A escasos minutos de haber arrancado la película comienza a brotar la sospecha de que esta fue pensada, escrita y realizada calculando, con opinable honestidad, cómo poner atajo a la mínima tentación de observar cualquiera de sus aspectos so pena de ser puesto ante el pelotón de fusilamiento digital montado en las redes sociales, bajo la acusación de haber cometido el gravísimo pecado de incorrección política —dogma de la nueva profesión de fe atenida a un discurso rígido e “inobjetable”—, vertiendo agua helada sobre las, en gran medida, justas por cierto, alegaciones del #MeToo y corrientes afines.

Y no es que las atrocidades descritas, una y otra vez, por las mujeres que, cumpliendo a cabalidad con lo que manda el título del film no paran de hablar, hubiesen sido de menor cuantía. Es el modo recurrido para contarlas el que amerita más de una puesta en cuestión.

Baste recordar por lo demás que ya en los años 60 y 70 pareció quedar finiquitada la discusión acerca de si la temática abordada en una película, por muy nobles y revulsivas que fueran las intenciones impulsoras de su producción, era suficiente para conferirle un valor especial, sin interesar en absoluto el tratamiento propiamente cinematográfico aplicado para volcarla a la pantalla. De alguna manera, o de muchas, Ellas hablan reabre, sin el menor escrúpulo, el debate como si el medio siglo transcurrido desde entonces hubiese borrado con el codo lo escrito, discutido y concluido hace media centuria a propósito de las películas “de mensaje”, una de cuyas expresiones tardías pretende por cierto ser esta.

En 2009, un grupo de mujeres pertenecientes a la colonia menonita de Manitoba, situada en el departamento de Santa Cruz, a 150 kilómetros de la ciudad capital departamental, se atrevió a denunciar que en ese lugar más de un centenar de adolescentes, adultas e incluso ancianas habían sido ultrajadas durante años  por tíos, hermanos y vecinos de la misma congregación. Para perpetrar sus abusos, aquellos se valían de un potente somnífero, usualmente utilizado para adormecer a los toros antes de castrarlos. Este, en spray, se regaba en las noches por las ventanas al interior de las casas, inmovilizando a sus moradores, incluidos los perros. De tal suerte, las violadas no podían recordar lo sucedido ni reconocer a sus violadores, lo cual permitía que, recurriendo a  los paradigmas de los rígidos preceptos religiosos vigentes, los hechos fuesen atribuidos a los demonios. En 2011, las autoridades judiciales del lugar condenaron a 25 años de prisión a siete de los responsables y a 12 años al proveedor del sedante. Y en 2018, la escritora y actriz canadiense de ascendencia menonita Miriam Toews, basándose en aquellos eventos, publicó Ellas hablan, versión novelada de los mismos, que a su vez sirvió de base para el guion de la película homónima escrita y dirigida por su connacional, la actriz, cantante y realizadora Sarah Polley.

En el texto, así como en el film, la colonia ha sido rebautizada como Molotschna, y el relato arranca cuando una madre intenta salvaguardar a la hija de uno de los atacantes, las mujeres se animan a denunciar el hecho y tres hombres son detenidos. Enseguida, en un granero, ocho mujeres de diversas edades debaten a lo largo de 48 horas qué corresponde hacer, aprovechando la ausencia de los varones, en viaje a la población donde pretenden pagar la fianza que permitirá a los acusados regresar a sus hogares dos días después en espera del resultado del proceso.

Tres son las opciones puestas sobre la mesa: resignarse, como se espera que hagan; perdonando a los agresores, al fin y al cabo toda la culpa la tienen la imaginación pecaminosa de esos seres inferiores e irredimibles o Satanás; permanecer en el lugar para enfrentar de una buena vez por todas a quienes, en nombre de las reglas doctrinales, les han impuesto la subordinación absoluta a un sistema que reduce a la mujer al papel de esclavas iletradas; o mandarse a mudar aventurando salir al mundo circundante, totalmente extraño para ellas, que, por si fuera poco, solo se comunican en plautdietsch, primitiva declinación del alemán, ya fuera de uso, excepto en las introvertidas aldeas organizadas bajo un estricto sistema vertical sexista, y recluidas en los claustrofóbicos mandatos del teólogo Menno Simons (siglo XVI), la interpretación de cuyos textos está, en las comunidades donde rige el mentado fundamentalismo religioso, a cargo de los ancianos, recayendo sistemáticamente en la objetualización de las mujeres y en la atribución excluyente de los derechos al otro sexo.

