Friday 19 Apr 2024 | Actualizado a 10:24 AM

Rodrigo Bellot: “Esta obra podría generar realmente algo innovador, diferente y positivo para el teatro”

La nueva obra del cineasta y director de teatro, ‘Tu me manques’, se presentará el 17 y 18 de julio a través de Zoom

/ 28 de junio de 2020 / 07:55

Tu me manques, del director de cine y teatro Rodrigo Bellot, nació como una obra de teatro escrita y creada en 2015, incluyendo el lenguaje virtual y las nuevas tecnologías sociales como parte de su narrativa. Este 17 y 18 de julio el público podrá disfrutar de una versión totalmente renovada, esta vez entrando a una reunión de Zoom.

La obra ha ido creciendo con el paso del tiempo. En 2019 la pieza saltó al cine y este 2020, en plena pandemia por el COVID-19, se nutre con la participación de la actriz cruceña Lorena Sugier, desde Bolivia, y Daniel Horvath, desde España. La producción está a cargo de Leonel Fransezze y Claudia Gaensel. Las entradas se venden por SuperTicket y están a Bs 50.

Rosario, una madre boliviana que revisa la cuenta de Facebook de su hijo Gabriel buscando respuestas sobre la razón de su suicidio. Al encontrar una última conversación con Oleg, un joven ruso en New York, descubre que su hijo tenía una relación homosexual con él antes de regresar a Bolivia. Así comienza esta nueva propuesta de Bellot.

  • ¿Cómo surge está versión, ahora centrada en el personaje de una madre?
  • Esto salió como una microobra parte de la obra Excepciones, 12 reglas del amor de Eduardo Calla que hicimos en La Paz, luego se convirtió en una obra de teatro y la obra de teatro se convirtió en una película y, claro, en ese proceso hubo varias recreaciones desde Fernando Gamarra a Carlos Valverde y de ahí a Oscar Martínez, todos con una versión y una propuesta diferente del personaje. Había investigado ya a profundidad el tema de la masculinidad de un padre y su posición frente a la homosexualidad del hijo desde un machismo y homofobia inherentes en Bolivia. En la obra de teatro estaba también la ausencia de la mujer, entonces quería investigar algo también más profundo o diferente. Por eso surgió la propuesta esta vez de que sea una madre y trabajar con una mujer que yo admiro tremendamente desde hace años, con la que ya hice varias películas, Lorena Sugier, y ver desde su posición qué propone esta madre de clase media en Santa Cruz.
  • ¿En qué se diferencia esta historia de las del filme y la obra?
  • Hay un par de diferencias con la original, que es con Carlos Valverde, pero la base sigue siendo la obra que se publicó con La Hoguera como libro y que va en su segunda edición. Volvemos a lo básico: una madre que llama a un contacto viendo la última conversación que su hijo tuvo por Facebook y llama para buscar respuestas. Es una obra de confrontación entre dos personajes, pero al cambiar el género del protagonista también cambian muchas sutilezas sobre la manera de ver y la manera de enfrentar la pérdida de un hijo. Y aunque sean sutiles y menores, tienen un gran impacto en el macro de la obra. Además proponemos esta vez que el novio no es un chico boliviano sino un extranjero, un ruso que vive en Estados Unidos y que es exiliado político de Rusia y que tiene una visión muy diferente a lo que es la vida en Bolivia, y que viene de una cultura donde realmente se condena con la muerte o la cárcel la homosexualidad. Ahí estamos explorando el choque cultural en el lenguaje en la manera de ver las cosas entre una madre boliviana y un chico ruso que ha tenido que dejar su país, su identidad y su cultura para poder ser libre en Estados Unidos.
  • ¿Cómo ha sido el proceso de la obra?
  • Pues la idea de esta obra ha salido justamente de lo que estamos viviendo con la pandemia y lo primero que uno como artista se pregunta es qué va a pasar con el cine, qué va a pasar con el teatro, si la gente va a ir a ver nuestras obras, si esta es esta la muerte del teatro como lo conocemos o si hemos perdido nuestro espacio para comunicarnos. Ahí empecé a ver que mucha gente proponía nuevos formatos, nuevas plataformas digitales y virtuales para poder hacer teatro y busqué alguna obra que yo pueda hacer por Zoom, que se está convirtiendo en la plataforma de comunicación mundial hoy en día.

