Thursday 11 Aug 2022 | Actualizado a 23:28 PM

A+Short lleva a película de animación boliviano argentina Dubicel al mercado MIFA de Annecy

La productora argentina promociona la premiada cinta dirigida por Yashira Jordán e Igor Gopkalo Streiff

/ 21 de junio de 2020 / 08:22

Más logros para la película boliviano argentina de animación Dubicel, dirigida por Yashira Jordán e Igor Gopkalo Streiff.La productora A+Short llevó la cinta al Festival Internacional Annecy de animación, en Francia, al mercado MIFA con la delegación argentina en el Stand virtual, “una enorme posibilidad que nos dan para difundir el cortometraje argentino de animación”, señaló la productora.

Dubicel cuenta los días de un niño cósmico que vive encerrado en una cúpula galáctica y sueña con que esa gran ventana se abra para poder ver las estrellas que tanto anhela. “Es un mensaje de esperanza que nos entusiasma llevar a las pantallas del mundo entero y ansiamos que esta historia inspire a nuevas audiencias”, señala A+Short.

El corto además cuenta con la narración del músico Kevin Johansen. “Queremos compartir esta historia con toda la familia, pues Dubicel es un niño que está encerrado, pero que viaja con sus sueños», explica la directora boliviana Yashira Jordán.

El filme ha ganado el premio a Mejor Filme de Animación y Mejor Banda Sonora en el NY CA Film y en el festival Golden Nugget International se llevó un premio por su música, compuesta por Micaella Carballo, además de competir en el festival Our Fest Stop Motion.

Desde2019 la película ha participado en más de 20 competencias internacionales alrededor del mundo, ganando tres premios hasta la fecha, por Mejor Música Original y Mejor Animación. Dos en Nueva York y uno en Buenos Aires. (NYC Cinematography Awards y Buenos Aires International Film Festival). Además estuvo en TAAFI Toronto Animation Arts Festival International y en su Mercado de Industria, Además de participar en Panama Animation Festival y en el festival Our Fest Stop Motion.

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Alejandra Dorado y aquel ombligo que nos une

La artista visual cochabambina ofrece una exposición sobre familias, mutaciones e instalaciones vivas

Por Miguel Vargas

/ 8 de agosto de 2022 / 14:40

El ombligo, esa marca que le recuerda al ser humano que tiene una conexión con su madre, con la familia y con el resto de los humanos.  Esta idea de un lazo roto que permanece da pie a la exploración de la artista visual y diseñadora Alejandra Dorado Cámara, quien aprovecha estas ideas para hablar sobre las familias, sobre el entorno doméstico —tanto desde lo conceptual hasta en el uso de técnicas y formatos—, las malformaciones y su entorno social e incluso de antropofagia. Ombligo común es el nombre de la exposición que se exhibe en la galería Puro (calle Enrique Peñaranda 1034, San Miguel, en La Paz).

“La muestra se llama Ombligo común porque habla de las conexiones físicas o espirituales entre hermanos, no solamente de sangre. Comencé esta serie pensando en mi hermana, tuve una hermana cuando yo tenía un año y medio, pero ella murió a los ocho meses de nacida y no la conocí, o no me acuerdo. En la exposición hablo de ese lazo que nos une como familia, de los hermanos siameses, el hermano que se come al otro en el útero, y con esto hago cita a la antropofagia en el arte y la apropiación de culturas. En mi caso, tomo fotografías antiguas de otras familias que no conozco, les hago mutaciones digitales y las imprimo en diferentes medios”, explica la creadora cochabambina.

La exhibición está conformada por piezas diversas. Están las siete obras con sublimado y acrílico sobre tela, de 80 x 80 cm; los nueve retablos impresos sobre madera con láser, a manera de las imágenes de santos; los 10 dibujos pequeños en lápiz grafito, que se complementan con tinta china o sangre. “También están dos ‘ropitas’ de bebé tejidas con mutaciones (un buzo con tres piernas y vestidito con dos cabezas) y mis ‘jardines literarios’ que son libros antiguos que tienen plantas dentro y animalitos”, describe la artista.

La obra de Dorado —titulada en Bellas Artes en la Universidad ARCIS de Arte y Ciencias Sociales en Santiago de Chile— se desarrolla sobre todo en la técnica del collage digital.​ Creadora del taller de artes visuales La caja verde para jóvenes ciegos y su marca de ropa de diseño Santita, forma parte del colectivo femenino de collagistas Mujer Tijera.

La exposición permanecerá abierta en Puro hasta el 13 de agosto.