En las deliberaciones tan solo interviene, digamos, un varón: August, granjero sin suerte, docente, convocado a levantar las actas, guardando silencio y recibiendo, siempre cabizbajo, las reprimendas, con o sin motivo, de ellas. Es el macho bueno del film, puesto que no encaja en el estereotipo de los hombres, malos por definición genérica, incluyendo los niños, exhibidos, en las pocas escenas filmadas fuera del silo, como potenciales monstruos fatalmente condenados a seguir las huellas de sus abuelos, padres y amigos. La timidez de August, quien mantiene una cercana relación, asexuada eso sí, con Ona, su forzada amabilidad cuando pide disculpas luego de ser apercibido, o las veces que se escabulle en el silencio, siendo que tenía ganas de expresar algo, su inmediata, fácil, satisfacción ante el más mínimo gesto de aprobación, termina reduciendo su rol al de atento servidor, que, daría la sensación, es el modelo recetado por Polley para zanjar las evidentes disparidades de género aún imperantes. 

Asistimos de tal suerte a un inacabable certamen retórico —de los 104 minutos que dura la película sobra un considerable porcentaje— más propio de una obra teatral que de un relato cinematográfico. Los argumentos a favor y en contra de cada una de las tres opciones mencionadas van y vienen con muy ligeros matices y en medio del consiguiente sopor uno comienza a identificar múltiples incongruencias. Por ejemplo, ¿cómo es que mujeres vetadas de tener acceso a cualquier instancia educativa, como reclaman las propias protagonistas, se expresan con semejante soltura oratoria y vuelo filosófico?

Otro caso: el de Nettie, quien afirma no haberse encontrado nunca cómoda en su condición de mujer y, por eso, después de haber sido violada por su hermano y abortar, resolvió cambiarse el nombre por el de Melvin, vistiéndose por añadidura de allí en adelante como hombre. ¿En qué lógica se sostiene que una fémina enclaustrada en el hermetismo social de ese entorno, encasillado en la restrictiva letanía ultrareligiosa, pueda optar por semejante mutación identitaria, y que ello sea excusado por aquel?   

La respuesta a tales contrasentidos es que en lugar de ser personajes con espesor propio, son tan solo monigotes parlantes a través de los cuales la realizadora expone sus propias tesis a propósito de la discriminación de género. Y eso, además, sostienen quienes leyeron los escritos de Toews, partiendo de un burdo planteamiento que el guion repite, dejando de lado cualquier asomo de referencia a las desigualdades raciales, socioeconómicas, culturales, geográficas, etc., y anotando todo el debe del balance de las inequidades del sistema a cuenta del determinismo biológico. Falacia esta última que lleva a otra pregunta: ¿ignorancia vaginocéntrica, mala fe, o simple y llana demagogia anclada en la seguridad de satisfacer a cabalidad las expectativas de cierta intelectualidad bienpensante?

A lo largo del grueso de la trama, el esquematismo del planteamiento hace que, no obstante, el continuo blablá, prácticamente, no dé paso casi nunca a un verdadero diálogo. Ocurre que al parecer en ningún instante le interesó a Polley poner el foco en un genuino intercambio personal de ideas o propuestas fundadas en las experiencias vitales de las protagonistas. Es más bien una sucesión de monólogos, con un descafeinado sabor testimonial, armados con la pretensión de dar vuelo a una fábula de pretensiones universalistas, no exenta del añejo sesgo de las ambiciones del capitalismo occidental o centrista al mostrarse propietario excluyente de todas las verdades y recetas válidas para encaminar el mundo hacia su inexorable destino. El dato, tampoco menor, de la deslocalización del lugar donde acaecen los eventos, no obstante, se dijo, haberse inspirado en noticias tomadas de la realidad pura y dura, refuerza tal impresión.

