones que aún no han sido grabadas. Entre ellas están Décima vez, Chabelita (en homenaje a Isabelita Viscarra), Te vas (dedicada a José Alfredo Jiménez) y también un taquibosa, un género que inventé que combina el taquirari y la bossa. La canción que vamos a tocar está dedicada a Fernando Jiménez, padre de Kicho, uno de mis músicos que toca la zampoña y el bajo. Estamos hablando de al menos 14 canciones más que deben incluirse, los conciertos siempre parecen cortos.

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Lo que sí está confirmado es la presencia de Vero Pérez, una gran cantante con la que nos une una gran amistad con Amaru Villanueva, quien fue un amigo nuestro. Vero interpretará Migración y Ego, dos canciones que compuse para mi disco Helado propicio y que Efecto Mandarina ha interpretado en algunos de mis conciertos.

También estará Tere Morales, a quien aprecio mucho. Ha pasado mucho tiempo desde que tocamos juntos, así que estoy emocionado de tenerla también. Vamos a interpretar Ingratitud y esperamos montar Chenco total, si es posible. La letra es complicada para mí, pero tengo la intención de hacerlo. Luego vendrán Hoy es domingo y Hasta ahorita.

– Tras esta gira de conciertos por tus 45 años de canciones, ¿podemos esperar más recitales de Papirri en este año?

— Esto de los 45 años de canciones empezó en Alasita con un concierto en el Thelonious, después pasamos a Oruro; no tocaba allí desde hace seis años. Fue muy interesante tocar en un teatro nuevo, el Centro Cultural Llajtaimanta. El concierto en Cochabamba en el Mesón del Cantor fue muy hermoso, el público fue realmente espectacular y respetuoso, hasta pudimos tocar cosas raras como Zamba geisha y Achocalla.

Estoy acompañado por Luis García en el piano, quien le ha dado un toque muy interesante a la banda. También está Kicho Jiménez en la zampoña, Mauricio Segales ha estado tocando el bajo durante todo este tiempo, en la batería está Mauricio Cardona, que es un baterista cochabambino.

En invierno voy a parar porque no me da el cuerpo, aunque me están llamando mucho de La Paz, pero me cuesta mucho el invierno. Estoy teniendo problemas en el pulmón derecho, que son secuelas del COVID. ¿Sabes? Me está costando y todo ese pulmón está trabajando a la mitad de lo que debería, pero bueno, son cosas de la pandemia.

Por otro lado, mi brazo izquierdo también me está molestando. Me recuerda mucho a mi madre, que terminó con el brazo izquierdo paralizado, pero por otra razón. Lo mío es debido al trabajo. En realidad, llevo 45 años como compositor de canciones y de música, pero como guitarrista son 55. Soy un guitarrista tan hereje que toco la guitarra en posición clásica, luego me levanto, luego salto tocando la Metafísica popular. Todos esos cambios de posición, según un amigo que me ayuda con la fisioterapia, me han estado desgastando mucho el brazo izquierdo y las articulaciones.

Así que invito al público de La Paz a ir al Teatro Nuna los días 9 y 10 de mayo y el 18 y 19 de octubre al Teatro Municipal de La Paz. Específicamente a los paceños, les digo que vengan al Nuna y al Municipal, porque no sé cuándo volveré al escenario. Quiero recuperarme bien de este brazo que crónicamente me ha estado molestando, así como de tantos achaques, porque le he dado duro también. Confieso que he vivido, confieso que he bebido, confieso que le he dado duro.

Lo dijo El Papirri

La verdad es que considero que la canción ‘Historia de Maribel’ también es una autocrítica. No es que juzgue a nadie.

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Antes de los conciertos yo probaba las canciones en los bares, en los boliches en noches hermosas en el Ave Sol, el Inca, el Quirquincho, lugares históricos.

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No sé cuándo volveré al escenario. Quiero recuperarme bien de este brazo que crónicamente me ha estado molestando

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Confieso que he vivido, confieso que he bebido, confieso que le he dado duro.