Y buscando esa obra, no la encontraba. Vi un par en Nueva York en que se adaptó teatro tradicional al Zoom y no funcionó, a mi parecer, porque requería de interacciones espaciales y ese contacto entre actores. Sabía que la obra debía ser exclusivamente pensada para el formato de Zoom  e intentando buscarla me encontré con que ya había escrito sin querer yo una sin tener esas tecnologías: Originalmente Tu me manques era entre dos personas que se comunicaban por Skype y era toda una comunicación virtual. Era ideal para adaptarla a Zoom, ya que originalmente funciona con el lenguaje estético y formal de Zoom.

  • ¿Cómo se hicieron los ensayos?
  • Empezamos a desarrollar la idea a mediados de abril y estamos ya hace un mes en ensayos. Lorena está en Santa Cruz, en este momento Daniel está en Barcelona y los tres actores invitados sorpresa en la obra están en Nueva York y en Miami. Yo, desde Amsterdam, envío un link de ensayo y nos juntamos tres veces a la semana desde nuestros rincones del mundo vía Zoom. Es una metología súper interesante que me ha abierto la mente muchísimo, porque ya no necesitas la parte presencial y te permite acceder con mucha más rapidez a cosas que jamás antes hubieras pensado.
  • ¿Cómo se trabajó estéticamente esta versión?
  • Hubo mucha adaptación, porque la obra estaba de alguna manera escrita para Facebook, Instagram, Skype… Se ha cambiado un poco el formato, pero sigue siendo una exploración de nuestro mundo virtual y cómo nos comunicamos ante la imposibilidad de la confrontación física. Vemos qué elementos dramáticos proporciona que alguien cuelgue mal, la falta de comunicación, el internet; ese tipo de cosas que se convierten en partes estéticas de la propuesta, pero también parte de la obra en sí mismas. Es importante que se sienta totalmente orgánico y no simplemente sea teatro leído en Zoom. Ahora se están haciendo muchas lecturas de teatro y de guiones por Zoom, pero no deja de ser eso, solamente una lectura. No tendremos solamente cabezas parlantes, sino que estamos intentando jugar con los celulares y cambiar de locaciones para que la obra tenga mucho movimiento, kinesis, y eso es lo que estamos proponiendo.
  • ¿Cuáles son las ventajas y desventajas de este formato?
  • Esto es lo más interesante del proyecto: es un momento en que efectivamente la producción de teatro y cine se ha visto altamente afectada y está el miedo de la gente por acercarse a una sala aunque hayan nuevas regulaciones, nuevos protocolos para volver a una cierta normalidad. Es muy difícil pensar a corto plazo en un teatro tradicional como lo veíamos antes. Lo que más me entusiasma es proponer una manera de hacer teatro sustentable de muy bajo costo, porque no necesitas pagar teatros, no necesitas hacer escenografías costosas y al mismos tiempo te permite generar una plataforma sustentable donde los actores ganen, la gente compre su entrada y haya una economía detrás, de manera que la gente tenga acceso a entretenimiento y a propuestas artísticas como las que tenía antes, pero desde su casa. Creo que eso también ha cambiado mucho la visión de la importancia del arte y del entretenimiento en nuestras vidas en el encierro, en momentos de prudencia, cuidados y salud. Esto te proporciona una alternativa más que no es Netflix y que también te permite activar el trabajo de cientos de productores, actores, directores, dramaturgos y ojalá que sirva también como una referencia más más para que se siga haciendo teatro en Bolivia y no paremos los artistas de crear, de producir, de consumir teatro y de difundirlo.
  • ¿Cómo cree que reaccione el público?
  •  No sé cómo va a reaccionar el público, de hecho ya se está hablando incluso de una fatiga del Zoom, pues creo que mucha gente está pasando mucho tiempo en esta plataforma con clases virtuales, con reuniones de trabajo virtual… creo que es la única desventaja. Al mismo tiempo el hecho de que no es algo formal y que más bien es entretenimiento ayuda: es una obra bastante emotiva, desgarradora y tenemos música, tenemos imágenes y tenemos muchas sorpresas en la obra. Yo creo que por lo menos como una propuesta innovadora va a funcionar. Estamos haciendo solamente dos funciones y trabajamos durante meses para eso. Si esto funciona podría generar realmente algo innovador, diferente y positivo para el teatro nacional y mundial. Además plantea la posibilidad de trabajar con actores extranjeros sin movilizarlos, sin trasladarlos a hoteles ni pagar lo que implica traer una persona de otro país; puedes trabajar con actores en cuatro países diferentes simultáneamente. También sabemos que cada vez la atención del ser humano está más corta y hemos querido proponer una obra de 40 minutos, que ya de por sí es muy intensa.