El empaque teatral de la puesta en imagen resulta acentuado por la iluminación y el encuadre de Luc Montpellier, jugando a un  preciosismo estético basado en la inmovilidad de la cámara y el recurso a una gama cromática de tonos apagados, muy próximo al sepia. Tal vez dicha opción aspiraba a subrayar visualmente la monotonía del diario vivir de esas mujeres, y/o a remarcar que indistintamente de su edad, apariencia o cualquier otra singularidad, todas ellas están de manera unánime sentenciadas a ese pasar agobiante, inmodificable, así transcurran los siglos. Sin embargo, sumándose al abuso en los diálogos, el referido estilo agrega su cuota parte al progresivo efecto somnífero que va apoderándose poco a poco de la narración, con el aporte también de monótonas tomas de iglesias vacías y cocinas igualmente deshabitadas.

Entre los escasísimos aciertos de la dirección puede anotarse la bienvenida abstención de la directora a regodearse con los detalles de los horribles ataques de que son víctimas las hembras, limitándose a mostrar en breves flashbacks las consecuencias de aquellos: muslos con hematomas, sangre en las sábanas, dentaduras quebradas, embarazos pese a la supuesta virginidad de las célibes, enfermedades de transmisión sexual (ETS) cuyo origen no se conoce y obliga a las afectadas a tratarse de manera clandestina, etc. Suficiente para ilustrar el espanto vivido por Ona, Nettie, Salomé y las demás acerca de cuyas historias quedamos, sin embargo, casi en ayunas, a consecuencia de la ya señalada, desorejada, obsesión de Polley por hacer de ellas representaciones metonímicas de un conflicto abundantemente explotado por los medios, sin haberse logrado avances significativos para ponerle fin.

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No obstante, la inverosimilitud de sus personajes, encasillados, se dijo, en un modo discursivo contrastante con la presunta procedencia de los personajes —a Polley le pareció suficiente reclutar a un grupo solvente de actrices, disfrazándolas de menonitas, para conseguir que el espectador se trague la píldora—, el elenco se las arregla para salir medianamente bien librado del envite, lo cual no estaba en absoluto exento del riesgo de no ocurrir, pero el esfuerzo desplegado consigue a momentos reencaminar la atención del espectador, siempre y cuando no hubiese optado ya por la siesta.

¿Y dónde desemboca el asunto? ¿Conscientes quizás sus responsables de la imposibilidad de proponer una respuesta contundente? acaba, según se sospecha terminará: mostrando a las mujeres de Molotschna en plena caminata hacia un destino desconocido. Algo así como sustituir el habitual “fin” con el aviso: “continuará”. Si así fuera resultaría muy recomendable el reemplazo de Polley y sus compañeros(as) por gentes no tan empantanadas en la narrativa simplista a propósito de una cuestión que no lo es en absoluto. A menos, claro, que el proverbial despiste de quienes nominan las candidaturas a los Óscar, calculando en cómo no exponerse a ser zarandeados por la ideológicamente, por muchos motivos, tramposa “corrección política”, o en la manera de alcanzar la unanimidad crítica, antes que detenerse a evaluar en serio —si tal cosa se encuentra a su alcance—, el genuino valor cinematográfico de lo que se está galardonando, termine por avalar oblicuamente el esperpento.

Texto: Pedro Susz k.

Fotos: Internet

Ya entrando en otro asunto, hay gente que no termina de nacer, por alguna razón, no termina de llegar a la vida. A veces son ancianos que han envejecido en sus oficinas teniendo como única nave su escritorio y han naufragado en dos metros cuadrados sin salvación alguna. A veces son, en el caso inverso, pequeñuelos que el destino no permite que toquen siquiera la tierra y cuyas bocas no se han abierto nunca para el lenguaje.

Los primeros se van porque sí. Pero algunos de los segundos no se resignan a quedarse en el umbral de la existencia. 

En aquel hospital solo se oían por las noches llantos de bebés fantasmas y, desde luego, había que jugar con ellos, porque, si no, con estrategia de pavor, podrían ir por el pueblo recordando a los demás qué es estar vivo y dotar al gentío de un saludable temor a la muerte.

La inocencia de aquellos, que no tuvieron oportunidad de cometer pecado, era totalmente intuitiva. De cuando en cuando, como enfermos de un mismo recuerdo, lloraban creyendo que al fin habrían nacido. Y allí estaban las tres señoras haciendo de madres para las almas perdidas. Haciendo de nodrizas para angelitos y no nacidos.

Las enfermeras del hospital eran tres gentiles y buenas personas que sabían sanar las enfermedades del cuerpo para los vivos en el día y las almas de los niños desafortunados por las noches.