Texto: Oscar Capriles

Fotos: Archivo La Razón

Entre 1906 y 1915, la reservada y misteriosa artista sueca Hilma af Klint había pintado cerca de 200 cuadros —audaces y abstractos— como parte de una colección privada, prácticamente sin registro de que alguien haya visto o discutido el trabajo. No fue sino hasta 20 años después de su muerte que estas obras vieron la luz, de acuerdo a la petición realizada en su testamento, ya que consideraba que aquel momento el mundo no estaba listo para su arte. En 2018, su primera muestra individual batió récords en el Museo Guggenheim de Nueva York con 600.000 visitantes.

Cuando el heredero —el sobrino Erik af Klint—, cumplió con la cláusula de hibernación de su tía y develó los cuadros a finales de la década de 1960, las pinturas sorprendieron. Pero también lo hicieron las 26.000 páginas de las notas adjuntas de la pintora, muchas de las cuales detallan la creación de las obras a partir de 1906, dirigidas por un guía espiritual llamado Amaliel, quien contactó a Hilma durante las sesiones y no sólo “encargó” las pinturas, sino que al menos al principio, según ella, había dirigido su mano mientras pintaba.

Sin embargo, al pensar en el nacimiento del arte abstracto es probable que el primer nombre que venga a la mente sea otro. El pintor Vasili Kandinsky le escribió una carta en 1935 a su galerista en Nueva York, proclamándose como el autor del primer cuadro abstracto de la historia. Haciendo referencia a una acuarela pintada en 1910, el artista afirmó: “sin duda, es la primera pintura abstracta del mundo (…) Se trata, en otras palabras, de un cuadro histórico”.

Esta falta de reconocimiento suma a la larga deuda histórica del arte con las mujeres. La historia de Af Klint evoca la realidad de muchas artistas y su vida refleja la lucha entre el “arte aceptable” y el universo creativo de una mujer, que por demás rompió esquemas en su tiempo. Esta historia es contada por el aclamado director sueco Lasse Hallström en una de las películas más sensibles y emotivas de su carrera: Hilma, que será exhibida en el Ciclo de Cine Europeo “EUROCINE”, que se realizará en La Paz entre el 2 y 12 de mayo.

La cinta será proyectada el lunes 6 de mayo a las 18.00 en el Patio de Cristal del Museo Nacional de Arte. El público podrá disfrutar previamente de una visita a través de la exposición bienal Creadoras, mujeres artistas en Bolivia. El ingreso es gratuito y las personas interesadas podrán recabar su taquilla con anticipación el mismo día en el museo desde las 17.00.

“El compromiso desde la dirección del Museo Nacional de Arte es consolidar una exposición que sea lo más leal posible a la historia de la creación de las mujeres a lo largo de distintas épocas y su aporte a la historia nacional”, comenta la flamante directora Claribel Arandia. “Es por eso que nos alegra mucho poder ser la sede donde se exponga la vida de una artista tan relevantes a nivel mundial a través de la película que la Embajada de Suecia ha elegido este año”, añade.

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El espiritismo y Hilma af Klint

Hacia finales del siglo XIX no era raro que las personas buscaran respuestas más allá del mundo real, entendido como aquel capaz de ser percibido con los sentidos. La explicación radica en el hecho de que, por entonces, a través de nuevos avances científicos como los rayos X, los telégrafos y el psicoanálisis, la gente entendió que había un mundo “más allá”. Es así que muchos artistas, escritores e intelectuales también recurrieron al espiritismo.

Hilma af Klint nació en 1862 en el Palacio Karlberg de Estocolmo. De acuerdo a sus diarios, pasó mucho tiempo deambulando por el campo, dibujando y pintando flores, musgos, líquenes y la naturaleza. En 1879 estudió técnicas de retrato en Estocolmo, y de 1882 a 1887 asistió a la Real Academia de Bellas Artes de la misma ciudad, graduándose con honores. Las pinturas convencionales de Af Klint se convirtieron en su fuente de ingresos económicos, pero lo que ella llama el “gran trabajo” realizado durante su vida, siguió siendo una actividad separada.

En 1928, Hilma expuso algunas de sus obras abstractas en Londres, pero sin mucha respuesta. Comprendió entonces que las obras estaban muy adelantadas a su tiempo, como sus cuadernos indican, sentía que el mundo no estaba del todo preparado para el mensaje que pretendían comunicar. Entonces decidió que las obras no podrían mostrarse al público hasta al menos 20 años después de su muerte. Entonces las obras podrían posiblemente ser comprendidas y aceptadas.