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‘Hotel Hazbin’: entre pecados, música y redención

Vivienne ‘VivziePop’ Medrano ofrece una serie que deconstruye las ideas del infierno

Por Miguel Vargas

/ 7 de abril de 2024 / 06:47

Eso de que un pecador arderá en el fuego eterno y le rechinarán los dientes por los tiempos de los tiempos no va más: Hay sobrepoblación en el Infierno, motivo por el que un ejército de ángeles hace cada año una depuración, exterminando demonios para que entren nuevos caídos. Ese es el planteamiento de Hotel Hazbin (Amazon Prime), serie animada musical que deconstruye los conceptos del bien y el mal, del pecado y la redención.

Con una paleta donde predominan las formas punteagudas y el contraste entre el negro, el rojo y el blanco, la serie creada por la artista estadounidense Vivienne ‘VivziePop’ Medrano, inspirada en creencias judeocristianas y en la demonología, presenta a la cándida Charlie Morningstar, hija de Lucifer y Lilith. Como princesa del infierno, la rubia joven se ha propuesto combatir la sobrepoblación de su reino rehabilitando a pecadores y demonios mediante una insospechada estratregia: la redención hacia la bondad en su Hotel Hazbin.

El programa recurre a estas figuras mitológicas para replantear y explorar los orígenes de lo que consideramos malo y se lo contextualiza en la sociedad actual. Cada personaje representa el lado humano de la virtud y el pecado. Así se presenta a un Adán vanidoso, por tratarse del primer ser humano, sediento de sangre de demonio, a pesar de ser un ángel, y se plantea a Lucifer como alguien que confió en que el ser humano tome buenas decisiones en el momento de tener libre albedrío.

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Hotel-Hazbin

La música —creada en un estilo que navega entre la tradición de Disney y la ópera rock de Broadway— y la animación son la pieza clave para navegar por las aguas pantanosas de los dogmas de fe y cuestionarlos: ¿un ángel que no quiere salvar la vida de un niño demonio debe ser desterrado? ¿Quien es víctima de un proxeneta es un pecador? ¿Obedecer la ley aunque implique una injustica es lo más importante?

En un programa lleno de colores y de notas musicales, los grises se van imponiendo poco a pocoen una primera temprada sin pierde. Y es que más que respuestas, como hace todo buen arte, siembra preguntas que uno mismo debe responder.

Texto: Miguel Vargas

Foto: Internet

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Silvia Cuello saca a la luz el abismo

A través de ilustraciones, la artista visual recorre en un libro y en una exposición en el Museo Nacional de Arte su proceso contra la depresión

Por Miguel Vargas

/ 25 de febrero de 2024 / 06:49

No son frecuentes las valiosas oportunidades en que podemos encontrarnos con una narración tan bien ilustrada y elocuente de algo que resulta ser muy profundamente subjetivo: las vivencias de experiencias y emociones de la depresión, descritas por una persona que nada más y nada menos es una de sus protagonistas”, escribe la doctora Elizabeth Patiño Durán, presidente de la Sociedad Boliviana de Psiquiatría, en el prólogo del libro El abismo ilustrado, obra que con motivo de la exposición de igual nombre que la artista Silvia Cuello presenta en la sala Diez de Medina el Museo Nacional de Arte (Comercio y Socabaya) se plasmó en un tiraje inicial de 50 ejemplares. “Mi objetivo es lograr apoyos para realizar una tirada grande y que el libro pueda distribuirse en escuelas y centros psiquiátricos y sanitarios”, visiona la artista española radicada en Bolivia.