LA GRÁFICA

‘Bucito’, tejido para tres piernas. Foto: Alejandra Dorado

De lo mismo’, acrílico y sublimado sobre tela (2022). Foto: Alejandra Dorado

‘Libro’, libro antiguo, planta y animalitos. Foto: Alejandra Dorado

‘Suerte’ (2022), tinta china y acrílico. Foto: Alejandra Dorado

Tricofobia (2022), acrílico y sublimado sobre tela. Foto: Alejandra Dorado

Tres piezas de la serie de retablos. Foto: Alejandra Dorado

FOTOS: ALEJANDRA DORADO

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‘Romeo y Julieta’, en danza contemporánea

Para celebrar sus 10 años de trabajo, la Compañía de Danza SHA lleva a escena la emblemática obra de William Shakespeare

Por Miguel Vargas

/ 8 de agosto de 2022 / 11:28

Han pasado 10 años desde que los coreógrafos, bailarines y profesores de danza Haru Beltrán y Sergio Valencia conformaran la Compañía de Danza SHA, un espacio para explorar y crear a través de la danza contemporánea, además de brindar formación. Una década después, tras obras como Piel (2015), Locura (2016), Salvaje (2017) y Caminantes (2018), el grupo presenta Romeo y Julieta, una adaptación a la danza contemporánea de la afamada obra del inglés William Shakespeare.

La compañía SHA se ha caracterizado por explorar las emociones y las relaciones interpersonales a través de la corporalidad. “Estos 10 años son la bendición y la certeza de haber cumplido un sueño, pero al mismo tiempo de reafirmar el compromiso de la responsabilidad que tenemos como artistas de seguir generando espacios de aprendizaje colectivo e individual, de revalorización del arte de la danza, cultivando disciplina y pasión en la gente que pasa por SHA”, explica Valencia.

Es la primera vez en Bolivia que se adapta la obra de Shakespeare en danza contemporánea. “Hemos respetado la esencia de la historia, pero hay algunas sorpresas en medio e interpretaciones muy interesantes. Se trata de un proyecto autogestionado y autofinanciado, por lo que nos gustaría poder tener más temporadas en La Paz y mostrarla en el interior del país. Deseamos que la gente celebre junto a nosotros con esta obra”, agrega el director.

Son 50 artistas los que participan en esta gran puesta en escena que se podrá ver los días 13 y 14 de agosto en el Teatro Auditorio Illimani del Campo Ferial Chuquiago Marka desde las 19.30.

“Magia. Hechizo. Nudos irrompibles. / Imposibles de desatar. Rojo. / Es ahí donde se dieron cuenta que / Hay lugares mágicos que no necesitan explicación. / El amor, el amor es uno de ellos”, dice parte del texto que sustenta la obra, para la que se pueden comprar ya las entradas ingresando en la plataforma de SuperTicket.

Y como las artes escénicas se pueden apreciar mejor a través de la vista más que del texto, ofrecemos estas imágenes de los ensayos, tomadas por el fotógrafo especializado en danza Alberto Schwartzberg, a manera de invitación.

La Compañía de Danza SHA durante los ensayos de la puesta en escena

Fotos: Alberto Schwartzberg

Fotos: Alberto Schwartzberg

Fotos: Alberto Schwartzberg

Fotos: Alberto Schwartzberg

Fotos: Alberto Schwartzberg

FOTOS: ALBERTO SCHWARTZBERG

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Ira fecunda, las emociones femeninas desde la danza

La danza contemporánea se usa para transformar la energía de la violencia a través de la expresión y el movimiento

Por Miguel Vargas

/ 1 de agosto de 2022 / 15:32

Ira fecunda y Amar U son dos obras de danza contemporánea que cuestionan, movilizan y encarnan la vivencia de las emociones femeninas, sobre todo ante la violencia, a través del cuerpo. Ambas piezas se presentarán hoy domingo 31 de julio a las 19.00 en el Teatro Nuna (21 de Calacoto, Parada PumaKatari). 

Ira fecunda —interpretada por Carmen Collazos, Adriana Iturralde y Tania Carafa, dirigida por Yumi Tapia Higa— forma parte del proyecto Quiero Gritar, que nace de la necesidad de visibilizar la emoción de la ira desde el mundo femenino.

“A partir de círculos de mujeres que propiciaban expresar en sororidad vivencias en relación a la ira y el elemento fuego a través del trabajo corporal y la palabra, tomamos herramientas que permitieron expresar y validar el enojo que en muchas situaciones es reprimido o descontrolado”, explica Tapia Higa.