Esta renuncia, una realidad muy conocida para las mujeres en el arte, dio lugar a que su puesto como pionera en este arte fuera desconocido. Los aportes al arte “anónimos” o bajo seudónimos, casi siempre escondían a una artista que prefería dejar el reconocimiento mientras su obra viera la luz. Af Klint renunció a ese reconocimiento en vida, pero heredó al mundo trazos, formas y colores que conmueven hoy a todos quienes pueden apreciar la complejidad de su obra.

‘Creadoras’: saldar la deuda

La muestra del Museo Nacional de Arte (MNA) Creadoras es una exposición que busca ser una fundamental palestra de visibilidad de la obra hecha por mujeres, la cual ha sido subterránea históricamente, ese es el hilo conductor entre la película sueca y la muestra boliviana en el MNA, la cual hace dialogar obras de su colección de artistas de renombre así como artistas actuales cuya obra es emergente.

El compromiso, desde la dirección del MNA y las dos unidades que la integran, la de Museo y Administración, es consolidar una exposición lo más leal posible a la historia de la creación de las mujeres a lo largo de distintas épocas y su aporte a la historia. Es un deber y una premisa dar el espacio que se merece a las creadoras en todas las especialidades, pintura, escultura, grabado, acuarela, tejidos, instalación, mural, grafiti, videoarte y más.

Texto: Estefanía Rada

Fotos: ViaPlay Studios y  Hilma af Klint Foundation

¿Por qué Caos?, me pregunto al recibir las fotografías de Vidal Cussi con el nombre de su exposición —que se exhibirá hasta el 7 de mayo en Galería Altamira, calle José María Zalles Nº 834, bloque M-4, San Miguel— y me quedo pensando mientras miro las obras y me digo ¿dónde está el caos?, ¿en esas gotas que el rocío deja en una manzana o en esas nubes que parecen atravesar con calma los cuerpos instalados en espacios infinitos y crepusculares?

¿Habrá caos, acaso, en esos rostros que observan paisajes montañosos o en aquellos que parecen reposar entre las nubes? Tal vez sí lo encuentro en los caóticos cabellos que se entrelazan a través de los rostros, cabellos en forma de listones de lata que se entrecruzan y supongo se enlazan en la parte que el cuadro ya no nos deja ver.

Entonces pienso que lo mejor es recurrir al artista para encontrar la respuesta. La charla me tranquiliza, el caos no está en las obras que presenta, sino que estuvo en él en el momento previo a su producción y, tras una catarsis —“una explosión” como él prefiere llamar—, surgió esta muestra llena de señas de paz.

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Luego, teniendo que escribir sobre su obra, me quedo pensando en el artista, en lugar de acercarme a su exposición me gana la vida de Cussi, me quedo intrigada en los procesos de unas obras que a todas luces reflejan sosiego y calma, pero que —ahora lo sé— no se engendraron de esa manera.

“El arte es para mí una terapia, un reencuentro conmigo mismo. Las tristezas, así como las alegrías, se van plasmando en las obras. Ellas son un desahogo”, me dice. Por supuesto que ya mi mirada es otra, y me siento en el deber de compartir con ustedes esa breve charla, pues si alteró mi forma de apreciar su arte, sin duda hará algo similar por ustedes.

De pronto, ya no son importantes los nuevos colores que Cussi propone y que despuntan en algunas obras, ya no es vital pensar en él en tonos tierras. Ya conocemos algo, aunque sea un poco, del proceso creador de un artista al que admiramos ahora un poco más, ya sus cuadros nos dictan palabras en voz baja, las palabras con las que el artista empezó a trabajarlas.

PERFIL Vidal Cussi Tiñini nació en Santa Rosa, provincia Pacajes del departamento de La Paz en 1983. Actualmente reside en la ciudad de El Alto. Estudió en la Academia de Bellas Artes Hernando Siles donde obtuvo la especialidad en pintura. Ha sido ganador de varios premios, entre los que destacan: Gran Premio Salón Pedro Domingo Murillo (La Paz) en 2012 y 2020, Gran Premio Salón Villa San Felipe de Austria (Oruro) 2019 y Gran Premio Salón 14 de Septiembre (Cochabamba) 2019 y 2023.

Texto: Daniela Espinoza M.

Obras: Vidal Cussi