Sunday 19 May 2024 | Actualizado a 22:36 PM

Cuánto te quieren tus amigos, Ramón

/ 24 de diciembre de 2023 / 05:58

El Palacio Portales de Cochabamba sirvió como escenario el viernes 15 de un lindo homenaje al escritor Ramón Rocha Monroy

Ramón Rocha Monroy ha aprendido a estar en silencio. Sin dar sermones, ni respuestas. Como Hemingway, tiene el rostro de un viejo lobo de mar. También podría pasar por un actor consagrado a los pies del Partenón. Se sienta en la primera fila en la noche de su homenaje —parsimonioso, enorme, como una montaña—para que esta noche todos lo veamos. Ramón, padre de piedra.

Rocha Monroy aplaude despacio —sin hacer ruido— las canciones que le dedican con tremendo amor. No quiere salir a bailar cuando “Chelita” lo invita al centro del salón de honor del Palacio Portales de Cochabamba. Esta noche hemos venido de lejos para cantar y celebrar. Y si cantamos y celebramos es porque Ramón se ha perdonado a sí mismo.

Decía Gabriel García Márquez que escribía para que lo quieran más sus amigos. A Ramón cada día los amigos lo queremos más. El salón del palacio que nunca habitó Simón Iturri Patiño luce repleto. Nadie lo anuncia como rey, pero sobre las seis y media de la tarde (con hora y media de retraso) entra, como monarca vikingo, el homenajeado. Saltan los flashes de los fotógrafos de prensa, saltan los amigos para abrazarlo, saltan los recuerdos. Ramón apenas esboza una sonrisa, una mirada perdida. “No voy a aguantar diez horas de homenaje, voy a aguantar once”, me dice/susurra en confianza.

Ramón Rocha saluda a quienes llegaron para brindar textos sobre el autor.
Ramón Rocha saluda a quienes llegaron para brindar textos sobre el autor.

En la entrada de la magna sala tapizada con seda damasco y chimenea de mármol blanco (donde pasara una noche Charles “La jirafa” de Gaulle) la editorial Quipus vende la obras de Ramón, tiene más de 60 publicadas. Afuera, en los jardines japoneses —cerca de la ninfa y su fuente— la biblioteca del Centro Patiño se está desprendiendo de libros (todos lo que no son bolivianos) y remata verdaderas joyitas a cinco pesitos, precio de gallina muerta. Ni siquiera les han quitado el código bibliotecario. Veo y me antojo de “Tradiciones peruanas” de mi tocayo Palma. Me llevo, con sentimiento de culpa, una deliciosa novela corta del gran Stefan Zweig, “Veinticuatro horas de la vida de una mujer”. ¿Puede un centro cultural despreciar ignominiosamente así a la cultura? Si el “barón del estaño” levantara la cabeza…

La mesa está servida. Ramón se sienta en una esquina. A su lado, Xavier “Basura” Jordán, el que esto escribe, el presentador Alex Aillón Valverde y el librero Isaac Kukoc (ambos llegados en la mañana desde Sucre), la poeta Vilma Tapia y el escritor Gonzalo Lema. No ha llegado el “Soldado” Terán Cavero aunque (me dice Vilma) que don Antonio está más joven que nunca con sus 90 años.

La maestra de ceremonias de toda la tarde/noche será Alejandra Carranza. Su editorial artesanal Mefistofelia (que tuvo su antecedente con el fanzine Cien de Cien) ha publicado obras de Ramón como El run run de la calavera, Pedro y María, La sombra del Tambor y Ando volando bajo. Estamos todos, lectores y amigos, que para el caso es lo mismo.

El coloquio/soliloquio lo abre —a petición propia— el “Basura”. Su hijo se gradúa esa tarde y tiene que volar. Lee un texto —una carta de amor disfrazada de semblanza— que ha publicado el domingo anterior en el periódico Los Tiempos. (Nota mental: los sábados en Cochabamba son los días más tristes del mundo; ni el citado diario ni Opinión salen ese día. Mi casera de la plaza Colón no está). “Los feligreses de tu vida, amistad y obra estamos felices de verte/abrazarte”, dice Jordán antes de leer.

“Desde esa infancia mía que cada vez se me presenta más distante, el Ramón aparece como el gran amigo de mis viejos, de los hermanos de mis viejos, el amigo familiar protegido por la abuela matriarca, el protagonista de innumerables anécdotas contadas en las cenas navideñas y hasta el legendario casi futuro exmarido de la tía que todos siempre tenemos. El Ramón es la familiaridad y la memoria de la familiaridad, una huella más en la búsqueda de la pertenencia”. Jordán dice lo que todos pensamos: Ramón ha transfigurado de escritor a santo y seña de una ciudad/departamento particular como Cochabamba, el más cholo (a mucha honra) de Bolivia. Es el “Ojo de Vidrio”, es una leyenda viva. Algún día se levantará una estatua en algún parque de su querida Llajta. (Nota mental dos: ojalá se parezca harto al honrado, no como la escultura que tiene Urzagasti en el Montículo de Sopocachi en La Paz. Y que la placa diga: “A Ramón, el cronista de la gente”). 