“En un despliegue de genialidad, Silvia nos muestra con una impresionante sutileza, en los trazos diáfanos, precisos y hermosos de sus pinceles y de su pluma, las diferentes manifestaciones del cúmulo de vivencias y emociones tormentosas, que caracterizan este trastorno”, continúa la especialista que trató a la artista, quien fue diagnosticadahace varios años con depresión crónica.

“En medio de todo ello, la motivación y el eje central que movió a Silvia nos muestra su gran capacidad de resiliencia, sobreponiéndose a la adversidad y presentándonos esta obra de arte que además se constituye en una innovadora guía, para ayudar a quienes atraviesan cualquiera de las formas de depresión, a sentirse menos solas y menos ‘locas’, y brindar valiosas pautas de empatía a las personas que las rodean, para entender, comprender, acompañar e impulsar a buscar ayuda a tiempo”, finaliza Patiño Durán, presentando la serie de 26 ilustraciones que conforman la exposición.

“La depresión es una enfermedad que despierta poca empatía. Apenas se habla de su existencia y muchas personas la padecen en silencio, o incluso sin saberlo.  Aunque es una idea extendida, la depresión no equivale a estar triste, sino que se trata de un trastorno mental complejo y difícil de describir, que en los casos agudos impide desenvolverse en la vida cotidiana”, introduce Cuello sobre la temática que explora El abismo ilustrado.

La artista nació en 1980 en Barcelona, España, es licenciada en Bellas Artes y se dedica a la pintura y a la docencia. Llegó a Bolivia como voluntaria a Cochabamba, y se quedó explorando distintos lenguajes, como el collage. Para esta muestra, el vehículo fue la ilustración.

“La depresión no es algo a tomar a la ligera, es la principal causa de suicidio a nivel mundial. Mirar hacia otro lado, tanto si el problema lo padece uno mismo, como si lo sufre alguna persona de nuestro entorno, agrava la situación. En la mayoría de los casos la depresión se puede curar, pero solo si se trata a tiempo con ayuda profesional”, acota la creadora.

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“Cada persona sufre de manera distinta la depresión pero, aunque los síntomas sean diversos, lo que siempre está presente es un padecimiento mental atroz, muy activo y difícil de describir. Es por ello que, en un intento de darle una forma visual a ese sufrimiento, he querido hacer este libro, cuyos principales propósitos son tres: En primer lugar, tratar de que las personas con depresión se sientan un poco menos solas en su lucha, al mostrarles que lo que están sintiendo no es algo raro. En segundo, enfrentar el tabú y dar a conocer mejor la enfermedad, para que personas que tal vez la padezcan sin saberlo, tomen conciencia de ello y busquen tratamiento.Y en tercer lugar, hacer la depresión un poco más entendible al resto, para que los familiares y amigos de los afectados sean más capaces de empatizar con ellos y poder ayudarles”.

Y así como fue una poderosa catarsis, la exposición tomó también la forma de un impreso y continúa hoy su propio camino. “Culminar este libro ha sido un objetivo personal que me ha dado sentido y dirección durante lo dos últimos años. El proceso creativo ha sido duro, ha habido varios momentos de desmotivación y amarga autocrítica. Así que estoy muy orgullosa de haber seguido adelante, hasta el final”.

Es duro ilustrar la propia vulnerabilidad, “pero pienso que como artista tengo la posibilidad y en cierto modo el deber de usar mi don para ‘tocar’ a los demás de algún modo. —concluye la autora— Con esta obra he querido transmitir el mensaje de que no es fácil vivir con depresión, pero que se puede salir, y que vale la pena el esfuerzo. Personalmente estoy agradecida por las lecciones valiosas que he aprendido en este camino”.