Los hallazgos de este trabajo inspiraron la obra, que además permitió proponer nuevos ejercicios desde el cuerpo, los que serán compartidos en el taller presencial que se dará gratuitamente después de la función. El objetivo es “transformar la energía de la violencia a través de la expresión y el movimiento, encauzando la energía de la rabia en energía de voluntad de acción constructiva”.

Los conceptos del autocuidado y el cuidado comunitario y colectivo son piezas clave de la propuesta, que cuenta con el apoyo del Fondo Apthapi Jopueti. A través de este trabajo con el cuerpo se pretende potenciar la fuerza creadora, transformadora y sanadora femenina.

Amar U es la segunda obra que se presentará esta noche. Interpretada por Jessica Velarde y Tapia, conjuga danza contemporánea y teatro, desmenuzando interrogantes sobre negación, vivencia y sanación de aquellas mujeres que han sufrido violencia física, psicológica o han sido víctimas de feminicidio, resaltando además la diversidad e interseccionalidad de la vivencia femenina.

¿Por qué me sucede esto a mí? ¿Yo tengo la culpa? ¿Qué caminos he recorrido para llegar a esta situación? Estas son algunas preguntas que se hacen las mujeres víctimas de violencia. “Amar U es un momento filosófico-retrospectivo hasta el impacto con la violencia, pero a partir de entonces nace también un legado, una hermandad, no estamos solas: ‘Por nuestras muertas, ni un minuto de silencio, toda una vida de lucha’.

Para más información sobre esta presentación, comunicarse con Par Mil Productora Artística al teléfono 76558885.

IMÁGENES DE LAS OBRAS DE DANZA CONTEMPORÁNEA ‘IRA FECUNDA’ Y ‘AMAR U’

FOTOS:  IMMANUEL TAGGER

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Ciclo, un nuevo menú para una nueva historia

El colectivo Sabor Clandestino propone una reflexión a través de los sabores

/ 25 de julio de 2022 / 15:51

Lo que comemos, cuándo comemos y cómo lo hacemos no es algo casual: en la alimentación se refleja nuestra forma de pensar y de vivir. Esto se puede apreciar en Ciclo, nombre del nuevo menú de Cascándole, la experiencia creada por Sabor Clandestino —colectivo autogestionado de cocineros— que se nutre de ingredientes y alimentos de invierno, en una referencia a los tiempos que corren, abriendo un espacio de reflexión a través de una experiencia gastronómica.

“Se llama Ciclo. Si bien es muy abierto el nombre del menú, va cerrándose. Se basa sobre todo en el nuevo ciclo que estamos encarando todos los seres humanos. Nos damos cuenta de que hay varias políticas, varias formas que se han cerrado, a partir incluso del COVID-19, así como muchos comportamientos y hábitos en un ciclo que hay que afrontar con apertura y claridad, viendo y escuchando con la intencionalidad de entender lo que está pasando”, explica el casero mayor y fundador de la iniciativa, Marco Antonio Quelca.

Este momento especial, en que los individuos se están cerrando en sí mismos, también ha implicado una apertura de conciencia importante que invita a replantearse los estereotipos de lo debería ser la de vida, “hoy estamos ingresando a una nueva forma de vivir”, agrega Quelca, quien inició hace ocho años este proyecto que presenta a los cocineros con pasamontañas para huir de la idea del “chef estrella” y como homenaje a los lustrabotas.

Sabor Clandestino diseña no solo los platillos y el maridaje, sino que también crea la vajilla, videos y una presentación con recursos teatrales

Ciclo es un nuevo menú de autor en varios pasos que comienza con el recojo de los comensales de un lugar público en un tradicional micro, donde se inicia un viaje a través de diferentes platillos originales con el correspondiente maridaje (bebidas que acompañan la propuesta), en que se ha diseñado para cada tiempo el concepto, el platillo, la vajilla y la presentación.  

El tema del menú se verá reflejado también en los ingredientes —fieles a la tradición de Sabor Clandestino, que busca en los sabores de la calle y en las tradiciones culinarias para revalorizarlas— que van a encontrar los comensales. “Pensando en los ciclos agrícolas, estamos trabajando con una producción de invierno, con ingredientes amazónicos, del valle y del altiplano. Queremos abarcar los 24 pisos ecológicos de Bolivia, con todos los ingredientes que en estos se da en invierno. Estamos aprovechando el momento que estamos pasando en nuestro ecosistema, que da frutos súper bellos”.

Para poder disfrutar el nuevo menú de este colectivo de cocineros, las reservas se hacen en el WhastApp 70548279.

En estos años Sabor Clandestino ha crecido y ha fortalecido varios proyectos en los que siempre es importante devolver los sabores que se toman de la calle a sus hacedores y productores, un ciclo que incluye el dar y el recibir. También es muy importante el compromiso del grupo con la alimentación nutritiva y consciente.