El homenaje transcurre serio y solemne como el lugar que lo acoge. ¿No hubiésemos estado más a gusto en el Teatro al Aire Libre del Patiño? Donde manda patrón, no manda marinero. Si algo nos ha enseñado Ramon Rocha Monroy es a huir de lo acartonado y ceremonioso. Ramón lo hizo en el terreno más difícil: la literatura nuestra. Palabras mayores. El humor, la exageración, lo popular (con parada hedonista en la rica gastronomía criolla), lo cotidiano nunca jamás fueron materia de negociación para Rocha Monroy. El run run, tampoco.

Cuando me toca hablar, leo el perfil que publicó esta revista hace un año. Y ante las autoridades presentes de todo tipo de pelaje reclamo: “creo sinceramente que Ramón es el mejor escritor boliviano vivo. ¿Cómo es posible que tenga libros inéditos? ¿Cómo es posible que ni las editoriales privadas ni las instituciones públicas culturales no hayan publicado hasta ahora sus obras completas teniendo en cuenta que algunos de sus libros de cuento son inencontrables?”. Trato de no decir malas palabras, pero me sale espuma. De yapa, me paso del tiempo.

Tapia Anaya, la dulce Vilma, llega para calmar tempestades. Recuerda un viaje a Madrid en 1999. Un evento en Casa de América (en otro palacio como el Portales, el Linares) la junta a ella con Ramón, Homero Carvalho, Paz Padilla y Eduardo Mitre. Vilma rememora un abrazo (otro abrazo) de Ramón con el mexicano Monsiváis y una escapada a Toledo de toda la delegación. “Entre las calles de la Toledo visigoda y cuadros del Greco como El Entierro del conde de Orgaz en la iglesia de Santo Tomé, perdimos a Ramón; nos volvíamos a Madrid con su asiento vacío en el bus. Entonces, de repente, apareció con dos espadas medievales, una armadura y varias latas”. De aquellos fantasmas arrebatados, de aquellos caballeros andantes, de aquellos locos con alma bendita, nacerían personajes de la obra de Rocha Monroy.

El librero Isaac Kukoc Paz (de la LIBRE-ría de la calle Dalence de Sucre) es el tercero en hablar. (Nota mental tres: el también psicólogo se ha llevado por cinco pesitos dos libros de los saldos del Patino: La historia de un bastardo: maíz y capitalismo de Arturo Warman y Lo siniestro de Sigmund Freud). Kukoc Paz arranca con una frase que me deja pensando: “En la sublimación y la catarsis, Rocha Monroy transmite el malestar de la sociedad, una sinfonía de desvaríos plasmada en obras que nos enfrentan a nuestra propia locura”. Ramón es un loco lindo que nos mira desde el espejo.

“Mas de diez Ramones se han develado ante mí a lo largo de las lecturas”, dice Kukoc. ¿De cuántos colores es Ramón? Dicen que Boris Vian —uno de los escritores fetiche del homenajeados— vivió mil vidas. Rocha Monroy es un “sátrapa trascendente” a la cochabambina. Y también tiene mil caras: gastrósofo, letrista de boleros y huayno-rumbas, inventor de “metafísicas populares”, ciclista de ciudad, biógrafo de boxeadoras, maoísta devenido en masista, respondón, guitarrero, abogado, cortazariano, hedonista, galán, blusero, megalómano, cronista, novelista, cuentero, buen tambor, diplomático, subcomandante Hamlet, remedio contra el hastío, encendedor de chispas, pícaro y picarón.

A su turno, “Chaly” Lema se para para hablar. Debe ser un “tic” de su época de concejal por el MAS. Se acuerda del Ramón profesor/docente, de su chispa/pólvora encendida, de su novela Potosí 1600, de la invención de la salteña, de su mirada diversa y amplia. Los reconocimientos oficiales cuelgan medallas. El pecho de Ramon tiene más medallas que las que tuvo su padre militar, don Sixto César Rocha Bergara.

En el programa que ha preparado su hija Raquel dice que toca el “Papirri”. Pero los chicos del teatro (El Duende) toman la delantera. Ha llegado desde La Paz en un vuelo matinal el trío calavera: Cristian Mercado, Pedro Grossman y Erika Andia. Acompañados en la parte musical por Alejandro Viviani Gutiérrez, el capo de los teclados. Van a escenificar la obra Escenas ramonezcas (basada en la novela realista/mágica El run run de la calavera). La pieza tiene 27 años, pues fue puesta en escena bajo el título de De nichos y chicha, con la dirección de Percy Jiménez (ausente esta vez, como Tamara Scott, la otra actriz del elenco).