Texto: Miguel Vargas

Imágenes: Silvia Cuello

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Un singani de Villa Abecia guarda el alma de un teatrista

¿Es posible que un actor pueda concentrar su esencia en una bebida espirituosa? Así lo prueba Kike Gorena

Por Miguel Vargas

/ 18 de febrero de 2024 / 06:42

Que un perfume lleve el nombre de un actor famoso es cosa de todos los días en Hollywood, pero que un destilado —un singani, y de Villa Abecia, además— lleve el nombre —y el alma— de un teatrista boliviano es menos común. El actor, director y dramaturgo potosino (1978) Kike Gorena es el hombre en cuestión. Y él mismo va a relatar este su paseo por los élixires de la uva moscatel de los Cintis.

— Cómo surge la idea de lanzar tu propia marca?

— Como alguien diría, “me han obligado” los amigos que han sido mis primeros clientes cuando vendía este embotellado como singani de Villa Abecia. Como buen embajador cinteño me tocó propiciar varias degustaciones donde pude ver cómo este singani, literal, les acariciaba el alma… aunque una amiga por molestar decía que también le acariciaba el hígado. Estos degustadores muy entusiastas siempre alimentaron entre broma y broma la fantasía de que el Tonelito algún día será un singani top, súper famoso y reconocido. Así nació la idea de bautizarle como ya le llamaban de cariño: Tonelito de Gorena.

El segundo paso fue hacerle una etiqueta. Todo entra por los ojos y un producto artesanal sin nombre y sin etiqueta no te entusiasma mucho, salvo que ya lo hayas probado. Así fue que, jugueteando con mis primos y primas, hicimos la fotito que después sería nuestra primera etiqueta, que se basó en el Dios de Miguel Ángel, quien alcanza una copa de singani a un mortal. Como reza en nuestra actual etiqueta “Un día el maestro singanero, cual fresco de Sixtina, alcanzóme su bebida, sostenido por querubines, que cantaban hasta los confines.”

Archivo Tonelito

En nuestro caso el maestro singanero es mi tío Ramiro Ibañez, todo el honor y gratitud al mago de la uva que convierte el fruto divino en ese singani exquisito, al que de cariño todos en el pueblo le conocen como Calacho.

— Esta bebida evoca además imágenes: ¿Qué ha significado en tu vida el singani?

— Yo me crié viendo cómo mi papá preparaba sus cocteles y chuflays con el singani que le llegaba de Villa Abecia, de donde él era. Nosotros vivíamos en Potosí y todos los fines de semana, antes del almuerzo, era de rigor tomar unos aperitivos. Ni siquiera a los niños se nos mezquinaba el vino ni el singani; por supuesto sorbitos, no van a creer que me daban en mi mamadera.

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Así fue que me contagié del entusiasmo de mi viejito para preparar sus finos cocteles. Se notaba que le causaba orgullo convidar el traguito de su tierra, y qué mejor si era con limones de Villa Abecia, si de chuflays se trataba. El singani para mí es un vínculo directo con la tierra cinteña, donde pasé mis mejores vacaciones. Es el verdadero cable a tierra donde realmente se ejerce la libertad. Supongo que por eso me da por romantizar sobre ese líquido que tiene contenido el esfuerzo del viñatero, el talento del destilador, el trabajo de la naturaleza para producir esa uvita y lo más increíble es que todo eso se logra sentir cuando tomas un sorbo del Tonelito. Algo mágico pasa ahí, no es así nomás. Por eso la misión que tengo como El Duque del Singani es lograr que más personas tengan la posibilidad de tomarse y conocer un Tonelito de Gorena.

— ¿Cómo describes la personalidad de tu marca, que se evidencia en la publicidad que sueles hacer al singani?

— Su personalidad está en el atribuirse poderes y títulos que dice que te otorgan cuando tomas Tonelito. Sin admitir que se trate de publicidad engañosa, más bien, tiene que ver con jugar con lo que no está del todo descartado. Porque Tonelito sí te puede mostrar las estrellas, o te ayuda a conectarte con tus raíces y te hace hablar en lenguas. También te puede dar glamour, aunque flotando en un estanque sobre una cama de botellas pet. O te puede dar la inmortalidad de un vampiro. O te ayuda a conquistar a tus suegros. Quizá te ayude a cruzar a pie el salar de Uyuni.