Al llegar a la puerta del hospital, los escarabajos rojos dejaron al bebé en el piso cuidadosamente, y, todos juntos, golpearon la puerta del garaje metálico, lo que ocasionó un tamborileo que felizmente no despertó a la angelita.

Pese a la increíble prisa, la niña estaba envuelta en magníficas frazadas. Las arañas habían tenido cuidado en tejer las más finas mantas y tules, cooperándose juntas, poniendo empeño en sus duchos pedipalpos y quelíceros, la aplicada visión de sus múltiples ojos para las abrasiones, los aprestos y cavados: todo el afán en los multifilamentos, tricotados, punciones y encajes, en la urdimbre, tramas, contra hilos y rellenos. Asuntos que solo las arañas maternales conocen y practican antes de que sus propios hijos se las merienden.

Al verla toda hermosa, las enfermeras la recibieron muy conmovidas. Les extrañaba mucho el peso de la niña y los definidos colores de su rostro, la tibieza de sus mejillas, el aura caliente de su cuerpo, su respiración calmada y profunda, sus ojos cerrados.

—Wow, es el primer bebé vivo que hemos cuidado.

—Wow—, también dijo un perro que por allí pasaba.

—Los demás bebés se pondrán celosos.

—Es probable.

—Pero habrá que probar y apiadarnos de esta alma maravillosa que puede seguir su curso natural, vivo, me refiero.

Mientras ellas debatían con ternura en el idioma de los hombres, más propiamente en el idioma de las mujeres; los soldados de la tierra, los rojos escarabajos, saludaron haber cumplido su misión y partieron a los anchos pajonales del altiplano a contar su travesía y seguir con sus peligrosas peripecias de vuelo.

Aquellos pequeños niños fantasmas, que mal pudiéramos decir recién nacidos, no podían distinguir si Cecilia estaba viva o no, porque ellos solo podían ver el alma, tan inocente como la de ellos. Mediante ella iba creciendo, jugaron sin juzgarse ni temerse.

Como en el caso de los chicos que, descuidados por los padres, salen al patio y tienen de amigos a los misteriosos duendes, sin saber que ellos no son otros infantes; en la circunstancia inversa, ellos no se enteraban de que Cecilia era una niña viva y la cuidaron durante los primeros años de su infancia.

Jugaban, por ejemplo: A cantar en el ulular de la pampa, al carnaval de los animales, al mercadito de ropa usada, a ¿Quién le pone luz a la flor?, a los indios y wakeros, enterrando y desenterrando cerámicas antiguas de los chullpares. Pero el juego preferido era poder bailar con Lunor, el perro imaginario.

Todos ellos eran una gran familia. Cecilia era feliz, pero creció y empezó a preguntarse por qué sus hermanitos no, por qué todos en el pueblo eran diferentes.

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Texto: Sergio Gareca

Fotos: Secretaría Municipal de Cultura de Oruro

En 2022, Pacífico, una obra dirigida por Samadi Valcarcel, gana el premio “Raúl Salmón” a mejor obra. El reconocimiento, lo sabemos, es el más importante de La Paz: podemos decir, entonces, que es esta la mejor obra, sin lugar a dudas, producida en esta ciudad durante dicha gestión. Para mí, que vi la obra rodeado de niños pasándola bien, me pareció de inicio una obra infantil. ¿Puede la mejor obra de una ciudad ser una obra infantil?, ¿por qué un jurado de adultos premiaría algo que no está hecho para ellos? Justamente, porque Pacífico no se contenta con ser una obra infantil de las que normalmente se hacen en la ciudad: no tiene una moraleja. No solo entretiene, sino que piensa y te ayuda a pensarte: quizás en el caso de los “hombres” más radicalmente, pero yo diría que a todo ser humano. Porque si algo enseña esta obra infantil es a poder vivir nuestro cuerpo en su totalidad, en todos sus deseos, como espacio de goce (minado de placer). Es una obra, sin dudas, apta para niños, pero sobre un tema que nos atañe a todos y que a veces pensamos poco infantil: la sexualidad.