Las luces se apagan y nos quedamos a oscuras. Los muchachos gritan “mierda, mierda” antes de entrar al salón desde los balcones donde alguna vez fumara un pucho el general De Gaulle, al que era fácil seguir la pista siguiendo la hilera de sus colillas. El día que se pierda Grossman, será también fácil de encontrar con el mismo método. Erika Andia ha traído las máscaras con las que se interpretó la obra por primera vez. Grossman vuelve a hacer del “Tata” Néstor y Andia es otra vez la “ñatita”. Es lindo saber que cuando lleguemos al cementerio, los viejos amigos saldrán a nuestro encuentro para volver —en Todos Santos— al mundo de los vivos. Y terminar todos en el velorio del “Tata”. La obra reflexiona sobre la muerte; la “parca” es un “leit motiv” en la obra de Ramón. ¿Cómo aprender a morirse? Aprendiendo a vivir”. Hacer las paces con la vida a través de la muerte.

A las ocho y media de la noche, el teatro da paso a la música. Grossman confiesa que ha tenido en sus manos 10 ejemplares distintos del “run run”. Los ha ido perdiendo/regalando a lo largo de los últimos 30 años.  Manuel Monroy Chazarreta sube a escena. Lee un texto hermoso, El olvidado. Es sobre su otro abuelo, Manuel. Luego le dedica a su primo hermano Ramón el Bien le cascaremos.

Manuel Monroy Chazareta y Willy Clare estuvieron en este homenaje.
Manuel Monroy Chazareta y Willy Clare estuvieron en este homenaje.

En los balcones, más tarde, recordará los años de exilio compartidos en México cuando se disfrazaban de mariachis y chupaban sin asco en el legendario bar Tanampa de plaza Garibaldi junto a Yolita y el tío Germán.

El “Papirri”, en medio de todo el lío, hace una confesión. Muchas de sus famosas “metafísicas populares” no son suyas, son del primo hermano Ramón. Como esa que me gusta harto: “Escucha pues el minuto de silencio”.

En el turno de Willy Claure suena Palomitay y Cantarina y todos cantamos: “viviría abrazado a tus encantos”.  Y lo dejaríamos todo siempre para que Ramón venga a nuestro encuentro. La sorpresa emotiva del tributo en vida es un video familiar de casi todos los hijos, nietos y carnales. Es un mensaje de amor. Ramón se emociona ¿Piensa para dentro “misión cumplida”? “Te queremos hasta el infinito y más allá”, dice una de sus nietas, conmovida. Después, escuchamos un mensaje que ha mandado desde La Paz Fernando Molina, anunciado en el coloquio pero ausente a última hora. Molina destaca la prosa fluida y suculenta, magnética y graciosa, coloquial y desfachatada de Ramón. Una prosa, dice, profundamente boliviana y universal. Ramón está en el parnaso de todos los poetas. “Su mayor legado es habernos impulsado a muchos a escribir en boliviano”.

La última media hora es territorio del Ensamble Run Run, con trombones y cornos. Al escenario sube media docena de músicos, dirigidos por el maestro de orquesta, Nicolás Suárez Eyzaguirre. La primera canción es un “blues” poderoso (Sin mí, del propio “Nico” que baja para abrazar al escritor. “Él me hizo escuchar por primera vez The Mamas and the Papas”.

También puede leer: La creatividad como herramienta transformadora

Willy Clare
Willy Clare

Luego sigue una de las canciones favoritas de Ramón: Hit the road, Jack de Percy Mayfield (y famosa por la interpretación de Ray Charles). En la historia de su vida, Ramón siempre estuvo con las maletas listas para emprender camino. La desgarradora voz de la joven Vivian Cardozo hace mover los pies a Ramón que aguanta en la primera trinchera. Manuel Cruz Rocha -a las congas- le dedica una composición parida para la ocasión. Es “Querido Ramón”. Es un bolerito candombe. El sabroso postre es una canción del propio Rocha Monroy: “Devuélveme la piel”, un huayno-rumba, un canto a los amores desairados. La canta una vieja amiga: Estela “Chelita” Rivera Eid, que no puede sacar a bailar a Ramón. 

El politólogo Fernando Mayorga extraña otras canciones escritas por el “Ojo de vidrio” como Cueca brava.  Y luego me comenta: ¿has visto como se parece el Luis Oporto de la Fundación Cultural del Banco Central al Alfredo Medrano, el gran cuate de Ramón? Mayorga quiere imaginarse que muchos de los que no han podido estar en el Palacio se han dado maneras para estar, incluso los muertos, los amigos más fieles.

Durante tres horas y media de tributo, Ramón no tomará nunca la palabra. Permanecerá en primera fila, inmóvil como una montaña. Cuánto te quieren tus amigos, padre de piedra.

Texto y Fotos: Ricardo Bajo Herreras

EL REGRESO Los trazos de José Ballivián

El artista paceño presenta una selección de dibujos en Kiosko Galería de Santa Cruz

Los trazos de José Ballivián

/ 19 de mayo de 2024 / 06:58

—¿Qué hará Quilco en la vida?” —él respondió resuelto: — ¡Nada!

Y tornó el camino de regreso, entregándose a los brazos abiertos de su solar nativo. Surcó con pies recios el lomo de mar endurecido de la pampa, se peinó la cabellera con el viento y aplacó su sed en el arroyo tímido. Se santiguó con la cruz de los cuatro puntos cardinales y se santificó con el aire de las cordilleras. Se envolvió de pampa y se puso frente al horizonte, camino de su hogar. Entonces el asno le mostró su fatiga y la majada le contó los secretos de la pastora.