Revisando en el “Face” las primeras publicaciones que hacía, ya estaban en esa línea de afirmaciones marketeras y osadas, como una que decía que “Tonelito de Gorena no te abandona ni en el auto de buen Gobierno #pedidosInbox”. Más allá de tratarse de algo serio o en juego, creo que hay un limbo de lo indefinido donde siempre me ha gustado jugar, incluso desde el teatro.

Si solo ofrezco el mejor singani de Villa Abecia no es suficiente, por muy verdadera que sea esta afirmación. Hace falta propuestas publicitarias más arriesgadas para salir del molde y sobresalir del resto. Alejarse de la pretensión de ofrecer, clase, distinción, exclusividad, status… valores que están lejos de la mayoría de la población. Sería más lindo querernos tal cual somos y apreciarnos también con nuestras imperfecciones. Recuerdo que cuando sondeaba el impacto de mis publicidades con los compañeros de mi promoción, la sensación era parecida. Me pedían que se muestre personas más elegantes, vasos mas finos, como si el encanto del singani no estuviese también en sus alegres borrachitos. Otras amigas se fijaban si las uñas de la actriz estaban bien pintadas. Detalles a los que conscientemente me rehusé porque quiero que quede la sensación de que el singani no es ni para algunos ni para todos; es para cualquiera, como el teatro, según Javier Daulte, gran director y dramaturgo.

— ¿Cómo se funde el singani con tu trabajo en el teatro?

— Tengo que admitir y agradecer que la mística de mi singani está construida también por quienes me acompañan de buena voluntad a hacer las publicidades, donde participan desde la técnica o desde la actuación. Son grandes valores como Coco Toro, Mizkicho Valverde, Pedro Grossman, Diego Massi, Javier Badani, Ale Molina, Eric Calancha, Nicole Terrazas, Francia Oblitas, Ale Viviani, Carlos Guzman y Alejandra Sanzetenea, todos ellos del teatro o el cine. Este apoyo es una evidencia de que el teatro y el singani tienen que ver y pueden conversar saludablemente a través de nosotros, que somos honestamente felices con las cosas sencillas.

La publicidad de Tonelito de Gorna apela a la vida bohemia, a la fantasía y al arte.

— ¿Cuál ha sido la recepción en La Paz?

— Creo que la gente aprecia mi singani por las demostraciones de cariño que hacen al comentar su experiencia, muchas veces con palabra llenas de poesía y auténticos deseos de que me vaya bien. Una vez, por ejemplo, en el comprobante de una transferencia pusieron como referencia: “pago de trago rico”. También me mostraron los lugares donde guardan sus botellas, los tragos que  preparan o sus maneras de consumirlo, como el estilacho sublingual de Luis Bredow o el sorbo a sorbo sostenido de Fernando Figueroa.

Como es un singani artesanal, la venta es de tú a tú. Se puede pedir por la página en Facebook e Instagram o al WhatsApp 72141212. En Rayuela, El Bestiario o Casa de Piedra en La Paz, les pueden hacer con Tonelito de Gorena un rico traguito.

Texto: Miguel Vargas

Fotos: Archivo Tonelito

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Diseños desde Oruro para el mundo

Pinky Arias combina la arquitectura con la moda para crear sus propuestas para grupos folklóricos

/ 4 de febrero de 2024 / 07:07

La arquitectura se unió al diseño de modas en la vida de Pinky Arias gracias al Carnaval. Durante sus estudios universitarios, ella comprendió que su carrera es madre del diseño. “En ella se estudia la antropometría y la sensibilidad del ser humano, siendo estas las bases para diseñar un singular vestuario, ya que es un ser humano quien habitará cada una de las prendas”, recuerda Pinky Arias, que este año vuelve a llevar la imaginación y sus conceptos desde su atelier en Oruro a las calles de su ciudad para la celebración del Carnaval.

Pinky Arias nació el 20 de septiembre de 1978. Arquitecta de profesión y diseñadora de modas para ambos sexos, ha bebido desde niña de la influencia folklórica de la fiesta que en 2008 fue inscrita en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco. “El minimalismo, donde “o menos es más, y la riqueza cultural histórica es la fuente de inspiración para mis diseños”, expone la creadora.