“Hemos sido pioneros en la vanguardia de la cocina boliviana. Cuando empezamos no había este lenguaje de utilizar producto nacional o la cultura cotidiana como eje creativo y vemos que hoy es uno de los puntales de la gastronomía, sobre todo paceña, que es la que está marcando los cánones en Bolivia”, dice Quelca.

Lograda la madurez conceptual, de la presentación y del servicio, el siguiente paso es compartir los conocimientos adquiridos. Un nuevo proyecto en puertas consiste en brindar talleres de cocina accesibles, para que todos puedan ingresar a la cocina de Sabor Clandestino. “La idea es abrirnos a la sociedad en general y compartir ideas sobre cómo alimentarnos mejor a partir de nuestros productos, con base en toda la investigación y desarrollo que ya hemos tenido durante estos años.

En noviembre de 2021, Sabor Clandestino publicó su segundo libro. “Es importante transmitir todo este trabajo de diferentes formas: en libros, videos o talleres de cocina, en todo lo que se pueda. Esto suma a esta causa, que es dialogar a partir de la gastronomía”. Y con este nuevo menú, ofrece una oportunidad de repensar nuestras historias con una experiencia sensorial que nos ayude a conectarnos con los demás y con nosotros mismos. 

FOTOS: JUAN MANUEL GUZMÁN, NICOLE TORRES Y NADIA VEGA

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La fuerza del sonido inmersivo escénico

Solo 12 personas por función recibirá la temporada del 22 y 23 de julio de la Compañía Impresentable, con la obra ‘Inmerso y rojo todavía dulce’

/ 18 de julio de 2022 / 15:16

La Compañía Impresentable presenta Inmerso y rojo todavía dulce, una obra con sonido binaural para 12 personas con auriculares por función. Se trata de siete relatos envueltos en un híbrido de sonoridades contemporáneas contados por seis voces —Mariana Requena, Pedro Grossman, Bernardo Rosado, Marisol Díaz, Francia Oblitas y Luis Bredow— que los narran junto a imágenes y objetos irreverentes, grotescos o todavía dulces. La pieza se presentará el viernes 22 y sábado 23 de julio —a las 19.15 y 20.30— en El Gallinero, en Alto Sopocachi  (c. Juan Manuel Cáceres N° 2136 entre Jaimes Freyre y Jaime Zudáñez).

Para conocer más sobre el trabajo que realiza la Compañía Impresentable, ESCAPE conversó con los creadores del concepto artístico de la obra: Oscar García y Francia Oblitas.

—¿Cómo aplica la Compañía Impresentable el sonido binaural en Inmerso y rojo todavía dulce?

— Oscar García: Desde hace mucho tiempo, la manera en la que escuchamos, vale decir, como estando al centro de una esfera, ha intentado ser emulada, y lo sigue siendo. Desde el sonido monoaural, pasando por el stereo, el cuadrafónico, los 5.1, hasta muchos montones más de punto uno y, finalmente, el sonido denominado inmersivo, holofónico, atmosférico, binaural. Cada concepto es, por cierto, diferente, no son lo mismo, no designan a una misma forma de registro y reproducción del sonido. En la Compañía Impresentable, hace ya más de dos años, estuvimos desarrollando la idea de realizar narraciones sonoras que no fueran de decodificación semántica, vale decir, que carecieran de texto usando el sonido como signo, como fuente de información, como carga simbólica, como percepciones envueltas de emotividades. A estas piezas las llamamos ichostopeias, como creación sonora. Tiempo después y pasados los peores momentos de los encierros, decidimos producir varias ichostopeias con el aditivo de textos escritos por varias personas, bajo la temática de experiencias diversas en diversos encierros y tratarlos como ichostopeias, en las que se tengan dos narraciones trenzadas o paralelas, una semántica, la otra, estrictamente sonora. Para lograrlo, la escucha en dos canales no bastaría. Así que, al conocer las posibilidades envolventes en grabaciones y reproducciones del sonido gracias también a tecnologías desarrolladas para conseguirlo, trabajamos con Bernarda Villagómez, en Pro Audio, para producir las piezas que finalmente son las que en conjunto hacen la obra Inmerso y rojo todavía dulce.

—¿Cómo se hizo el tejido narrativo en la obra, que recurre a diversos relatos?