Y cuando Quilco se hubo reintegrado a sus campos, puso las manos en los hombros de su padre y le habló en aymara:

—Tatay me he regresado…

Fragmento final del cuento ‘Quilco en la raya del horizonte’ de Adolfo Cáceres Romero

La reflexión sobre lo mestizo implica una definición de raza, una combinación que se ha producido en Bolivia antes de la llegada española y que tuvo un impacto político por los privilegios que gozaban los españoles y sus hijos durante la así llamada colonización.

Las reivindicaciones raciales, de alguna forma fracasadas durante la revolución de 1952 en Bolivia y los grandes esfuerzos políticos de este siglo por darle presencia a algunos grupos hasta entonces marginados, generaron propuestas estéticas que no solamente repiensan la idea de igualdad ante la ley, sino que también reivindican sus expresiones estéticas y, en algunos casos, como los de Adriana Bravo, Iván Cáceres y José Ballivián, entre otros, estiran esta reflexión hasta lugares que si bien transgreden los márgenes de lo políticamente correcto, son una inevitable muestra de la expresión cultural de una Bolivia actual, responsable por una condición social en la que los flujos comunicativos ponen en permanente diálogo lo local, popular y andino con los dejos producto de la imparable invasión global. 

También puede leer: Festín de sinfonías sacras del barroco indígena chiquitano

Esta muestra titulada El Regreso, inspirada en el cuento Quilco en la Raya del Horizonte de Adolfo Cáceres Romero, sugiere un retorno a una práctica tradicional y a una representación normativa como lo es el dibujo de José Ballivián, pero que se distingue y se diferencia por las temáticas que presenta y en las que se pone en tensión combinaciones culturales poco ortodoxas y en muchos casos políticamente incorrectas.

José Ballivián reflexiona sobre las múltiples capas que conforman la identidad nacional.

La selección de dibujos de distintas épocas conjuga un cuerpo de obra que se enfoca en lo así definido como mestizo, pero que simplemente implica la visibilización de ciertos grupos que consiguieron combinar con éxito visiones transversales sobre lo boliviano.

*El artista José Ballivián expone una selección de dibujos del 2013 – 2024 en la exposición ‘El regreso’ en Casa Melchor Pinto (con la colaboración de Kiosko Galería) de Santa Cruz. La muestra permanecerá abierta del 26 de abril al 2 de junio.

PERFIL

José Ballivián nació en La Paz, Bolivia. El artista visual estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas, como la 57a Bienal de Venecia en Viva Arte Viva, en el Pabellón de Bolivia (Venecia, Italia); Bienal Sur (Buenos Aires, Argentina), Bienal Conart (Cochabamba, Bolivia), Bienal Siart (La Paz, Bolivia), Museo de Arte Contemporáneo MAR (Buenos Aires, Argentina), Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino + Macro (Rosario, Argentina), Museo de Bellas Artes (Salta, Argentina), Museo Emilio Caraffa (Córdoba, Argentina) y el Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro (Tucumán, Argentina), entre muchos otros.

Texto: Douglas Rodrigo Rada

Fotos: José Ballivián

Temas Relacionados

Comparte y opina:

Máncora Restaurant & Bar: Los sabores del Perú, en Sopocachi

restaurante y bar Máncora

Por Fernando Cervantes

/ 19 de mayo de 2024 / 06:47

Crónicas gastronómicas

Máncora es el nombre de una de las playas más bonitas del norte del Perú, caracterizada además por tener un agradable clima cálido los 365 días del año. Antiguo pueblo pesquero, tuvo entre sus visitantes nada menos que al laureado escritor norteamericano Ernest Hemingway, quien anduvo por esos lares allá por el año 1956.

En la ciudad de La Paz, Máncora es el nombre de un nuevo restaurante situado en el barrio de Sopocachi, en el tercer piso de una antigua casona que cuenta con una calurosa terraza en la cual se puede disfrutar de una extensa carta que incluye variedad de ceviches, aperitivos, arroz con mariscos, chaufas y también platos para compartir, como piques o milanesas de la casa. Las especialidades peruanas —como el chupe de camarones, el lomo saltado o la jalea de mariscos— también dicen presente en este menú, pero evidentemente el protagonismo lo tiene ampliamente ganado su barco marino, que trae a bordo platos como el arroz dulce con camarones, jalea de mariscos, ceviche de trucha, ceviche de mariscos, cóctel de camarones, arroz chaufa de pollo, chaufa de mariscos, chaufa de carne, ceviche de camarones, salsas y canchita con chifles. El barco para seis personas está 350 bolivianos y para cuatro personas, a 250.

Algo interesante de mencionar es el amplio horario en el cual este restaurante abre sus puertas, pues se puede visitardesde las 10 de la mañana hasta las 10 de la noche los días de semana y el fin de semana la cocina está abierta hasta las 4 de la mañana.