Un tema que pensamos poco infantil, pero que lo es: la sexualidad es para todos. Porque como demuestra con claridad Pacífico es algo que, desde muy pequeños, nos rodea en los discursos sociales que cotidianamente nos repiten y nos repetimos. Las historias que muestra la obra son claras: para el abuelo del personaje interpretado por Jorge Barrón bailar salsa es algo poco masculino, solo hay que saber bailar un poquito “para conquistar a las chicas”, bailar por otra razón sería un gesto de femineidad. Y aunque su cuerpo ame el baile, lo desee, su sexo (para el abuelo) le prohíbe ese goce: lo marca con la vergüenza. O porque, como dice el personaje interpretado por Darío Torres, si uno se acerca a un hombre muy amistosamente, incluso siendo niños ambos, aparece el adjetivo “maricón” para decirte: “eso está mal”. Y esto empeora a cierta edad, la retratada en esta obra y el espacio donde estos dos hombres se conocerán y enamorarán sin saberlo y sin aceptarlo: la que para la mayor parte de los adolescentes bolivianos está marcada por la “premilitar”, ese ritual de paso que te convierte en “hombre de guerra”.

Pero no es solo por la urgencia de hablar de sexualidad en La Paz que esta es la mejor obra de 2022, sino porque es una obra consciente de estar dirigida a un doble público: el infantil y el adulto. Consciencia que le permite estar codificada en un doble nivel a partir de un alto contenido simbólico. Así, no es una sobrelectura que, cuando Darío hable de cómo cuando es joven, la primera vez que tiene que competir con otros hombres es midiendo sus vellos púbicos, el adulto pueda imaginarse que esa competencia pronto migrará a medirse los penes, medir los trabajos, medir las mujeres, y esa poco sana obsesión que parece rodear al hombre en Occidente. Más allá, el final de la obra muestra a Darío y Jorge que, tras un beso, finalmente, sincero y directo, se tiran espuma y se mojan con chisguetes. El gesto festivo se traslada a detrás del barco de papel que marca toda la obra desde el fondo del escenario: ahí vemos solo sus sombras tirándose estos líquidos y donde el niño solo entiende fiesta y goce, el adulto ve en el gesto el precedente de la eyaculación. Ambos públicos entienden, entonces, cosas ligeramente distintas, según el nivel de comprensión; sin embargo, todos lo pasan bien y todos salen con ganas de buscar sus propios deseos y, utópicamente, con menos ganas de meterse en el deseo ajeno.

Quisiera acabar con un apunte sobre una escena preciosa que está un poco más allá de la mitad de la obra. Darío y Jorge se ponen sobre las cabezas barcos de papel gigantes, la música (que en toda la obra brilla por su certeza), los va guiando; los vemos perdidos, sin saber a dónde los guía. Sus cuerpos, además, se muestran descoordinados y con movimientos mecánicos. Una lectura es que el barquito es el machismo que los ciega y no los deja llegar a buen puerto, es cierto. Pero también, y a contrapelo, podemos leer la escena como una metáfora de quien busca su propio deseo, en un mar de confusiones, donde es forzado a ir o venir, donde no tiene el 100% del control sobre lo que va sucediendo. El mar puede llevarte a lugares que te gustan o que, por el contrario, te generen displacer. El mejor marinero parece, entonces, quien ni se deja llevar del todo, pero quien sabe que no puede controlar cada detalle del itinerario. Es aquel que, finalmente, podrá decir con cariño “vos también me haces dar ganas de bailar salsa” y, tomada la decisión, adaptarse al ritmo de la música…

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Texto: Camilo Gil Ostria

Fotos: JHEREL CHUQUIMIA

ch’enko total

Ahora que veo las fotos del concierto Camote, ahora que transito el tole tole, ahora que viene el vacío del posparto, ahora que llega el ch’aki fulero y ya no sabes dónde meter tantos versos flotantes, qué hacer con la guitarra que suena sola, con el insomnio de aplausos, ahora que esta soledad yede, siento que es una vaina no poder llevar este concierto por escenarios de Bolivia. No hay kibo, cirilo. No se puede. Las entraditas no alcanzan.

Tenía la sensación de estar repitiendo canciones desde hace unos seis años, unos 12 temas que siempre iban, el primer seco de este ch’aki fulero fue sacar esas canciones y salir de la zona de confort, del éxito seguro. Era como extraer un pedazo de mí y poner otro. ¿Y cuál era ese otro pedazo? Se trataba de medio concierto, no era chiste. ¿Estrenar canciones? Solo eran dos, compongo poco. Revisar canciones raritas… hummm, creo que ya lo había hecho alguna vez… Allí vino el segundo seco de este ch’aki fulero: decidir hacer el concierto con mis canciones de amor y desamor, rollos de pareja que me acontecieron en estos 44 años como cantautor.