— Francia Oblitas: Si bien La Compañía Impresentable tiene un equipo base creativo, desde 2018 trabajamos con diferentes artistas invitados, dependiendo de la necesidad de cada propuesta. Hace bastante tiempo teníamos pensado trabajar con la escritura de un grupo de seis artistas de diversas fuentes narrativas, de esa manera invitamos a Sergio Gareca y Oscar Martínez de literatura; Marisol Díaz Vedia y Oscar García, cuyo asidero es musical; Laura Derpic y Francia Oblitas desde una visión teatral, para que escriban para la obra basados en el concepto del encierro y del sonido. De esta manera no es un obra teatral con una dramaturgia típica, más bien es un conjunto de seis relatos hilados cuya base es el arte sonoro, seis relatos que van desde la narración de situaciones concretas, personajes irreverentes o hasta lo poético y conceptual, con una propuesta escénica que bordea la teatralidad con objetos.

Autores. Esta puesta incluye textos de artistas que proponen en diferentes campos: Laura Derpic, Óscar Martínez, Sergio Gareca, Marisol Díaz Vedia, Oscar García y Francia Oblitas.

— Ante el bombardeo de imágenes actual, ¿es el desarrollo de la imaginación auditiva un reto mayor? ¿Cuál ha sido su experiencia al respecto?

— Oscar García: Uno de los componentes explorativos en La Compañía Impresentable es el sonido, el sonido como materia prima para sus múltiples posibilidades expresivas y comunicativas. El sonido en las artes escénicas, en los espacios, en las calles, el sonido de las calles, el silencio de los espacios, las voces, el sonido de los objetos, las lecciones de Raymond Murray Schafer, las lecciones de Cage, el oído de Tarkovski, el espacio vacío de Brook, nuestras palabras, la palabra cantada, la de Schoemberg, la nuestra, el sonido de cómo nos crece el dolor o las uñas. Todo eso y mucho más es parte integrante de las propuestas que construimos, ya sea que se compartan con un auditorio o que queden en proyectos en proceso. El sonido unido a lo escénico, no como teatro 100% teatro, si no como un híbrido interdisciplinario; sonoridad y teatralidad.

— ¿Con qué impresiones sale el público de las funciones? ¿Qué comentan?

— Francia Oblitas: Hasta la última temporada varias personas toman la opción de cerrar los ojos cuando desean para adentrarse más en el sonido y crear sus propias imágenes. Sabemos que el campo de la experimentación artística como apuesta, lo híbrido, se dejó de lado en los últimos tiempos para anclarse en lo conocido y seguro y sentimos gratitud de que el público reciba con interés estas exploraciones sabiendo que vienen a tomar ese riesgo junto a nosotros. Sabemos también que nuestras propuestas no buscan la complacencia sino la incomodidad, sabemos que es un riesgo hacer funciones solo para 12 personas debido a la tecnología binaural, pero apostamos por ello y al público le atrae también lo diferente, lo exploratorio. Varias personas han salido de la experiencia conmovidos por vivir un momento inmersivo que deja a un lado el mundo copado por la visual y el movimiento pleno. Frente a la búsqueda del exitismo actual, apostamos por ir hacia adentro más que estar pendiente del afuera, por eso nos llamamos “impresentables”.


La obra ‘Inmerso y rojo todavía dulce’ recurre en su puesta al teatro de objetos y a los sonidos binaurales

— ¿Qué sonoridades contemporáneas se han explorado y llevado a escena?

— Oscar García: Antes de conformar la Compañía y durante el 8vo Festival Boliviano de Música Contemporánea en la ciudad de La Paz se presentó una obra que más allá de la narrativa, desarrolló una forma de contar, en escena, con elementos del teatro, una historia que salía de la escritura rítmica para cuatro personajes compitiendo por un premio. Los sonidos producidos en unas pequeñas mesas que contaban con sensores, llegaban al auditorio a través de parlantes. Cada personaje tenía un banco de sonidos que dependiendo del golpe, de su intensidad, cambiaba aleatoriamente.

Al año siguiente y con una técnica específica llamada “palabra cantada”, incorporada por Arnold Schönberg, tomada en los importantes años 80 del canto uruguayo por Luis Trochón, la incorporamos como una especie de cimiento en la construcción sonora, en la obra Tanatologías, que ganó el premio a Mejor Obra en el Peter Travesí del 2019.

En medio de la pandemia, cuando ya se comenzaron apenas a retomar actividades en las calles, se realizó una obra para cuatro personajes contando una historia, con megáfonos, contando y cantando. Se la llevó a varias zonas de la ciudad de La Paz (Alturas para 4 megáfonos peregrinos).

Y ahora, estamos con la obra Inmerso y rojo todavía dulce, que plantea una mayor complejidad sonora y narrativa.

FOTOS: COMPAÑÍA IMPRESENTABLE

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