Máncora Restaurant & Bar

  • Dirección: Av. Sánchez Lima # 2201, 3er nivel. Sopocachi.
  • Reservas: 72009685       
  • Rango de precios: Bs. 24 (empanadas de choclo y queso) a Bs 350 (Barco marino para seis personas)    
  • Producto estrella: Barco Marino. 
  • Horario de atención: Lunes, martes, miércoles y domingos, de 10.00 a 22.00. Jueves, viernes y sábado de 10.00 a 4.00 del día siguiente.

Peter Pablo es el propietario

restaurante y bar Máncora

También puede leer: La Crêperie

Contáctenos:

Fernando  recomienda, Fernandorecomienda @fernandorecomienda,  Correo: [email protected]

Texto y fotos: Fernando Cervantes

Comparte y opina:

Nación Menotti: Un espectáculo para pensar

El 5 de mayo falleció el entrenador argentino César Luis Menotti, Julio Peñaloza recupera un texto que hizo sobre la visión de este estratega

Por Julio Peñaloza Bretel

/ 19 de mayo de 2024 / 06:45

Pep Guardiola se convirtió en la confirmación de todo cuanto César Luis Menotti pregonaba desde los años 70 sobre el juego a partir de una militancia, de una visión del mundo. Definió que el catalán era el Che Guevara del fútbol. Fue en 2014 que el más talentoso pedagogo de la palabra futbolera en castellano pronunció las últimas palabras, tajantes e irrebatibles: Jugar bien puede ser una cosa para unos y muy distinta para otros. De lo que ya no hay duda es de en qué consiste jugar lindo. La inteligencia, la claridad conceptual y el buen decir fueron características de este que nos enseñó a amar el fútbol como manera rotunda y lúdica de amar la vida. Extrañaremos tanto al Flaco, con la certidumbre de que siempre estará entre nosotros. A continuación el texto (originalmente publicado en 2014 y ahora con algunas actualizaciones) que homenajea a ese flaco, fumador empedernido que partió a los 85 años, víctima de una anemia severa:

Cómo le pega Leonardo Pisculichi de media distancia. Para disparar al arco o para enviar centros perfectos a sus compañeros mejor habilitados.  Cómo le pega  Neymar Jr. que le hizo el segundo al PSG con la clase de los que saben, desde fuera del área y con el ligero efecto que hace del remate, pelota inatajable. Cómo le pega Marcelo Martins que anotó uno de bolea en su cierre de temporada para ser nombrado el mejor extranjero del Brasilerao. Pisculichi estaba de regreso de Qatar con 30 años y el ojo clínico de Marcelo Gallardo sirvió para que un jugador en retirada se convirtiera en la manija de River Plate para conquistar la Copa Sudamericana. Pasar bien y recibir bien son fundamentos ineludibles con los que debe contar un buen futbolista, pero pegarle con precisión y puntería pueden encausar triunfos como el obtenido por los de la banda roja frente a Atlético Nacional de Colombia, o el Barcelona dando vuelta un marcador en partido de Champions, o el Cruzeiro cerrando la temporada con un año fabuloso para el más importante jugador boliviano fuera del país.

El entrenador argentino César Menotti con Pep Guardiola
El entrenador argentino César Menotti con Pep Guardiola

Siempre convencido de que el buen trato de la pelota es el que marca las diferencias de calidad entre unos y otros —para pasarla, para gambetear, para pegarle de lejos—, me reencontré con los orígenes que me convencieron de que el fútbol es un espectáculo para pensar. Esos orígenes están exclusivamente vinculados a mis ávidas lecturas de El Gráfico en 1978 cuando César Luis Menotti, además de ser el seleccionador argentino, fue el locuaz narrador de una aventura entremezclada por jugadores bonaerenses con otros de provincia, que terminaría con la obtención del primer título mundial para la albiceleste.

Pues bien, el número de El Gráfico del último mes de 2014 se presenta con un primer plano del Menotti actual (76 años), canoso, surcado en su rostro por el transcurso del tiempo, quien ofrece respuestas a 120 preguntas y cero cigarrillos luego de haber sido fumador empedernido, que lo confirman como al entrenador que nos enseñó que el fútbol es jugar bien, pero que para ello, aparece como casi imprescindible contar con el maravilloso instrumento de la palabra para vehicular una manera de comprender y explicar el juego, y para eventualmente rebatir tantos falsos debates acerca de la asociación que se hace entre buen fútbol y resultado.

También puede leer: CHACHACOMANI 36 millones de metros cúbicos de agua menos en cuatro años

A Menotti le debemos infinitas reflexiones, incontables ejemplos, ácidas comparaciones y rivalidades que vale la pena sostener, en el convencimiento de que siempre será un buen ejercicio intelectual combatir a los detractores del discurso creativo, los portavoces y hacedores de la practicidad, del camino vertical y simplificado, de la espera antes que de la búsqueda, del ponerse a buen resguardo antes que arriesgar, de los cultores de la falta táctica para anular la inventiva del otro, en la medida en que se carece de prosa o poesía propias. Y es justamente en estas coordenadas que el fútbol seguirá invariablemente siendo juego antes que  botín político, —a pesar de haberse convertido en un negocio descomunal— ese que el propio Flaco calificó alguna vez: “Amo el fútbol, pero su entorno me pudre”.