Entonces llegaron los recuerdos con su baldazo preciso. Apareció Signos, una canción que grabé en 1998 y que nunca más canté. “Hay asuntos planetarios que nos separan/ entorpecen sus apuestas en medio de nuestro beso/ y los anillos de Saturno nos hacen pisar todos los charcos a su turno…”, comienza en recitada. Me costó aprenderla de nuevo, recordar el motor vital, el primer impulso de aquel amor metepata. Fue buena idea empezar así el concierto. Surgió Mi compañera, emocionante escuchar la voz de aquel joven veinteañero cantándole a la dama de sus sueños. De pronto llega Eugenia, aquella chilanga que me movió el piso, una güerita pequeña de tamaño… (pero con una delantera parecida a la del Tigre 1971, se mete el Papirri con su voz de ch’aki fulero). Allí nació el seco tres: la idea de las dos voces, la protocolar y epistolar del Manuel versus la desgarrada y medio torpe del Papirri. Había que anotar lo que ambos decían, más aún en épocas de alta susceptibilidad, creamos un guioncito. No salió tan bien por falta de ensayo en la sala y coordinación con las luces. Teníamos tres horas para montar todo el espectáculo. Entonces apareció La Necrológica, un bolero de caballería que había quedado mudo en un vinilo, no tenía cómo compartirla con los músicos, canción jodida de 1990 que relata el entierro del amor, y termina diciendo: “porque amores verdaderos, futuros velorios son”. Sonó muy bien. Cuarto seco.

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Sirwiñacu… la había cantado una vez en el 2003, en cuanto a Licona, del mismo disco Cara Conocida, un bolero en mi bemol bastante  complicado, salió full jazz. Entonces apareció la Décima vez, refrescando el programa, más el estreno de Te vas, un corrido cortavenas que decidí cantar con el sombrero de mariachi de mi papá que se salvó de 15 traslados y un exilio, aquel sombrero que compró en el peor momento del destierro mexicano con ese gesto de reírse de la vida cuando se ponía en blanco y negro. Quinto seco. Llegaron los mix finales. Mix de tres cuecas para chupar: Ingratitud, Celos, El tigre del Pueblo. Apareció el gran David Portillo —que cada vez canta mejor— con sus Polvos del olvido, el mix de morenadas, el mix de huayñitos con Hasta Ahurita y el Nuna se encendió de bailes, cinturita, orejitas. Así terminamos, bailando los amores y desamores. Sexto seco.

Me queda ahora —en este ch’aki fulero rojizo con las cuerdas de mi garganta ardiendo— agradecer a los que apoyaron Camote. Gracias a mi amigo Astroboy que me bancó un par de meses de preproducción en el armado angustioso del programa. A Mauricio Muñoz y María Sanzetenea, por sus tardes pacientes escuchando y seleccionando decenas de mis canciones. A Segalez, guitarrista, compositor, joven hermano del alma que me acolita en estos afanes, a Panchito Rocha por lidiar con las tensiones detrás de escena, a Nelson Lima por estrenar el teleprónter aunque sea a medias, a Heber Peredo por sus teclas maravillosas. A la siempre profesional y buena amiga, la cantante Diana Azero. A Mauri Cardona e Inti Medina, que conmigo hacen el trío cochala, gracias por los ensayos jodidos, por las idas y vueltas. Gracias a Kicho  Jiménez por su zampoña rebelde. A Elisa Canedo, cantante chapaca que iluminó la noche, a los bailarines del ballet Carazas. A Iris Mirabal por la producción del evento. A La Razón, gracias por el apoyo. A Banco Unión que nos apoyó por primera vez con la llegada de los cochalas a La Paz. A la Embajada de Brasil, que nos ayudó con el alojamiento de los músicos. Gracias al Reneco, al Luisda  y al Oso del Teatro Nuna. Gracias, gracias al público paceño que abarrotó el teatro. Bien nomás le hemos cascado.

Pa ques decir. Seco final.

Autor: El papirri: personaje de la Pérez, también es Manuel Monroy Chazarreta