El Carnaval en Oruro se siente en el aire, y en estos días previos a la fiesta, el trabajo para Pinky es desafiante. Creció junto a sus nueve hermanos, siete mujeres y dos varones, fruto de padres orureños, artistas y artesanos.

En diciembre de 2008 fue que abrió su atelier Pinky Moda y Arte, donde hace diseño de decoración interior y mobiliario. Su imagen corporativa causó impacto y su popularidad fue inmediata, naciendo así una de las casas de moda más significativas de la ciudad de Oruro.

Otoño-Invierno Primero lo nuestro (mayo, 2009) y Primavera-verano De rosa a fcsia y punto (septiembre, 2009) fueron las primeras colecciones. Para enero de 2011 creó su Calendario del Carnaval de Oruro, en formato de lujo, con siete fotografías de trajes de antaño y trajes actuales elaborados en su taller.

En noviembre de 2012, ya en pasarela, presentó la colección Tridimensión de colores y le siguieron Obras a mano alzada (2013), 7 placeres (2015), Kiswara (2016) y Foklor art (2018), entre muchas otras presentaciones en Oruro, Cochabamba, Sucre, Potosí, Beni, Santa Cruz y en Chicago, Estados Unidos.

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Si bien el atelier diseña y confecciona durante todo el año vestidos de gala, de novia, de quinceañeras, trajes dos piezas, abrigos, vestuario para niñas y organiza sus colecciones, se ha especializado en la creación de vestuario para las figuras y ñaupas de la morenada, trajes de china supay de la diablada y trajes de caporal.

El tiempo apremia. El nerviosismo por la llegada del Carnaval empezó en octubre de 2023, cuando se concentró en elaborar la prendas que lucirán los danzarines de diferentes conjuntos este año. “Nuestro atelier en esta época maravillosa en la ciudad de Oruro respira Carnaval”, dice.

Algunos de los trabajos del atelier de

La orureña Pinky Arias es arquitecta y diseñadora de modas.

“Ostentosas corsetería de china morena, tentadoras polleras de la china supay, el encanto de la blusa de la Negra María Antonieta, las capas dimensionales de los Siete pecados capitales que brillan en pedrería y swarovski, el encuentro de mostacilla-lentejuela/canutillo-perla de los tocados para las tobas, al son de cascabeles y dragones en oro milan, posando en un entallado enterizo de macho caporal y una elegante coqueta charretera de kullawada en cuentas rojo, amarillo y verde componen un nuevo cuadro de tendencia tridimensional que, puntada a puntada, y hecho con amor a mano, medida y personalizado; brillarán en esta Obra Maestra del Patrimonio Oral e intangible de la Humanidad”, describe con orgullo.

Texto: Miguel Vargas

Fotos: Pinky Arias moda y arte

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Barbie andina y un Milei ‘coquette’, en La Razón de Alasita

El periodiquito, con todas las secciones, circula este sábado. Su precio es de Bs 4

Portadas de La Razón y sus suplementos de Alasita

/ 20 de enero de 2024 / 07:23

Bolivia compra el Banco Central de Argentina, Del Castillo crea un equipo militar de élite con influencers, yatiris tomarán las decisiones judiciales… Unas veces descabelladas, otras demasiado cercanas a la realidad: así son las noticias de Alasita.

El tradicional periodiquito de La Razón rebosa de humor, ironía, picardía e identidad. Este “ejemplarcito” reúne en sus páginas los titulares más sonados del año.

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Alasita

La definición de la jefatura del MAS en un realitity show, la “guerra santa” de Camacho por el control de Santa Cruz, la inclusión de las vacunas en el desayuno escolar o la creación del dólar plurinacional son algunas de las principales noticias.

Escape contará el rodaje de la película de Eva “Barbie” Copa y cómo los animales de los parque nacionales han decidido vengarse y quemar las ciudades. El Financiero relatará los acuerdos del presidente Arce con el Banco de la Fortuna, mientas Energías y Negocios anunciará el cambio de rubro del Tío de la Mina: buscará oro.  

La pobreza anunciada del club Bolívar y el premio en canchitas de Messi estarán en Marcas.

Ocho “cuerpitos” son los que ofrece este periodiquito por Bs 4. ¡A reír!

(20/01/2024)

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