Menotti fue mi maestro por entregas semanales de la legendaria revista argentina. Me enseñó a mirar el juego apreciando la sensibilidad de los artistas que terminan dominando la pelota con todos sus misterios de trayectorias o inexplicables desapariciones, y es a partir de él que pude entender mejor lo que hizo Brasil del 70, Holanda del 74 y el Barcelona de la prodigiosa década de la santísima trinidad, Messi, Xavi e Iniesta. Justamente en esta conversación con el periodista Diego Borinsky encontramos, como si se tratara del hallazgo que nos faltaba para completar el rompecabezas de nuestras convicciones, el siguiente criterio sobre lo hecho por Josep Guardiola en La Masía y el Camp Nou: “Lo de Guardiola fue un huracán devastador, arrasó con toda la trampa y la mentira, los aniquiló de tal manera que ahora hasta los italianos quieren tener la pelota y jugar. El único que cada día juega peor es Brasil.” Y como para hacer más ilustrada tan rotunda afirmación, completemos el panorama con esta otra: “Fueron asesinados por Guardiola. Felizmente asesinados, los decapitó, les cortó la cabeza, las patas, se acabó, no se puede hablar más, porque ahora Guardiola va a Alemania y mete 7 goles, o como el otro día, que su equipo hizo 35 toques y la empujaron adentro del arco. Se acabó. Esto no quiere decir que no se pueda ganar de la  otra manera, eh, pero eso que ello pregonaron de que no se puede ganar jugando lindo, eso que hay que ganar y punto, se acabó. Ahí tenés a Guardiola: juega lindo, te ganó 16 títulos, les rompió el culo a todos, inventó a un montón de jugadores. A Piqué lo trajo por dos mangos de Zaragoza, Puyol decían que era un burro que no podía jugar y la rompió. Iniesta era suplente. Se acabó. Los decapitó.”

Diego Armando Maradona

¿Qué más? Para fines de comprensión del contexto boliviano es bueno recordar algunas frases convertidas en eslogans, proferida por algunos jugadores de nuestra liga: “No importa si jugamos mal, lo importante es que ganamos” o “hay que ganar como sea”. Listo. Son esos mismos jugadores los que culpan al sol, la luna, las estrellas, la lluvia, el estado del campo, los árbitros y cuantas excusan encuentren en el camino para justificar su mediocridad o las limitaciones inocultables de sus desempeños. He aquí entonces la explicación de por qué inicio este texto refiriendo las virtudes de tres futbolistas —Pisculichi, Neymar Jr, Martins— que demuestran lo que son con la pelota y no por lo que no pudieron conseguir en la vida. He aquí la explicación de por qué en Bolivia no hablamos de fútbol como nos lo propone Menotti, porque puede resultar incómodo el desmontaje de escuálidas propuestas tácticas basadas en la espera y en el contraataque tal como consiguió en gran medida The Strongest su tricampeonato: Jugando a lo Tigre, con valentía, tantas veces feo y casi siempre pensando primero en el cero en arco propio. Así de pobre es nuestro “profesionalismo”, en el que se debate sobre la filosofía de la papa frita y casi nada sobre cómo tratan la pelota nuestros equipos.

Han transcurrido 46 años desde que Argentina ganara en el Monumental de Buenos Aires su primera Copa del Mundo, y la marca rosarina de Menotti sigue indeleble, así como las de paisanos suyos, igual de valiosos por su inteligencia y claridad conceptual para comprender el juego como Marcelo Bielsa, Jorge Valdano, Lionel Messi, o Norberto Fontanarrosa. Así, con personajes de tan grande credibilidad, el fútbol, continúa siendo una extraordinaria aventura a descubrir y conquistar todos los días en el verde césped.

Texto: Julio Peñaloza Bretel

Fotos: Internet

Comparte y opina:

‘Experiencia Ítaca’: la travesía interior multisensorial

La espera estéril se torna fértil a través de la profunda reflexión de la protagonista

La actriz Cristina Wayar y la directora general de la obra, Roswitha Grisi-Huber.

Por Mitsuko Shimose

/ 19 de mayo de 2024 / 06:41

El hecho de haber sentido, conocido o presenciado algo tiene que ver con la vivencia, una de las acepciones de la palabra “experiencia”. Esta vivencia es transmitida a través del viaje interior en Experiencia Ítaca, propuesta teatral del grupo La valija de Penélope, que obtuvo el apoyo del Fondo Concursable Municipal de las Culturas y las Artes (Focuart 2023), estrenada ese mismo año y que regresó hace poco  a las tablas del Centro Cultural de España en La Paz y la Casa Grito. Esta obra, dirigida por Roswitha Grisi-Huber, es la puesta en escena del poemario Ítaca, de Blanca Wiethüchter (1947-2004), cuya reedición fue gestionada también el año pasado por el grupo teatral después de que la edición del año 2000 se hubiese agotado.

Experiencia Ítaca busca no solo mostrar la vivencia de Penélope (Cristina Wayar) durante la angustia de su espera —una angustia de amor que, para el teórico literario y ensayista francés Roland Barthes, en su libro Fragmentos de un discurso amoroso (2014), “es el temor de un duelo que ya se ha verificado, desde el origen del amor”—, sino también hacer vivenciar al público dicha angustia —y su resolución— a través de recursos multisensoriales.

Lo primero que se ve al ingresar al teatro es, naturalmente, la escenografía. Más allá de los elementos en la escena, lo que más resalta son los diversos colores, sobre todo en los vestidos guardados en el closet de la protagonista, los mismos que viste para pintar aquella espera grisácea. Bien lo señala Barthes que existe una “escenografía de la espera”, donde se provocan “todos los efectos de un pequeño duelo”, el cual es rehuido por  ella mediante el uso de prendas en toda la paleta de colores, convirtiéndose así el (des)vestirse en un acto subversivo.

En la puesta en escena se siente, además, el aroma del humo de la vela que la actriz apaga luego de prenderla, cuya luz denota esperanza, y desesperanza cuando ella extingue la llama con su aliento. Era al encender la vela que su angustia se incrementaba, lo que no quiere decir que al apagarla el desasosiego desapareciera. “La angustia de la espera no es continuamente violenta; tiene sus momentos apagados”, apunta al respecto Barthes.

También puede leer: Letras bolivianas, letras hispanas: una celebración que suma

El sentido del gusto se hace presente a través del vino que bebe Penélope (nombre griego que significa “la que teje”), algunas veces imaginando la celebración de cuando esa ausencia se disolviera, u otras, en actitud de cavilación, la cual la lleva del tejer y destejer al escribir y reescribir. “Es la Mujer quien da forma a la ausencia, quien elabora su ficción, puesto que tiene el tiempo para ello; teje y canta; las Hilanderas, los Cantos de tejedoras dicen a la vez la inmovilidad (por el ronroneo del Torno de hilar) y la ausencia (a lo lejos, ritmos de viaje, marejadas, cabalgatas)”, se lee en  los Fragmentos.

La sonoridad —cuyo diseño está a cargo de Canela Palacios— también se percibe claramente en la puesta en escena a través de llaves, sogas tensionadas, arena en un círculo de papel mantequilla, entre otros, cuyas resonancias simbolizan collares, el paso del tiempo y las olas del mar. Del mismo modo se escucha el canto de Penélope, que al igual que el de las sirenas, es el que realiza el conjuro que invoca su nombre en el acto de aguardar. Ya decía Barthes que “la espera es un encantamiento”. Según este teórico francés, “la ausencia amorosa va solamente en un sentido y no puede suponerse sino a partir de quien se queda —y no de quien parte—. Históricamente, el discurso de la ausencia lo pronuncia la Mujer: la Mujer es sedentaria, el Hombre es cazador, viajero; la Mujer es fiel (espera), el Hombre es rondador (navega, rúa)”; pero debido al conjuro, el estado de espera se subvierte.

Unida a la percepción del oído, está la del tacto, pues todo lo que toca la protagonista tiene un sonido específico acompañado de particulares texturas, como el tejido y el telar o, se manifiesta desde el re-descubrimiento de su propio cuerpo, algo que le brinda conciencia de sí misma a través de su corporeidad. Para Barthes, es necesario sacrificar ese Imaginario del otro, para acceder al “amor verdadero”, ese que logra sacarla de su espera sin (des)esperar y que la envuelve en su propio abrazo.

De ese modo, en Experiencia Ítaca, la espera estéril se torna fértil a través de la profunda reflexión en la que la actriz se sumerge durante su viaje interior multisensorial. Esta introspección la lleva a tejer/escribir su propia historia, conduciéndola al tan anhelado encuentro, que ya no es con el otro, sino consigo misma, re-unión que se da en el mar de su isla natal de la cual se reapropia borrando la sensación de anulación que genera la espera, puerto al que llega en el buque de su propio nombre: Penélope, y que termina diluyéndose para convertirse una con el océano: Ítaca florece.

Texto y Foto: Mitsuko Shimose

Temas Relacionados

Comparte y opina:

Nocturno de Tiwanaku

El sitio arqueológico de Tiwanaku abrió sus puertas —de 19.00 a 22.00— para la Larga Noche de los Museos. Una experiencia diferente.

/ 19 de mayo de 2024 / 06:30

Son las siete de la noche y hace (mucho) frío. Un centenar de personas esperan a que las puertas de acceso al sitio arqueológico de Tiwanaku se abran. Llegan los primeros guías y piden paciencia. Es la quinta vez que la Puerta del Sol, los monolitos, el templete subterráneo y las pirámides de la cultura tiwanacota van a ser apreciados de una manera diferente: de noche. Bajo la oscuridad y bajo las estrellas de mayo (mes de la Chakana), Tiwanaku —la vieja capital— revela sus misterios ancestrales.

La pirámide de Akapana es la primera parada del recorrido nocturno. La Chakana —la Cruz del Sur— se ve con todo su esplendor bajo un cielo despejado. El templo está estratégicamente pensado para disfrutar de las deidades astrales en forma de constelación cuadrada y escalonada. La cultura tiwanacota perduró durante más de 25 siglos y siempre supo dónde estaba el sur, gracias a la chakana.

Se ven colores azulados y blancos, rojos, naranjas. Todas las estrellas son más grandes y luminosas que el sol. Los tiwanacotas y otras culturas ancentrales estaban íntimamente conectados con el cosmos, con el cielo. En esta noche de Tiwanaku, lejos de las luces de la ciudad, esa relación —olvidada con la llegada de la era de la industrialización— renace de repente. Es un viaje en el tiempo.

En la visita nocturna a Tiwanaku se pueden apreciar piezas emblemáticas.
En la visita nocturna a Tiwanaku se pueden apreciar piezas emblemáticas.

El “puente/escalera” (eso significa chakana en quechua) está frente a los ojos de los que llegaron. La conexión entre el mundo terrenal y el mundo de los dioses se dibuja en el firmamento despejado. Son los cuatros “suyos”. Un guaraní que visita Tiwanaku por primera vez dice en voz alta en el primer grupo de visitantes: “no veo una cruz, lo que veo yo es al ñandú”. Tiene razón (también): la constelación lleva la forma de una avestruz. Cada uno ve lo que quiere.

La segunda estación es el monolito Ponce. Es la estela ocho. Estamos dentro del Templo de Kalasasaya, el templo de las piedras paradas. Tiene tres metros y es de una sola pieza, de piedra andesita. Tiene lágrimas con forma de pez, hombres alados, águilas, plumas, cóndores. De noche impresiona más, de noche parece saber cómo y porqué desapareció la cultura tiwanacota, esa que se extendió desde las costas del actual Chile hasta el altiplano, desde el Perú hasta la Argentina actual. ¿Qué pensaría la noche que lo “descubrió” Carlos Ponce Sanginés? Dime cuál es tu verdadero nombre, ahora que está oscuro y nadie nos escucha. Cerca está el monolito Fraile, pieza de arenisca veteada. Tiene peces. Es un dios del agua, cuando el lago Titicaca llegaba hasta estas orillas. En una mano un “keru” (vaso) y en la otra un báculo. Viste faja. Fue enterrado con honores. No sabemos cuándo resucitará.

También puede leer: Francine Secretan, último viaje al origen

Unos metros más adelante, al extremo oeste, los turistas se sacan fotos con la Puerta del Sol. Está iluminada y la gente aprovecha para sacarse “selfies”. Dicen que antes adorábamos a la luna y luego la cambiamos por el sol. Este recorrido nocturno es una ofrenda a la diosa luna, esa que ilumina nuestras noches de insomnio. Espero que Huiracocha, el Señor de los Báculos, no se moleste.

Los visitantes observan y toman fotografías a las estelas de Tiwanaku.

Caminamos en la oscuridad, hay que mirar al suelo para no tropezar. Algunos alumbran el piso con la luz de los celulares. Cuando bajamos hacia el Templo de Kalasasaya, hay que agarrarse de las piedras de las escaleras, de las paredes balconeras. La temperatura, a campo abierto, roza los cero grados. Cuando llegamos a la escalinata de piedra, todos se paran para sacar fotos. Cuando bajamos al templete subterráneo, al mundo de abajo, las 175 cabezas clavas de roca caliza dan más miedo que de día. Están a punto de contarnos la verdad en esta noche de misterio. La guía habla de mensajes extraterrestres que se escuchan en las noches más frías, como la de hoy.

En el centro del templete estaba el monolito Bennet, la estela Pachamama. Hoy está a resguardo en el Museo Lítico, bajo techo. Ha sufrido demasiado desde que fuera llevada a la fuerza y sin permiso de la comunidad a la ciudad de La Paz en 1932. Primero estuvo en el Prado y luego junto al estadio Hernando Siles en Miraflores. Cada vez que lo movieron/molestaron sin pedir permiso/ofrenda ocurrieron desastres, especialmente inundaciones, como aquellas del 2002 cuando fue trasladado de vuelta por última vez. Su “descubridor”, el gringo Bennett, murió ahogado en una playa de su país, Estados Unidos. Con los dioses no se juega y menos si son gigantes. En su lugar, hoy está el Monolito Barbado, es la estela 15 o “Kontiki”. La guía apura a los visitantes: “vayan saliendo, tienen que entrar el resto de los grupos”.

De regreso al Museo Lítico, nos chocamos con otros grupos. En la entrada del museo, los chicos del grupo de teatro de la UPEA, la Universidad de El Alto, escenifican pasajes y leyendas. El paseo por las salas cerámicas y líticas es gratuito cuando Tiwanaku se muestra de noche.

La estela Pachamama luce imperial, sobrecoge por su tamaño. Me gustaría que estuviese de nuevo en su lugar junto al resto de las estelas, junto a sus hermanos, como reina de la noche. Son las 10 y los últimos minibuses devuelven a los citadinos a las luces de la ciudad. El sortilegio ha terminado. Los gigantes duermen tranquilos. Hasta el próximo nocturno de Tiwanaku.

Texto y Fotos: Ricardo Bajo Herreras

Temas Relacionados

Comparte y opina: